Johnny Hallyday, de son vrai nom Jean-Philippe Smet, né le 15 juin 1943 dans le 9^e arrondissement de Paris et mort le 5 décembre 2017 à Marnes-la-Coquette (Hauts-de-Seine), est un chanteur, compositeur et acteur français.

Durant ses 57 ans de carrière, il s'impose comme l'un des plus célèbres chanteurs francophones et l'une des personnalités les plus présentes dans le paysage médiatique français.

S'il n'est pas le premier à chanter du rock en France, il est, à partir de 1960, le premier à populariser le rock 'n' roll dans l'Hexagone. Les différents courants musicaux auxquels il s'adonne - le rock 'n' roll, la pop, le rhythm and blues, la soul, le rock psychédélique - puisent tous leurs origines dans le blues. Bien qu'il interprète de nombreuses chansons de variété, de ballades et parfois de country, le rock reste sa principale référence.

Sa longévité au premier plan de la scène artistique et ses prestations vocales et scéniques lui attirent la reconnaissance de ses pairs et du public. Au total, il réalise 80 albums, dont 51 albums studio. Il totalise 6 disques de diamant, 40 disques d'or, 22 disques de platine et 10 Victoires de la musique. En dehors des pays francophones, s'il ne parvint pas à s'imposer durablement malgré plusieurs tournées à succès, notamment en Amérique du Sud, sa réputation d'homme de scène franchit les frontières. Il effectue ainsi 184 tournées et donne plus de 3 250 concerts, totalisant 29 millions de spectateurs, avec des prestations à gros budgets et effets scéniques.

Alors qu'il est atteint d'un cancer du poumon, il effectue sa dernière tournée en juin et juillet 2017, aux côtés de ses amis Jacques Dutronc et Eddy Mitchell, avec qui il a formé le trio des Vieilles Canailles. Sa mort, survenue quelques mois plus tard des suites de sa maladie, donne lieu à un important hommage populaire. Au moment de sa mort, les ventes de ses disques se chiffrent à 110 millions d'exemplaires.

Biographie

Enfance et adolescence

Fils d'Huguette Clerc (1920-2007), alors employée de crèmerie, et de Léon Smet (1908-1989), artiste de cabaret belge^,,, Jean-Philippe Léo Smet naît à la clinique Villa Marie-Louise située 3, cité Malesherbes dans le 9^e arrondissement de Paris, le 15 juin 1943.

À sa naissance, Jean-Philippe porte le nom de sa mère, Clerc, car Léon Smet ne l'a pas reconnu. Début 1944, Léon Smet abandonne sa compagne et son fils, âgé de huit mois. À la demande d'Huguette, le couple se reforme le temps d'un contrat de mariage et d'une reconnaissance en paternité, le 7 septembre 1944 ; dès lors, l'enfant se nomme officiellement Jean-Philippe Smet. Avant le jour de son baptême, célébré le 10 septembre 1944 en l'église de la Sainte-Trinité à Paris, Léon et Huguette Smet demandent au second époux de Jacqueline Harpet (elle-même deuxième épouse de Léon Smet), l'homme de radio Alain Trutat, d'être le parrain de leur fils, et à une nièce de Léon Smet, Menen Mar, d'être sa marraine.

Peu après, Léon Smet part définitivement. Huguette Clerc reprend après la naissance de Jean-Philippe une activité professionnelle, devenant mannequin de cabine pour des couturiers^,,. Son métier lui laissant peu de temps, elle confie son enfant à sa belle-sœur Hélène Mar^,. Cette dernière devient pour l'enfant une figure maternelle de substitution, aidée de ses filles Desta et Menen.

Le 28 mars 1945, le mari d'Hélène, Jacob Mar, est arrêté pour faits de collaboration, ayant été speaker et éditorialiste à Radio-Paris, la radio de la propagande nazie, ce qui compromet la carrière de première danseuse-étoile de ses filles. Après-guerre, dans une France marquée par la guerre et avec un père absent, Jean-Philippe sera traité de « fils de boche », de « bâtard » ou de « fils de divorcé », « stigmates sociaux que la légende de Johnny va (plus tard) récupérer pour les convertir en signes positifs ».

À trois ans, Jean-Philippe entame une vie d'enfant de la balle au gré du travail de danseuses classiques de ses cousines. Fin 1946, Desta et Menen s'installent à Londres pour deux ans avec leur jeune cousin. Desta épouse Lee Lemoine Ketcham, un danseur américain connu sous le nom de scène de Lee Halliday. Le trio de danse acrobatique, Desta, Menen et Lee, se produit à travers l'Europe jusqu'en 1949. Le trio devient ensuite duo : Desta et Lee se font alors appeler « Les Halliday's ».

Lee Halliday, qui est aux yeux de l'enfant une incarnation du rêve américain, devient son père de cœur et le surnomme Johnny. Plus tard, au moment de choisir un nom d'artiste, il optera ainsi pour le nom de scène « Johnny Halliday ». Inscrit à l'école des enfants du spectacle, il suit des cours par correspondance, apprend la danse classique et, à Paris, suit des cours de théâtre au Centre d'art dramatique de la rue Blanche et au Théâtre du Petit Monde. Selon ses propres déclarations effectuées à l'occasion d'un spectacle à l'opéra Garnier, Johnny Hallyday reconnait « avoir été petit rat sur cette même scène de l'Opéra dans la troupe dirigée par Serge Lifar »'.

Il apprend le violon qu'il déteste et finit par l'échanger, au grand dam de ses aînés, contre une guitare. Durant deux ans, où il vit à Genève, inscrit au conservatoire, il prend des cours de guitare avec le maître José de Azpiazu. Ce dernier, n'appréciant guère qu'il joue dans les rues des airs de cow-boy, finit par le renvoyer. Dès l'âge de neuf ans, il occupe la scène pendant les changements de costume du couple, en chantant des chants traditionnels français ou américains. Il monte officiellement sur scène, pour la première fois le 13 juin 1956, en première partie du spectacle des Halliday's, à l’Atlantic Palace de Copenhague, où il chante La Ballade de Davy Crockett, en s'accompagnant à la guitare, habillé en cow-boy.

Rentrée à Paris, la famille demeure dans le quartier de la Trinité au 13, rue de la Tour-des-Dames.

Johnny obtient divers petits rôles : il est figurant dans Les Diaboliques, tourne une réclame pour une marque de vêtements, participe à la télévision à l'émission Martin et Martine, où il chante Dans les plaines du Far-West. À 14 ans, en voyant au cinéma le film Amour frénétique, Johnny découvre Elvis Presley et le rock 'n' roll. C'est une révélation et, convaincu d'avoir trouvé sa voie, il décide de devenir rockeur.

Débuts musicaux (1957-1960)

Johnny commence sa carrière avec le soutien de ses proches, notamment de Lee Halliday, qui le produit. Convaincu que cette musique peut s'imposer en France, Lee Halliday fait envoyer d'Amérique, par sa famille, des disques de rock qui permettent à Johnny de faire son apprentissage de rockeur. Il devient dans le même temps possesseur d'une collection de disques alors inconnus en France. Eddy Mitchell se souvient à ce propos : « Johnny avait beaucoup de disques américains qu'on ne pouvait pas acheter en Europe, ce qui me permettait d'écouter tout ce que je ne pouvais pas écouter autrement, si bien qu'on passait souvent des après-midi et des soirées à écouter Presley, Bill Haley et des tas d'autres trucs qui n'étaient pas encore disponibles chez nous ».

À partir de 1958, Johnny fréquente ce qui bientôt devient le lieu culte du rock français : le Golf-Drouot, d'Henri Leproux. C'est là qu'il retrouve d'autres copains, futurs confrères et concurrents : Long Chris, Dany Logan, Jacques Dutronc et Eddy Mitchell. Sur le tremplin, s'inspirant de ses idoles, il chante des reprises et adaptations françaises du répertoire américain en s'accompagnant à la guitare. À l'Orée du Bois, durant les changements de costumes de Desta et Lee, Johnny chante Elvis, sous les sifflets du public. Dès le second soir, il est renvoyé. Accompagné par Philippe Duval, son premier guitariste, il cherche à se produire dans divers clubs mais, partout le scénario est identique : on le refuse ou il est remercié. Il obtient ses premiers succès publics en chantant pour les GIs dans les bases américaines.

Le 30 décembre 1959, il participe à l'émission radio Paris cocktail de Pierre Mendelssohn, avec en vedette Colette Renard. Il chante Viens faire une partie. Les auteurs-compositeurs Jil et Jan, enthousiasmés par sa prestation, le présentent à Jacques Wolfsohn de la maison de disques Vogue.

Années Vogue (1960-1961)

Le 16 janvier 1960, Johnny, encore et pour peu de temps « Halliday », signe un contrat avec Vogue. Sa première prestation pour la maison de disques a lieu à Namur, en Belgique, où, avec Jean-Jacques Debout (également chez Vogue), il participe à un show-radio.

Le 12 février, il est en studio et sous la direction de Léo Petit, il enregistre en s'accompagnant à la guitare et en prise directe, quatre chansons.

Son premier super 45 tours, sort le 14 mars. Sur la pochette, son nom est, par erreur, orthographié avec deux « y », graphie qui sera définitivement, adoptée^,. T'Aimer follement (titre également chanté par Dalida à la même période), est la chanson promue. L'accueil des radios est très défavorable voire franchement hostile. Johnny provoque un choc de générations et seule l'émission Salut les copains, quotidiennement programmée sur Europe N°1, fait figure d'exception ; dès la parution du disque le chanteur est largement soutenu par les présentateurs Daniel Filipacchi et Frank Ténot.

En avril, le chanteur obtient son premier contrat professionnel de 500 nouveaux francs et se produit, les 16 et 17, au Cabaret l'Escale à Migennes, (Johnny Hallyday 1960 : À la Roche-Migennes). Le lendemain, parrainé par Line Renaud, il fait sa première télé dans L'École des vedettes d'Aimée Mortimer et chante Laisse les filles en jouant de la guitare tout en se roulant par terre, ce qui défraie la chronique mais aussi dope les ventes du disque qui, de trente mille exemplaires déjà vendus, passent en quelques jours à cent mille. Line Renaud le présente comme un chanteur d'origine franco-américaine ; déjà au verso de la pochette du 45 tours, un encadré l'annonce comme étant « un américain de culture française ». Une biographie américaine inventé par la maison de disques, où Lee Halliday, véritable américain né en Oklahoma, n'est plus son cousin par alliance, mais son grand frère. En juillet, sur les conseils de Charles Aznavour, Johnny rétablit la vérité sur ce demi-mensonge^,.

Souvenirs, Souvenirs, son nouvel EP (sorti en juin), offre au chanteur son premier succès, tandis que son impresario Georges Leroux lui décroche de nombreux galas. Johnny est engagé en première partie de la tournée de Sacha Distel, avant de se produire durant l'été au casino de Juan-les-Pins. Au cours de la tournée, on assiste aux premiers mouvements de foule et ses prestations sont marquées par de nombreuses mini-émeutes, émaillées de multiples dégradations par ses admirateurs. La presse, unanimement hostile, parle d'hystérie collective pour dépeindre l'ambiance de ses galas^,. En septembre, durant trois semaines, à l'Alhambra, il est programmé en vedette américaine de Raymond Devos. Son jeu de scène divise une fois de plus le public. Au balcon, si les plus jeunes sont enthousiastes et le lui font savoir avec véhémence, en revanche, au parterre, les aînés indignés le huent. Le tollé est tel que la direction veut supprimer Johnny du programme. Raymond Devos s'y oppose et Hallyday va jusqu'au bout de son engagement.

Après le succès de Souvenirs, Souvenirs et la sortie en octobre d'un troisième 45 tours (Itsy bitsy, petit bikini), d'autres émissions de radio vont le programmer. Ce même mois, sort son premier 33 tours 25 cm Hello Johnny. Cette fois encore, avec la chanson Itsy bitsy petit bikini, Johnny Hallyday est en concurrence avec Dalida (sa propre version est sortie un mois plus tôt) et Lucien Morisse, directeur des programmes d'Europe n^o 1 et compagnon de Dalida, le 11 octobre, dans son émission Le Discobole, excédé, casse le disque de Johnny Hallyday en direct à l'antenne en déclarant « C'est la dernière fois que vous l'entendez^,. »

En novembre, le chanteur se produit plusieurs jours à l'Alcazar de Marseille, où il confirme son succès naissant, avant de s'imposer à Monte-Carlo.

Autour de Johnny Hallyday, le 24 février 1961 est organisé le Premier festival international de rock au Palais des sports de Paris dans une ambiance survoltée et explosive où bagarres et arrestations sont nombreuses. L'événement, qui lance véritablement le rock en France, est gravé sur le disque Johnny Hallyday et ses fans au festival de rock 'n' roll. Vraisemblablement il s'agit du premier album live de rock au monde, si ce n'est qu'il est enregistré en faux live et de facto devient le premier faux live de l'histoire internationale du rock. À cette époque, le marché du disque est dominé par les vinyles 25 cm et les EP et la publication d'un 33 tours 30 cm témoigne de la notoriété d'un artiste et de sa reconnaissance. C'est ainsi qu'Hallyday voit confirmé son récent statut de vedette, avec la sortie de son premier album Nous les gars, nous les filles. Pour autant un profond désaccord oppose Vogue et le chanteur. Désormais, Johnny n'est plus seul en France sur le marché du rock et la concurrence est rude, notamment celle du groupe d'Eddy Mitchell, Les Chaussettes noires. Aussi demande-il davantage de musiciens et des arrangements plus sophistiqués, avec saxophones et claviers. La réponse est « Tu fermes ta gueule et tu chantes », à quoi il réplique : « Je ne vois pas comment je peux chanter en fermant ma gueule » et part pour ne plus revenir.

Johnny Hallyday, âgé de 18 ans, professionnel depuis à peine plus d'un an, a déjà enregistré 36 chansons et vendu un total de 1 673 000 disques. Sur fond de procès avec Vogue, il signe chez Philips le 19 juillet 1961. Johnny Stark devient son nouvel imprésario, tandis que Vogue sort un troisième et dernier 25 cm, Tête à tête avec Johnny Hallyday.

« L'idole des jeunes » (1961-1964)

Alors que de nombreux incidents parsèment toujours ses apparitions et que plusieurs villes (Biarritz, Bayonne, Strasbourg, Cannes...) lui ferment leurs portes, Johnny enregistre, aux studios Fontana à Londres, son premier disque Philips Viens danser le twist, qui sort le 20 septembre 1961. Le jour même et jusqu'au 9 octobre, il est le premier artiste de sa génération à se produire en vedette à l'Olympia de Paris, où il lance le twist en France. Pour Noël, sort l'album Salut les copains, titre qui se veut un clin d'œil reconnaissant à la célèbre émission radio. La chanson Retiens la nuit s'impose particulièrement et marque sa carrière. Si ce n'est pas la première chanson douce du rockeur, écrite par Charles Aznavour et Georges Garvarentz, elle fait date et lui vaut un regard des critiques plus clément. Son jeu de scène et les débordements que provoquent ses apparitions publiques sont toujours dénoncés, mais on souligne aussi, à présent, ses qualités vocales et son talent d'interprète. Désormais, il alterne chansons rythmées et chansons sentimentales, suivant en cela le conseil de Charles Aznavour, chanteur lui aussi contesté à ses débuts (25 cm Retiens la nuit).

Au printemps 1962, il enregistre à Nashville l'album Sings America's Rockin' Hits, chanté entièrement en anglais. Jamais encore un tel disque n'a été réalisé à l'attention du public français, alors peu enclin aux chansons en langue étrangère et, s'il ne bouleverse pas les ventes, l'opus obtient un réel succès d'estime et est distribué dans de nombreux pays (Japon, Royaume-Uni, États-Unis...). En avril, Johnny reçoit son premier disque d'or pour Let's Twist Again, avant de retourner aux États-Unis pour une tournée de promotion, où il participe à plusieurs émissions, dont l'Ed Sullivan Show, qui est tourné au Moulin-Rouge, en France.

Les succès s'enchaînent : Laissez-nous twister, Pas cette chanson, Elle est terrible et surtout L'idole des jeunes, une appellation qui, désormais, va durablement lui coller à la peau. Nanti de ce nouveau titre, il investit l'Olympia du 25 octobre au 12 novembre 1962, où (après le twist), il lance le mashed potato. Sur le titre La bagarre, il se met en scène dans une rixe avec des voyous et sur I Got a Woman, à genoux devant sa guitare, il mime la scène finale de La Fureur de vivre. Ce second Olympia est un nouveau succès public et les critiques soulignent d'évidentes qualités scéniques (Johnny à l'Olympia). Début 1963, il chante au Palladium de Londres, puis s'envole pour le Liban pour une série de galas. Arrivé à Beyrouth, on lui annonce que sa venue crée des troubles politiques et que les représentations sont annulées. Indésirable, il rentre en France, où l'incident fait débat à l'Assemblée nationale.

Pour le premier anniversaire du magazine Salut les copains, Europe n^o 1 organise, le 22 juin 1963, un concert gratuit place de la Nation, réunissant (notamment), Sylvie Vartan, Richard Anthony, les Chats sauvages et Johnny Hallyday. Alors que quelque trente mille personnes sont attendues par les organisateurs, la manifestation rassemble entre cent cinquante mille et deux cent mille jeunes. Le retentissement est considérable et, si le concert lui-même se déroule sans incidents, des heurts ont lieu en périphérie entre bandes rivales. Le lendemain et les jours suivants, dans la presse, le concert passe au second plan, on ne retient de l'événement que les dégradations et les interpellations de blousons noirs par la police^,. Le quotidien Le Monde, le 6 juillet, publie un long article du sociologue Edgar Morin dans lequel l'auteur invente et sacralise l'expression yéyé^,, qui s'impose de facto pour qualifier cette génération et ses idoles, en raison des nombreuses onomatopées qui parsèment leurs chansons.

D'onomatopées, il en est encore question avec le nouveau succès de Johnny Da dou ron ron, son premier à rester huit semaines n^o 1 dans les hit-parades (25 cm Da dou ron ron). La tournée d'été, toujours mouvementée, crée une nouvelle polémique après son passage à Trouville, où en ce 14 juillet il interprète La Marseillaise ; ce qui lui vaut les foudres des anciens combattants, qui l'accusent de l'avoir chantée en rock. L'initiative fait scandale et l'incident est commenté au journal télévisé du soir. Le chanteur est en vedette dans le film D'où viens-tu Johnny ?. Pour moi la vie va commencer et Ma guitare, extraits de la BOF éponyme, sont à l'automne deux énormes succès.

Début 1964, sort le 25 cm Les guitares jouent, enregistré avec son nouveau groupe Joey and the Showmen. Pour la première fois, avec Quand je l'ai vue devant moi, il chante une adaptation d'une chanson des Beatles (I Saw Her Standing There) et donne dans le country blues avec Excuse-moi partenaire. Le succès, tant public que critique, est au rendez-vous de son troisième Olympia, où il se produit du 6 février au 15 mars. (Johnny Hallyday Olympia 64) Il donne encore quelques galas en province, à l'issue desquels il est incorporé, le 8 mai, au 43^e régiment d'infanterie de marine d'Offenbourg (le chanteur a bénéficié d'un report d'une année afin de pouvoir honorer tous ses engagements). Enregistré avant son incorporation, sort début juillet l'album Johnny, reviens ! Les Rocks les plus terribles. L'opus entièrement rock 'n' roll, propose des adaptations de standards américains. L'armée profite du passage dans ses rangs pour quinze mois de la célèbre recrue pour tourner des petits films de propagande bon enfant, à l'attention de la jeunesse, ainsi que quelques émissions de variétés réalisées en direct de la caserne, et, à la condition qu'il pose en tenue militaire sur les pochettes de disques, il obtient l'autorisation de poursuivre ses enregistrements. C'est durant cette période qu'il grave l'un de ses plus grands succès, Le Pénitencier, extrait du 25 cm éponyme.

Errances musicales et reconquête (1965-1968)

Le soldat Smet obtient une permission spéciale afin de pouvoir épouser Sylvie Vartan. Le couple se marie le 12 avril 1965, à Loconville ; il souhaitait une cérémonie intime, mais envahie par le public et la presse, l'événement provoque une mini émeute. L'album Hallelujah sort le 9 juillet 1965. S'il est toujours militaire, c'en est fini des poses en tenue règlementaire et sur la pochette Hallyday apparaît guitare à la main, vêtu d'un blouson et d'un blue-jeans.

En août, Johnny Hallyday obtient des autorités militaires l'autorisation de chanter durant les dernières semaines de son service. Le 5, il débute à Colmar la tournée Johnny reviens^,. Le 28 août, le chanteur est libéré, et (ce jour là), il donne en matinée à Strasbourg, un gala d'« adieu aux copains de l'armée », puis (le soir même), chante au casino de Juan-les-Pins. Le chanteur se produit jusqu'au 6 septembre à travers la France, mais aussi en Belgique et en Suisse, où le 18 août à Genève, sa venue provoque une telle émeute, qu'il lui sera interdit de s'y produire durant plusieurs années pour trouble à l'ordre public^,.

En novembre 1965, sort un second album Johnny chante Hallyday qu'il a entièrement composé et qui marque le début d'une longue collaboration artistique avec son ami Long Chris. Le chanteur se produit à partir du 25 octobre à l'Olympia, jusqu'au 26 décembre. Musicalement Hallyday évolue vers le rhythm and blues, son tour de chant est entièrement renouvelé et les anciennes chansons sont expédiées en un medley qui ouvre le récital. Seul le hit Le Pénitencier parmi les anciens succès est présent et le public, quelque peu dérouté, ne retrouve pas le copain Teenager. Son retour laisse une impression mitigée.

En ce début d'année 1966, plus rien ne semble aller pour lui : ses ventes de disques connaissent une forte baisse et multipliant les galas, il ne joue pas toujours à guichet fermé. En cette période difficile, Hallyday se produit dans plusieurs pays étrangers, notamment en Europe de l'Est. Arrive alors un nouveau chanteur nommé Antoine qui connait un succès fulgurant avec le titre Les Élucubrations d'Antoine, où au détour d'un couplet, il propose d'enfermer « Johnny Hallyday en cage à Medrano ». Peu après, Hallyday réplique avec le titre Cheveux longs et idées courtes qui connait un succès égal.

Il figure à une place privilégiée sur la « photo du siècle » regroupant 46 vedettes françaises du yéyé en avril 1966.

Johnny, en août, enregistre un nouvel album à Londres. Il y fait la connaissance de Noel Redding et Jimi Hendrix, qu'il contribue à faire connaître en les engageant dans sa tournée. Une plaque commémorative au Novelty de la rue Chartraine à Évreux, évoque le premier concert de la toute première tournée d'Hendrix le 13 octobre 1966, en première partie de Johnny Hallyday. Si professionnellement cela va mieux, il n'en est pas de même côté vie privée. Alors que son fils, David, naît le 14 août, lui chante à Milan. Le lendemain, pour quelques heures il est au chevet de Sylvie, puis s'envole pour Venise, où il se produit le soir même. La presse se fait l'écho d'une séparation imminente alors que le fisc lui réclame un lourd arriéré d'impôts. Le 10 septembre, Johnny doit chanter à la Fête de l'Humanité ; épuisé par le rythme des galas et profondément déprimé, à quelques heures de la représentation, il tente de se suicider puis est hospitalisé d'urgence. C'est dans ce contexte, que Philips sort le titre Noir c'est noir, qui devient un énorme tube (le plus important depuis Le Pénitencier).

Après quelques semaines de convalescence, à l'occasion d'un Musicorama Johnny chante à l'Olympia le 18 octobre, accompagné par une nouvelle formation, les Blackburds^,, que dirige le guitariste Mick Jones et le batteur Tommy Brown. C'est un Johnny nouveau qui apparaît, son récital, sur des sonorités pop et rhythm and blues, est totalement inédit, son jeu de scène est renouvelé, son chant aussi. Désormais Hallyday « donne de la voix » et à force de débauches d'énergies, il emporte l'adhésion. Cette représentation à l'Olympia relance totalement sa carrière. Le lendemain, l'album La Génération perdue est commercialisé. Ce disque, qui regorge de hits et de titres pour la scène demeure l'un des plus importants de sa production. L'année s'achève sur un autre grand succès, Si j'étais un charpentier.

Enregistrée à Londres en décembre, avec la participation de Jimi Hendrix, l'adaptation de Hey Joe est un nouveau tube pour Hallyday au printemps 1967.

La séparation entre Sylvie et Johnny n'est plus d'actualité et le couple se produit à l'Olympia du 15 mars au 16 avril. Johnny assure la seconde partie et commence son tour de chant avec Les coups, qu'il entame depuis les coulisses, le son allant crescendo à mesure qu'il avance vers la scène. Côté orchestration, priorité est donnée aux cuivres sur des tonalités très soul (Olympia 67). Fort de ce succès, le couple entame une tournée sud américaine de plusieurs semaines. Amour d'été, adapté d'un classique d'Elvis Presley et Aussi dur que du bois sont les titres forts du nouvel album Johnny 67, qui confirme son orientation vers la musique soul. À l'automne, avec San Francisco et Fleur d'amour et d'amitié imposées par sa maison de disques, le rockeur cède à la mode hippie, alors que Mon fils et Psychedelic ? titre sur lequel joue le guitariste Jimmy Page ? complètent ce nouvel EP. Europe n^o 1 lui consacre, le 14 novembre, un Musicorama exceptionnel organisé au Palais des sports de Paris. 450 projecteurs et 800 phares de voitures dressés tel un mur au fond de la scène servent de décors. Pour la première fois, il utilise des écrans sur lesquels sont projetés une multitude d'images disparates. Le récital très contrasté alterne séquences peace and love et rock psychédéliques et violents. Johnny quitte la scène après un Lucille déchaîné, et s'effondre au bord de la syncope dans la voiture qui l'emporte. La presse française et internationale commente largement la prestation d'Hallyday qui acquiert véritablement ses galons de bête de scène. (Johnny au Palais des sports).

À ce moment de sa carrière, un constat s'impose. Depuis deux ans, Johnny Hallyday est de toutes les influences musicales de l'époque : rhythm and blues, musique pop, musique soul, rock psychédélique et il n'a plus enregistré de rock 'n' roll depuis 1965 (année où il enregistre Rock and Roll Music) et, bien qu'il ait repris à la scène le classique de Little Richard Lucille, il faut attendre l'album Rêve et amour et la chanson Cours plus vite Charlie pour qu'il y revienne furtivement.

En 1968, Johnny confirme ses errances musicales tous azimuts, avec plusieurs super 45 tours, qui précèdent la sortie, en juin, de son neuvième album studio Jeune Homme, avec lequel il poursuit sa période psychédélique qu'il parachève avec l'emblématique album Rêve et amour qui paraît en octobre. La pochette du disque, mi-photo mi-dessin, est fortement influencée par celle de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band des Beatles. Johnny y apparaît vêtu d'une tunique couverte de médaillons aux effigies de nombreuses personnalités de la chanson, du cinéma, de la politique... Les titres Entre mes mains, Fumée et Cours plus vite Charlie, s'imposent au public. Ce dernier est l'unique reprise d'un disque qui initialement devait être enregistré en anglais.

Dans le cadre des Jeux olympiques d'hiver de 1968, il se produit à Grenoble le 10 février (Europe 1 retransmet l'évènement à l'occasion d'un Musicorama). Le 10 mai 1968, lors de sa troisième tournée en Afrique, Hallyday est expulsé du Cameroun à la suite d'une rixe avec le ministre centrafricain de la Fonction publique à l'hôtel Indépendance de Yaoundé.

En concert à Johannesburg, en octobre, ébloui par un projecteur, Johnny tombe dans la fosse d'orchestre et se fracture un pied. Il termine malgré tout la représentation et c'est dans le plâtre qu'il honore chacun de ses engagements en Afrique du Sud. Contre l'avis des médecins, il fait de même en France, jusqu'à ce que, victime d'un malaise, il s'effondre sur la scène du Palais d'Hiver à Lyon. Cet incident l'oblige à plusieurs semaines de repos forcé, durant lesquelles il travaille avec Mick Jones et Tommy Brown à la formation d'un nouveau groupe.

Rocks violents et chants contestataires (1969-1971)

En février 1969, Johnny Hallyday reprend la scène, d'abord au Canada, puis en France, où il rode son nouveau tour de chant, avant de se produire au Palais des sports de Paris du 26 avril au 4 mai. Un nouveau guitariste, Jean-Pierre Azoulay (remarqué en février au Golf-Drouot), a intégré la formation et va fortement marquer le « son Hallyday » au cours des années à venir^,. Au Palais des sports, l'artiste propose un spectacle totalement inédit. Évoluant sur plusieurs scènes reliées à la principale, sur l'une d'elles, il interprète Caché derrière mes poings chanson dédiée au « noble art », sur laquelle il se met en scène en boxeur. Écrite par Gilles Thibaut et Jean Renard, la chanson Que je t'aime alors inédite fait grosse impression et compte parmi les moments forts du tour de chant. 100 000 spectateurs assistent à ce qui est véritablement son premier « grand » spectacle qualifié par le magazine Rock & Folk de « show de l'an 2000 » (un live nommé Que je t'aime sort en novembre).

En cette période post-soixante-huitarde, Johnny Hallyday s'oriente vers un rock plus dur, plus violent, plus engagé. Communément appelé Rivière? ouvre ton lit, un nouvel album très blues rock, pour lequel il s'est entouré de nombreux musiciens anglais, notamment Peter Frampton et Steve Marriott, sort en mai. Aux manettes Glyn Johns, producteur, ingénieur du son ayant collaboré avec la crème de la musique pop rock (The Beatles, The Rolling Stones, Led Zeppelin...) c'est à l'époque un disque très novateur dans le paysage rock français. Si le disque offre au chanteur nombre de chansons pour la scène, seul Je suis né dans la rue accède au rang de tube et devient un classique de son répertoire. La chanson Que je t'aime diffusée en 45 tours en juin, obtient un grand succès et demeure l'une des plus célèbres de l'interprète. Sa tournée d'été bat des records d'affluence et Que je t'aime déclenche d'authentiques scènes d'hystérie et nombre d'évanouissements. Le spectacle achevé, Hallyday est très souvent évacué en car de police pour échapper à l'enthousiasme des fans.

En 1970, sa collaboration avec le journaliste, écrivain et cinéaste Philippe Labro poursuit cette évolution et marque grandement sa carrière. Amis, ils partagent une passion commune pour l'Amérique, et les textes écrits par Labro donnent aux chansons d'Hallyday plus de profondeur, révélant un nouvel aspect du chanteur. La première chanson Labro-Hallyday à être diffusée leur attire bien des problèmes. Alors que la face B du 45 tours On me recherche (qui raconte le périple d'un truand et ose quelques insolences envers la police), passe sans encombre, il n'en est pas de même pour le titre Jésus Christ, sur lequel Johnny chante que « si le christ vivait encore aujourd'hui, il serait un hippie », ce qui déclenche polémiques et scandales. La chanson s'attire les foudres de l'église et le Vatican menace d'excommunier l'auteur et l'interprète. Interdit d'antenne, le disque est retiré des rayons dans plusieurs magasins. Cette censure dope les ventes. Cependant, s'il ne la clame pas, Johnny Hallyday n'a jamais caché sa foi catholique.

Un nouvel album, intitulé Vie, sort en novembre. Le disque diffère des productions précédentes, plus engagé plus contestataire, il évoque des problèmes contemporains comme l'écologie. Essentiellement écrit par Philippe Labro et Jacques Lanzmann, Vie est l'une des plus fortes ventes de cette fin d'année. L'année est également marquée par le cinéma, où pour la première fois le chanteur trouve deux véritables rôles : il incarne un justicier dans Le Spécialiste, western spaghetti de Sergio Corbucci et un voyou repenti dans Point de chute, drame policier de Robert Hossein.

Le 20 février 1970, Sylvie Vartan et Johnny Hallyday se rendent à Belfort pour un gala et sont victimes d'un grave accident de la route. Si lui n'est que très légèrement touché, c'est beaucoup plus grave pour Sylvie, sérieusement blessée au visage. Des spécialistes américains en chirurgie esthétique parviennent, après plusieurs opérations, à lui rendre son visage. Début 1971, l'affiche d'une tournée aux Antilles et au Canada fait scandale : Hallyday y apparaît crucifié sur une guitare. À Pointe-à-Pitre, le spectacle se transforme en émeutes et durant les étapes canadiennes les incidents sont également nombreux. Le succès de la chanson Oh ! Ma jolie Sarah est fulgurant et s'inscrit parmi les plus gros succès de la décennie. Elle précède la sortie en juin de Flagrant délit, un album exclusivement rock, entièrement écrit par Philippe Labro. Johnny Hallyday a longtemps dit que Flagrant délit était son album préféré (jusqu'à ce que Rock'n'Roll Attitude ne prenne cette première place).

L'artiste chante au Palais des sports de Paris du 21 septembre au 14 octobre. Jamais encore il ne s'était produit dans la capitale sur une aussi longue période. Le son, volontairement poussé dans le rouge confirme une orientation musicale où la violence va crescendo. En fin de spectacle, le chanteur interprète un Medley rock'n'roll en anglais, sur lequel, chaque soir, l'accompagne au piano Michel Polnareff. Au cours de la dernière représentation, Johnny multiplie les standards américains et reste en scène plus de trois heures et demie. (Live at the Palais des sports).

Ballades, country et rock 'n' roll (1972-1975)

1972 marque l'arrivée de l'auteur-compositeur-interprète Michel Mallory qui, après Philippe Labro, va fortement influencer la carrière de Johnny Hallyday. Parolier attitré du chanteur durant près de dix ans, il écrit ou adapte une centaine de chansons, au fil desquelles se révèle un Johnny plus intime. Son chant devient moins agressif, sa musique moins dure et, délaissant les rocks violents, il s'oriente vers un rock plus mélodieux mais non moins fougueux. Au cinéma, sous la direction de Claude Lelouch, Johnny organise son propre enlèvement dans L'Aventure c'est l'aventure, film dont il interprète la chanson titre.

J'ai tout donné de François Reichenbach, film consacré au phénomène Hallyday, est présenté en ouverture du Festival de Cannes 1972. Pour les besoins de ce documentaire, le réalisateur a suivi Johnny avec sa caméra durant une année : aux États-Unis, sur la scène du Palais des sports de Paris, en tournée à travers la France, etc. Sorti en juin, l'album Country, Folk, Rock est l'une des premières incursions d'Hallyday dans la country. Genre, à l'époque, peu prisé en France, le disque connaît un succès d'estime. Pour sa tournée d'été, il s'essaye à un nouveau spectacle le Johnny Circus mêlant numéros de cirque et musique. L'entreprise de par son gigantisme est un gouffre financier pour Johnny Hallyday. Ce qui l'empêche, durant quatre années, de produire de nouveaux shows sur une scène parisienne. Un nouveau 45 tours, Avant, conclut une année en demi-teinte pour le chanteur.

Début 1973, la chanson La Musique que j'aime s'impose au public et devient l'un de ses grands classiques. Elle ouvre l'album Insolitudes, où blues, rocks et ballades font la part belle aux guitares. Le disque compte parmi les meilleures réussites du tandem Mallory-Hallyday.

À la demande de Bruno Coquatrix, alors en proie à d'importants problèmes financiers, Johnny donne gracieusement plusieurs représentations à l'Olympia, en juin, alors que sur les ondes, en duo avec Sylvie Vartan, la chanson J'ai un problème est un hit et l'un des grands succès de l'année (album J'ai un problème). Durant l'été, le couple se produit à de nombreuses reprises ensemble sur scène.

En 1974, Je t'aime, je t'aime, je t'aime, un nouvel album essentiellement composé de ballades, offre à Johnny l'occasion de chanter avec emphase et lui révèle la recette de succès à venir tels que Requiem pour un fou ou Derrière l'amour. Michel Mallory est l'unique auteur d'un opus qui voit Mick Jones jouer une dernière fois pour Hallyday. Le 28 juin 1974, il chante au pénitencier de Bochuz en Suisse. Malgré plusieurs tentatives, le chanteur n'a jamais réussi à obtenir les autorisations nécessaires pour concrétiser un tel projet en France. Sa prestation est enregistrée et diffusée à la télévision suisse romande le 23 juillet, durant l'émission Pour vous Messieurs X : Johnny Hallyday et Raymond Devos à Bochuz. Lors de l'entretien avec les prisonniers, Johnny déclare : « J'ai été sauvé par mon métier, peut-être que je serais ici aujourd'hui si je n'avais pas eu cette chance ». Lorsqu'il quitte le pénitencier, les détenus le saluent en frappant avec leurs gobelets aux barreaux de leurs cellules. Sa tournée croise celle de Michel Sardou, les 3 et 29 août, et les deux amis se produisent ensemble à Béziers et Genève. Comme durant la totalité des années 1960-1970, Johnny Hallyday enchaîne les tournées et donne quelque deux cents galas par an. Sur scène, il déploie tant d'énergie qu'il en sort souvent au bord du K.O.. Cet engagement sans retenue, doublé par une existence de noctambule qui l'entraîne dans bien des excès, n'est pas sans quelques « clashs », comme ce soir d'été, où il s'effondre d'épuisement sur scène à Alençon. Lors d'un entretien télévisé, Johnny Hallyday déclare : « Je suis un chanteur de rock revu et corrigé par la variété ». À peine a-t-il dit cela que, se faisant mentir, il enregistre coup sur coup trois albums de rock 'n' roll. Rock'n'Slow est le premier volume de ce qu'il nomme sa « trilogie retour aux sources ». Hallyday chante Berry, Cochran, Presley, les Stones (c'est une première), sans négliger les créations originales comme (notamment), À propos de mon père et Rock'n'roll man. La sortie de l'album précède une tournée de promotion, qu'il débute par Souvenirs, souvenirs, marquant un peu plus encore ce retour aux origines.

Début 1975, le chanteur est en studio à Memphis et Nashville. Sur Rock à Memphis, il grave treize standards des « fifties ». L'album, publié en mai, est favorablement accueilli par la critique et le public. Dans la foulée, l'album La Terre promise est enregistré à Nashville. Le disque, aux sonorités très country rock, mélant adaptations et créations originales, sort en septembre.

Sur les ondes, dès avril, les titres La Fille de l'été dernier et Hey lovely lady, pressés sur un même 45 tours, sont des « hits ».

À la suite d'ennuis avec le fisc, qui lui réclame plusieurs centaines de millions de francs d'arriérés, Johnny fait part de son désir de tout arrêter, et s'installe aux États-Unis avec Sylvie et David. Mais l'envie de chanter et le démon de la scène reprennent vite le dessus et, à l'automne, il enregistre deux albums et annonce sa rentrée au Palais des sports de Paris en septembre 1976.

One-man-show, rocks et variétés (1976-1981)

Ce retour est marqué par de nombreux changements artistiques. Jacques Revaux (avec qui Johnny a travaillé occasionnellement une dizaine d'années auparavant), assure désormais la réalisation des albums, et les chansons dites de variétés se font plus nombreuses : la popularité du chanteur se renforce, les succès présents renouant avec ceux de ses premières années. Sortie en février 1976, Requiem pour un fou se classe au sommet des hit-parades en deux jours et est très vite disque d'or. Johnny obtient un second hit avec la chanson Derrière l'amour annonciatrice de l'album éponyme. Le disque, qui alterne rock et variété, obtient un grand succès et devient la meilleure vente de la décennie de l'artiste. À l'automne, la chanson Gabrielle (unique titre rock du chanteur à accéder, en cette période, au rang de tube), devient un nouveau n^o 1.

En mai, en Italie, sort son second album enregistré dans une langue étrangère, In Italiano. Il se produit au Palais des sports de Paris du 28 septembre au 30 octobre. À la scène aussi les changements sont notoires et, si le tour de chant conserve la fougue dont est coutumier le chanteur, il est aussi nettement moins agressif que lors de ses précédents concerts. La mise en scène, plus soignée, gagne en standing ce qu'elle perd en violence. Ce one-man-show consacre sa première partie aux succès des années soixante, tandis que la seconde fait la part belle aux titres actuels. Le spectacle attire deux cent mille personnes et Johnny établit un nouveau record du plus grand nombre de spectateurs pour un spectacle musical^,. Désormais les effets spéciaux et les innovations techniques agrémenteront ses prestations à venir, dans un gigantisme et une mise en œuvre de moyens exceptionnels pour un chanteur français. (Johnny Hallyday Story - Palais des sports)

Hamlet, premier double album studio du chanteur et l'un des tout premiers opéra-rock en France, paraît en novembre. Gilles Thibaut signe le livret de l'adaptation en vers de la pièce de Shakespeare, sur une musique composée par Pierre Groscolas, fortement influencée par le rock progressif. L'album, sort sans aucune promotion et ne trouve pas son public (d'autant que l'actualité du moment, c'est le show Johnny Hallyday Story, avec lequel le chanteur tourne en province durant plusieurs mois). Hamlet est un échec commercial et l'idée de le monter sur scène, sur une mise en scène confiée à Robert Hossein, est abandonnée. En cette période, les disques d'or se succèdent. La réussite de Derrière l'amour fait des émules et les albums à venir s'inspirent grandement du même concept. Bien qu'Hallyday ne délaisse nullement le rock, ses productions du moment sont estampillées variétés et si, jusqu'alors, il s'est souvent entouré de pointures parmi les musiciens pour ses enregistrements, le chanteur se contente désormais d'orchestres sans autre forme distinctive.

En octobre 1977, sort l'album C'est la vie. Le titre phare, J'ai oublié de vivre, est l'unique tube d'un disque qui obtient pourtant les faveurs du public. Jacques Revaux cède la place de directeur artistique à Eddie Vartan en 1978. La chanson Elle m'oublie (premier extrait de l'album Solitudes à deux), est un énorme hit, comptant parmi les plus importants de la décennie et remporte le grand prix du Midem à Cannes.

Cette année-là, Antoine avec Les Élucubrations revisited donne une suite à son succès de 1966 et à nouveau interpelle Johnny Hallyday, qui cette fois, ne répond pas.

Hollywood, enregistré à Los Angeles, sort en janvier 1979. L'album contient de nombreuses adaptations et emprunte de multiples couleurs musicales : Hallyday chante Bob Seger, Robert Palmer et (plus étonnant), Jimmy Cliff. Le bon temps du Rock'n'Roll est l'unique tube et single d'un album qui rompt avec les précédentes productions. À l'occasion des festivités de bicentenaire de la marine, le 29 septembre, il chante sur le Foch, devant un parterre de marins ; le show est retransmis en direct sur TF1. Du 18 octobre au 26 novembre, Johnny présente au pavillon de Paris son nouveau spectacle, conçu sur un thème de science-fiction, L'ange aux yeux de lasers. Le chanteur interprète nombres d'inédits, notamment Ma gueule, qui très vite devient un standard. Pour son entrée en scène, Hallyday porte des lunettes spécialement adaptées pour lancer des rayons lasers en direction du public. C'est encore sous des lasers qu'il termine, foudroyé, cette première partie, après avoir chanté un vibrant plaidoyer contre la peine de mort, Sauvez moi. La seconde partie est d'une facture plus classique : Hallyday y interprète de nombreux succès et achève son récital par une longue séquence rock 'n' roll, sur laquelle l'accompagne au piano Gilbert Montagné. Lors de la dernière représentation, David Hallyday (alors âgé de 13 ans), fait sa première apparition publique en accompagnant son père à la batterie sur Rien que huit jours. Joué à guichets fermés durant six semaines, le spectacle attire 250 000 spectateurs, et le double album Pavillon de Paris : Porte de Pantin bat des records de vente pour un disque live.

Diffusé en juin 1980, l'album À partir de maintenant, essentiellement composé de ballades, ne contient aucun tube et n'est jamais parvenu à s'imposer comme marquant dans la discographie du chanteur. Il se distingue par la reprise de La Poupée qui fait non de Michel Polnareff et par la création de Je ne suis pas un héros, chanson écrite par Daniel Balavoine pour Johnny Hallyday. Ce même mois, Sylvie et Johnny chantent à la Fête de la Liberté devant plus de 200 000 spectateurs. Après un concert à Orange, le couple se produit encore aux Arènes de Béziers le 13 août ; le public ignore alors qu'il assiste à ce qui est leur dernière représentation commune. Sylvie Vartan et Johnny Hallyday ont officiellement divorcé le 5 novembre.

Début 1981, sort l'album En pièces détachées, qui marque un net retour au rock dur et violent : avec le titre Guerre, Hallyday s'offre une incursion dans l'univers du hard rock et la chanson Lady Divine, qui se veut une mise en garde contre la consommation de substances illicites et dangereuses, est censurée par sa maison de disques, qui impose son titre (la chanson devait à l'origine s'appeler Lady Cocaïne), ainsi que quelques modifications du texte.

En février et mars, accompagné par une nouvelle formation, le Night Rider Band (anciens musiciens d'Elton John), il est en tournée de promotion à travers la France et la Belgique. Son tour de chant, entrecoupé de rares ballades, est essentiellement rock et, sur scène, Lady Divine, interprétée sans censure, redevient Lady Cocaïne au gré des couplets. La tournée s'achève sous chapiteau à Paris, porte de Pantin. Durant l'été, le spectacle est diffusé sur Antenne 2, dans son intégralité, à l'exception de Lady Divine, indésirable à la télévision. (Live). Enregistré à Londres, Pas facile sort en septembre. Album d'introspection, il révèle les désillusions, empreintes de nostalgie, du chanteur. Sur J'en ai marre, chanson à l'humour caustique, Hallyday invective la presse qui, il y a peu, l'a donné pour mort et généralement invente sa vie. Cet album marque la fin de la collaboration avec Michel Mallory, après neuf années d'une fructueuse complicité qui à présent marque le pas.

Période difficile et retour aux sources (1982-1985)

Depuis Ma gueule, le chanteur ne connaît plus de grand « tube » et malgré un répertoire largement renouvelé ces dernières années, il manque de titres marquants. Pour autant, cette période où Johnny Hallyday collabore essentiellement avec Pierre Billon est fructueuse en créations. Au cours de ces quatre années, il enregistre huit albums studio (dont un en espagnol Black es noir et Version 82 où il réenregistre la totalité des chansons de sa période Vogue). Sorti au début de l'année 1982, l'album Quelque part un aigle, faisant fi des contraintes commerciales, s'essaye à d'autres thèmes, explore d'autres pistes musicales et déroute quelque peu le public. Il s'accompagne, en février-mars, d'une tournée avec un nouveau groupe, Énergy, ou cours de laquelle, le 19 février, le chanteur donne deux représentations pour les détenus à la Maison d'arrêt de Fleury-Mérogis.

À la ville, au printemps 1982, Johnny Hallyday entame avec Nathalie Baye une relation dont naît, en novembre 1983, Laura Smet. Commercialisé quelques jours avant la première du spectacle, l'album La peur n'existe que par et pour le show Fantasmhallyday, que Johnny donne au Palais des sports de Paris à l'automne. En 1983, Entre violence et violon est l'album du renouveau artistique, avec lui s'amorcent les changements à venir, qui trouvent leurs apogées avec les albums Rock'n'Roll Attitude et Gang. Avant cela, il se régénère à Nashville, « berceau du rock 'n' roll », où il enregistre trois albums : Entre violence et violon, En V.O. et Drôle de métier (plus un Spécial Enfants du Rock, issu de l'émission Go, Johnny, Go diffusé sur Antenne 2 le 10 mars 1984). Entre violence et violon et Drôle de métier s'inscrivent parmi les meilleures réussites rock de l'artiste et lui fournissent nombre de titres taillés sur mesure pour la scène, à l'instar de la chanson Mon p'tit Loup (ça va faire mal) qui est un succès. Si l'accueil de ces disques est mitigé, la popularité du chanteur n'en demeure pas moins intacte et, à la scène, il mobilise toujours autant les foules. Durant cette période avec peu ou pas de hits, Johnny Hallyday monte deux de ses plus grands spectacles :

Fantasmhallyday est présenté du Wed, 08 Jan 2020 16:02:00 +0000 https://radiosentimental.fr/artistes/claude-francois-18 https://radiosentimental.fr/artistes/claude-francois-18 Biographie

Origines

Claude Antoine Marie François naît le 1^er février 1939.

Sa famille paternelle est lyonnaise^[1]. Ses arrière-grands-parents Nicolas Joseph François, né à Saint-Maurice-sur-Moselle (Vosges) en 1835, et Marie Anne Delphine Callon, née à Mars (Ardèche) en 1845, se sont mariés en 1872 à Port Saïd (Égypte), où Nicolas Joseph François était télégraphiste pour la Compagnie du canal de Suez. Leurs trois enfants, Gustave, Elisa et Adolphe voient ainsi le jour successivement à Port Saïd, Suez et Ismaïlia^[2].

Adolphe François, grand-père de Claude François, caporal-fourrier au 52^e régiment d'infanterie, est tué à Tahure, dans la Marne, le 25 septembre 1915, lors de la Première Guerre mondiale, alors qu'il n'a que trente-cinq ans^[1]. Il laisse trois fils, dont Aimé François^{[Note 1]}, lesquels travailleront comme chefs du trafic du canal de Suez.

Aimé François épouse une Italienne, Lucia Mazzei^{[Note 2]}, dite « Chouffa ». La famille de Lucia est originaire de Calabre, en Italie. Lucia s'occupe du foyer familial et a longtemps joué du piano. Ses deux frères, l'un violoniste, l'autre pianiste, accompagnaient les films muets, puis ont joué pour le Five o'clock tea de l'armée britannique qui occupait le canal de Suez lors de la Seconde Guerre mondiale^[3].

Claude François a une sœur aînée, Marie-Josée François, dite « Josette », née le 28 août 1935 ; elle a écrit ses Mémoires inédites en 2008^{[Note 3]}.

Enfance

L'enfance de Claude François se passe dans une des villas de la Compagnie du canal de Suez, à Ismaïlia. Sa famille, qui a des domestiques, mène un train de vie très aisé.

Durant la Seconde Guerre mondiale, Ismaïlia est bombardée par les Allemands et la villa de la famille François est détruite. Claude François et sa sœur sont alors recueillis par leur grand-mère paternelle, qui habite une vieille maison proche des quartiers populaires. Claude François s'y mêle aux jeunes enfants d'origines diverses (grecs, maltais, italiens, arabes) et y reste jusqu'à l'âge d'aller à l'école^[4].

Ses parents le placent en internat dans une école confessionnelle. Ils l'inscrivent ensuite au lycée français du Caire comme externe (1953-1954). La chambre qu'il loue est en face de Radio le Caire, où il passe beaucoup de temps, écoutant en avant-première les disques français ou américains. Il obtient la première partie du bac^{[Note 4]} mais pas la seconde. À cette époque, il assiste aux répétitions de ses oncles maternels et fait une première année de violon^[5].

En 1956, la famille François est expulsée d’Égypte (avec de nombreux Français et Britanniques) à la suite de la nationalisation du canal de Suez par le président égyptien Nasser. Sur fond d'un déchaînement soudain d'hostilité envers les étrangers occidentaux, le départ d'Égypte s'effectue en catastrophe sous les injures et les agressions physiques^[6]. Le navire accoste au Havre, d'où ils gagnent Paris.

Après un séjour dans une chambre d'hôtel, les François, fatigués de demander des subsides auprès de la Compagnie du canal de Suez, partent en train pour Monte-Carlo où réside, depuis son mariage l'été précédent, leur fille Josette^[7],[8]. La famille s’installe d'abord à Monaco, dans un appartement acquis grâce à la prime de réinstallation donnée par la Compagnie du canal de Suez (Claude François étudie au lycée Albert-Premier), puis à Nice^[9]. Ils vivent dans une certaine pauvreté : dans son autobiographie, Claude François affirme qu'il dormait par terre sur le sol de l'appartement, volait à l'étalage, se nourrissait de pain trempé dans de la vinaigrette, ce qui lui aurait causé un ulcère à l'estomac l'exemptant de son service militaire^[10].

Débuts Carrière

En 1958, Claude François, à la recherche d’un travail, devient employé de banque. Il se délasse en jouant de la tumba dans un petit orchestre qu’il a formé avec quelques copains. Il finit par trouver un emploi dans le grand orchestre du Sporting Club de Monte-Carlo, dirigé à l'époque par Louis Frosio : d’abord batteur-percussionniste, il en devient ensuite chanteur (il gagne 1 000 francs par soirée), avec à son répertoire Colette Deréal, Charles Aznavour, Mouloudji, Ray Charles. Il fait un tabac en interprétant en arabe la chanson de Bob Azzam, Mustapha. Parallèlement, il s’inscrit à l’Académie nationale de musique dans toutes les classes (clarinette, flûte, chant classique, timbales et percussions, harmonie) et prend des leçons particulières pour former sa voix. En 1959, il fait partie, en tant que chanteur, de l’orchestre de Marcel Blanchi à l’hôtel Provençal à Juan-les-Pins^[11]. Si sa rémunération lui permet enfin de vivre et de faire vivre sa famille, il est désapprouvé dans son choix par son père qui aurait voulu qu'il devienne comptable. Sa mère le soutient toutefois dans sa passion pour la musique.

À l'été 1961, il monte à Paris sur les conseils de Brigitte Bardot et de Sacha Distel^[12], rencontrés sur la Côte d'Azur (Claude François a donné des cours de danse à Brigitte Bardot dans la boîte de nuit le Papagayo à Saint-Tropez) ; il est accompagné d'une jeune danseuse d'origine anglaise, Janet Woollacott, rencontrée en 1959 lors d'un spectacle et épousée le 5 novembre 1960 à Monaco. Son père, qui ne lui parlait plus depuis deux ans, était malgré tout venu au mariage, avant de mourir d’une maladie des poumons le 19 mars 1961.

À l'époque, la variété française connaît un grand bouleversement avec les débuts de l'émission de radio Salut les copains, la vogue du rock 'n' roll puis du twist et l'avènement de ceux que l'on ne tardera pas à appeler les yéyés^[13].

Claude François se fait engager dans la formation d’Olivier Despax, les Gamblers, au poste de percussionniste, mais les cachets sont maigres^[14]. Le 16 septembre 1961, il passe une audition aux disques Fontana, mais ne convainc pas le directeur artistique, Jean-Jacques Tilché, lequel accepte toutefois une deuxième audition.

En 1962, Claude François, sous le pseudonyme de « Kôkô », enregistre son premier disque, Le Nabout twist (en version française et en version arabe) : si la chanson est bien reçue en Afrique, elle ne rencontre pas le succès escompté en France^[12]. En attendant une nouvelle occasion, il rejoint Les Gamblers et joue pendant tout l’été 1962 au Papagayo à Saint-Tropez. De son côté, Janet est engagée comme danseuse à l’Olympia, où elle rencontre Gilbert Bécaud, pour lequel elle va quitter Claude François^[12].

De retour à Paris, Claude François signe un contrat de cinq ans avec les disques Fontana^[12]. À l'automne 1962, il obtient son premier succès, avec Belles ! Belles ! Belles !, adaptation de Girls Girls Girls (Made to Love), composée par Phil Everly, des Everly Brothers, et interprétée initialement par Eddie Hodges, dont il s'est inspiré pour la version française et dont il cosigne les paroles avec Vline Buggy. Ayant fait le siège du bureau de Daniel Filipacchi à Europe 1, il obtient que son 45 tours passe deux fois par jour dans l'émission Salut les copains tout au long de la semaine. Sa carrière est lancée : le disque s'écoule à 1,7 million d'exemplaires^[15]. Belles ! Belles ! Belles ! est son premier scopitone, réalisé par Claude Lelouch^[12] : il chante dans la neige, dans un bois de la région parisienne, au milieu de jeunes filles dans une tenue hors de saison^[16]. Sa participation à plusieurs émissions de télévision lui permet de se faire connaître auprès d'un large public. Il passe à l'Olympia le 18 décembre, en première partie de Dalida et des Spotnicks^[17].

Reconnaissance[modifier | modifier le code]

Claude François en 1965.

Prise en main par l'imprésario Paul Lederman, sa carrière démarre véritablement. Il enchaîne les tournées et les succès : Marche tout droit, adaptation de la chanson Walk right in des Rooftop Singers, Pauvre petite fille riche, Dis-lui et Si tu veux être heureux, adaptation de If you wanna be happy de Jimmy Soul^[18]. Avec son allure de jeune homme de bonne famille, ses chansons aux paroles agréables, il séduit un public féminin de plus en plus nombreux^[19]. Il demande à Michel Bourdais, portraitiste et documentaliste au magazine Salut les copains, de dessiner son portrait. Ce dessin hyper-réaliste sera pour Claude François le point de départ d’une longue réflexion sur l’image qu’il doit donner de lui^{[20],[21],[22]}.

Le 5 avril 1963, il est pour la deuxième fois à l’Olympia, où il participe à un gala consacré aux jeunes chanteurs, surnommés à l'époque « idoles des jeunes »^[23]. Parmi ses musiciens, figurent Michel Cassez, dit Gaston, futur Compagnon de la chanson, et le pianiste de jazz René Urtreger. En octobre, il sort Si j'avais un marteau, version française de If I Had a Hammer, composé par Pete Seeger et repris avec succès par Trini Lopez. Le titre reste plusieurs semaines n^o 1^{[réf. nécessaire]}. Le 29 octobre, après avoir participé à un Musicorama spécial, Claude François reçoit, des mains du comédien Maurice Biraud, ses deux premiers disques d’or^[12],[24].

Grâce à sa réussite professionnelle, il fait l'acquisition d'un appartement à Paris, au 46, boulevard Exelmans, dans le 16^e arrondissement^[25]. En 1964, il achète l'ancien moulin communal de Dannemois, dans l'Essonne, pour en faire sa résidence secondaire. Il y installe sa mère et sa sœur qui y retrouvent la sérénité de leur vie en Égypte^[24]. Quelques semaines plus tard, il interprète La Ferme du bonheur^[19]. L'été venu, il fait une tournée donnant lieu à un film de Claude Vernick au titre éloquent, L’été frénétique^[26].

En septembre, Claude François fait à nouveau l’Olympia, mais cette fois c'est en vedette qu'il chante chez Bruno Coquatrix. Il enchaîne de nouveaux succès : Donna, Donna, J’y pense et puis j’oublie^[12]. Il bat tous les records de recettes établis par Édith Piaf et Gilbert Bécaud et à chaque apparition déclenche des scènes d'hystérie collective^[27].

Côté sentimental, il fait la connaissance de France Gall, jeune chanteuse de 17 ans (lui en a 25). C'est le début d'une liaison qui durera jusqu'en 1967^[28].

Le 25 février 1965, Claude François est blessé au cours d'un gala à Abbeville, la scène s'étant effondrée sous ses pieds alors qu'il dansait. Ayant plusieurs côtes fracturées, il reste immobilisé cinq semaines durant. Au cours de l'année 1965, il enregistre une quinzaine de titres, dont Les Choses de la maison et Même si tu revenais^[19].

L'année 1966 voit l’apparition des Claudettes, ses danseuses attitrées, dont l'idée lui a été soufflée par Michel Bourdais^[29],[30]. Le 25 décembre, son premier Olympia avec quatre d’entre elles est un événement, qui séduit et déchaîne le public. Claude François utilise alors le dessin qu'a fait de lui Michel Bourdais trois ans plus tôt pour en faire le symbole de sa mutation artistique. Il redonne l'original à son auteur en marque d'amitié et de reconnaissance en y inscrivant les mots « Bravo… c'est merveilleux »^[31],[32]. Il figure sur la « photo du siècle » regroupant 46 vedettes françaises du yéyé en avril 1966.

En 1967, il est coauteur avec Jacques Revaux pour la musique, et Gilles Thibaut, du titre Comme d'habitude. Le succès est au rendez-vous et la chanson, bientôt reprise par Paul Anka puis Frank Sinatra sous le titre My Way, devient un succès mondial qui connaît de multiples reprises (notamment par Elvis Presley, Nina Hagen, Nina Simone, Sid Vicious).

Le 13 mars 1967, Claude François et Janet Woollacott divorcent^[33].

Consécration[modifier | modifier le code]

Claude François photographié par Erling Mandelmann en 1976.

Son contrat chez Philips arrivant à son terme, Claude François fonde sa maison de disques, Flèche, acquérant ainsi son indépendance artistique^[19]. La chanteuse belge Liliane Saint-Pierre est la première artiste qui enregistre sous ce label. Alain Chamfort suivra. Après une « histoire de cœur » avec la chanteuse Annie Philippe, rencontrée en tournée mais qui refuse de l'épouser, il se console avec Isabelle Forêt, blonde aux yeux bleus et mannequin de son état, qui devient sa compagne. Elle donne le jour à Claude junior, le 8 juillet 1968. Sa naissance n'est révélée à la presse que quelques mois plus tard^[12].

L'année 1968 est celle de sa première tournée en Afrique noire, qui le mène, en dix jours, de Fort Lamy (Tchad) à Dakar (Sénégal) en passant par Yaoundé et Douala (Cameroun), Libreville (Gabon), Abidjan (Côte d'Ivoire) et Niamey (Niger). À Libreville, il donne un concert devant 15 000 personnes au grand stade de la ville et est reçu officiellement par le président Albert Bongo, sa famille et ses ministres^[34].

L'année 1969 est une année faste sur le plan familial et le plan professionnel. Le 15 novembre 1969, sa compagne, Isabelle Forêt, lui donne un second garçon, Marc, mais il décide là encore d'en taire la naissance pour le protéger^[12]. Le même mois, son passage à l'Olympia – seize jours à guichets fermés – est un nouveau succès avec son spectacle à l'américaine, où il est accompagné de quatre danseuses, huit musiciens et l'orchestre de l'Olympia^[19]. Il travaille désormais avec Jean-Pierre Bourtayre comme directeur artistique et installe son quartier général au 122, boulevard Exelmans à Paris (où une plaque lui rend hommage). Ses nouveaux disques, Éloïse en début d’année et Tout éclate, tout explose en fin d'année, sont des succès^[12].

En 1970, sa chanson Parce que je t'aime mon enfant est adaptée en anglais et reprise l'année suivante par l'acteur Richard Harris^[35] puis par Elvis Presley sous le titre My Boy. Le 14 mars 1970, un malaise le surprend pendant un concert à Marseille, salle Vallier^[12]. On apprendra plus tard qu’il s’agissait d’un coup monté en accord avec son producteur. Il part se reposer aux îles Canaries mais à son retour, le 17 mai, il est victime d’un accident de voiture sur l’autoroute près d’Orange. Le nez fracturé, les pommettes éclatées, il doit subir une rhinoplastie. À peine remis, il repart en tournée avec Dani et C. Jérôme^[19].

En 1971, il enregistre plusieurs titres (C'est la même chanson, Bernadette et Réveille-moi^[36]) à Détroit, aux États-Unis, dans les studios de la Tamla Motown, avec les Funk Brothers qui assuraient la plupart des enregistrements des groupes de ce label nord-américain^[19]. Il est le seul chanteur blanc à enregistrer des chansons dans ce studio^[37]. En 1972, il se sépare de la mère de ses enfants, avant de rencontrer Sofia Kiukkonen, un mannequin finlandais de 19 ans, avec qui il reste quatre ans.

Le 20 janvier 1973, Maritie et Gilbert Carpentier consacrent à Claude François leur émission télévisée Top à… . Il y retrouve Dalida, avec qui il chante en duo Ciao ciao bambino, Come prima et Volare. Durant toute l'année, il est omniprésent à la télévision, participant quatre fois à l'émission de divertissement Cadet Rousselle. Au cours de l'enregistrement d'une de ces émissions, le 15 mars, il se retrouve en insuffisance respiratoire en raison de la déviation de la cloison nasale dont il souffre. Il est hospitalisé et opéré de toute urgence^[38].

En juillet, à Marseille, lors du premier concert de sa tournée d'été, un fan éméché lui lance une canette de bière au visage. Blessé à l'arcade sourcilière, le chanteur doit jeter l'éponge au bout de trois quarts d'heure^[39].

En septembre, il sort Le téléphone pleure, titre qui à l'origine était prévu pour Joe Dassin mais repéré par son nouveau directeur artistique Gérard Louvin, qui s'écoule à plus de 2,5 millions d'exemplaires et qu'il reprend l'année suivante en anglais (Tears on the Telephone) et en espagnol (Llora el telefono)^{[Note 5],[Note 6]}. Le 15 décembre, il chante devant 20 000 spectateurs survoltés au Parc des expositions de la porte de Versailles au profit de la fondation Perce-neige en faveur de l'enfance handicapée^[12].

Le 30 juin 1975, le journaliste Yves Mourousi organise un concert de Claude François au profit de la recherche médicale, devant un public de 30 000 personnes rassemblées au Jardin des Tuileries à Paris. Claude François ne peut attaquer sa première chanson qu'au bout de dix minutes de hurlements frénétiques. Après divers débordements de ses admiratrices, le spectacle se termine par un feu d'artifice et sous une pluie de confettis et de ballons à l'effigie du chanteur. Ce sera son dernier concert dans la capitale^[40]. Le 17 décembre, il se produit au palais de l'Élysée pour le Noël des enfants et chante en duo avec le président Valéry Giscard d'Estaing^[41].

En 1976, Claude François sort un album destiné aux enfants de « 7 à 77 ans », ainsi que les chansons Cette année-là et La Solitude, c'est après, qu'il enregistre aussi en italien. Pour Antenne 2, il enregistre l'émission La bande à Cloclo, à laquelle il convie ses amis chanteurs et comédiens et dont il est entièrement l'auteur. Diffusée le 11 juillet, elle conquiert un large public^[12]. En septembre 1976, à l'occasion d'un cocktail organisé pour le lancement du parfum Eau noire qu'il a créé, devant un parterre de quelque quatre cents invités, il arrive avec, au bras, Kathalyn Jones, sa nouvelle compagne, rencontrée dans l'avion, en juillet, au retour d'un voyage du chanteur aux États-Unis. Elle se rendait à Paris pour y faire des photos de mode. Cette année-là, il enregistre avec Martine Clémenceau le duo Quelquefois^[42].

Durant l'année 1977, Claude François écoule de nombreux succès : Je vais à Rio, Toi le soleil, C'est comme ça que l'on s'est aimé enregistré en duo avec Kathalyn Jones. Avec les chansons Magnolias for Ever et Alexandrie Alexandra^{[Note 7]}, écrites par Étienne Roda-Gil, le chanteur affiche sa volonté de renouveler quelque peu son répertoire.

Diversification des activités de l'artiste

Claude François en 1976.

Parallèlement à ses activités de chanteur, Claude François diversifie ses activités vers la presse jeunesse et la presse de charme mais aussi créé une agence de mannequin et un parfum qu'il commercialise.

Le 1^er juillet 1972, il rachète un fanzine toulousain, Podium^[43], pour un million de francs, et l'installe près de son hôtel particulier au 122, boulevard Exelmans^[44]. Le magazine mensuel devient en trois ans la plus grosse publication pour les jeunes. T

Michel Polnareff est un auteur-compositeur-interprète français, né le 3 juillet 1944 à Nérac (Lot-et-Garonne). Pianiste et mélodiste pop, il cultive une apparence singulière. Il est le compositeur et l'interprète d'un grand nombre de succès populaires, notamment : Love Me, Please Love Me, La Poupée qui fait non, Le Bal des Laze, Tout, tout pour ma chérie, Je suis un homme, On ira tous au paradis, Lettre à France ou encore Goodbye Marylou.

Biographie et carrière

Débuts retentissants (1966-1973)

Michel Polnareff est russe du côté de son père, et breton du côté de sa mère, dont la famille est originaire de Saint-Hernin. Il a aussi des attaches à Loctudy.

Michel Polnareff passe toute son enfance dans la musique. Son père Leib Polnareff (Léo Poll) est un compositeur ukrainien qui a écrit des chansons pour Édith Piaf (« La Java en mineur », «Partance »...), Mouloudji ou Yves Montand (Léo fait les arrangements français de la chanson Le Galérien d'après une mélodie populaire russe du début du XIX^e siècle). Sa mère Simone Lane, est danseuse de jazz moderne et acrobatique et de claquettes. Dans l'appartement familial du 24 rue Oberkampf, Léo Poll impose d'écouter uniquement de la musique classique et met son fils au piano dès l'âge de quatre ans. Il l'inscrit très tôt au Conservatoire de musique de Paris et parallèlement au cours Hattemer. Michel Polnareff reçoit à douze ans le premier prix de solfège du Conservatoire mais garde un très mauvais souvenir de son parcours scolaire et de son apprentissage de la musique, témoignant dans son autobiographie et ses interviews que son père lui inflige des gifles et des coups de ceinturon lorsqu'il ne respecte pas les consignes ou fait des fausses notes. Le but du jeune garçon est d'être « tout le contraire de son père » : rêvant d'Amérique et du rock, il ne sera pas pianiste classique.

En 1957, il se familiarise avec la langue anglaise lors d'un séjour linguistique dans le Dorset. En 1961, en section littéraire, il échoue au baccalauréat, redouble et obtient son diplôme avant de partir effectuer sept mois de service militaire, à Épinal, puis à Montluçon, où il tient la grosse caisse de l'orchestre.

À 20 ans, il quitte le cocon familial qu'il juge étouffant, multiplie les petits boulots. Après avoir été employé aux écritures dans une banque, vendeur de cartes postales pour les aveugles ou démarcheur au porte à porte pour des assurances incendie, il s’installe sur les marches du Sacré-Cœur avec une guitare achetée avec ses économies. Ses premières notes seront celles de La Poupée qui fait non^,.

Il devient beatnik, pacifiste et fait la manche à la terrasse des cafés en reprenant les standards rock de l’époque. Le premier février 1966, repéré et invité par André Pousse, il remporte un concours de rock organisé par Disco Revue au club alors branché La Locomotive. Le premier prix est un contrat avec Barclay, que Polnareff refuse, par peur d'être formaté.

Gérard Woog, un ami d’enfance, insiste pour le présenter à Lucien Morisse, patron d’Europe 1 et futur manager. Michel accepte de signer avec la maison Disc'AZ de Morisse à condition d’enregistrer à Londres avec Jimmy Page à la guitare et John Paul Jones à la basse (futurs Led Zeppelin). À son grand étonnement, la maison de disques accepte, et La Poupée qui fait non sort le 26 mai 1966. Elle connaît un véritable triomphe et sera reprise par de nombreux artistes.

Les musiques de Polnareff s'inspirent de styles anglo-américains, suivent parfois une ligne néo-classique (telle Âme câline)^{[réf. souhaitée]}. L'artiste affiche un look androgyne (qui ne cesse d’évoluer), et écrit certains textes prônant la liberté sexuelle. La presse ne le lâche pas et le considère comme un symbole de la décadence de la jeunesse, à cause de son apparence jugée efféminée (point commun avec David Bowie) et de ses textes qui choquent. L'Amour avec toi (repris par Étienne Daho en 1989) fait l'objet d'une plainte pour pornographie de la part de l'Évêché de Paris et est interdite d'antenne avant 22 heures.

Il enchaîne alors les tubes, de la complainte Love Me, Please Love Me (Rose d'or au festival d'Antibes, numéro 1 au Brésil) au romantique Bal des Laze en passant par l’existentiel Sous quelle étoile suis-je-né ? ou encore l’électrique et revanchard Roi des fourmis. Polnareff expérimente un système quadriphonique pour le disque Polnareff's, ou encore fait tourner le micro tel un lasso pour enregistrer les chœurs de On ira tous au paradis.

Le 25 octobre 1966, il monte pour la première fois sur la scène de l'Olympia, ouvrant pour les Beach Boys dans le cadre de Musicorama. Il y chante cinq titres. Du 5 au 22 octobre 1967, il y revient, faisant la première partie de Dalida. Il enchaîne les succès comme Dans la maison vide ou Tous les bateaux, tous les oiseaux. En 1970, il passe cette fois-ci en vedette à l'Olympia et entame une tournée. Sur scène, il innove, mi-concert, mi-spectacle, les musiciens sont installés sur une scène verticale et de nombreux automates envahissent la scène.

Toujours en 1970, il réplique à toutes les critiques sur son apparence et son mode de vie avec la chanson Je suis un homme. Agressé lors d'un concert à Périgueux en mai 1970, il annule les autres dates de sa tournée dont un concert symphonique au Palais des Sports. Cette agression, et la mort, en septembre 1970, de Lucien Morisse, celui qui l'a lancé, ainsi qu'une crise sentimentale, lui causent une dépression.

En 1971, il refait surface avec une nouvelle tournée et, en septembre, accompagne au piano Johnny Hallyday durant le Medley rock'n'roll en clôture de son spectacle au Palais des Sports. C'est lors de ces représentations qu'il arbore pour la première fois son nouveau look : il porte désormais de grandes lunettes à verres foncés aux larges montures blanches, créées par l'opticien Pierre Marly, qui cachent sa forte myopie et protègent ses yeux fragiles, ses longs cheveux sont blondis et ondulés. Il ne changera plus guère de style. À propos de son allure, le journaliste Bertrand Dicale interviewé par Laurent Delahousse pour l'émission Un jour, un destin (sur France 2 en décembre 2008), explique : « Il radicalise tout ce qu'on lui reproche ». Quant au photographe Jean-Marie Périer, il commente : « Il fabrique un autre, et se cache derrière ». Michel a une autre explication : « Quand je me vois dans la glace, je corresponds à ce que je voudrais être. Le jour où je n’y correspondrai plus, je me tirerai une balle dans la tête, probablement. »

La même année, il compose la bande originale du film Ça n'arrive qu'aux autres de Nadine Trintignant et du film La Folie des grandeurs de Gérard Oury avec Louis de Funès et Yves Montand. Cette année est aussi celle de Polnareff's, considéré par beaucoup comme son chef-d’œuvre. Dans ce disque enregistré à Abbey Road avec un système de quadriphonie, les orchestres sont dirigés par A. King, B. Sheperd, ou par Polnareff lui-même. On retrouve aussi le bassiste de Lou Reed, Herbie Flowers (également présent sur l'autre grand disque français de ces années-là, « Melody Nelson » de Serge Gainsbourg). À l'affût des nouveautés, Polnareff a utilisé des synthétiseurs comme le Minimoog sur l’instrumental Computer’s dream. L'album mêle jazz (Né dans un ice cream), pop (Le désert n’est plus en Afrique) et soul (Hey you woman). Mais il ne peut défendre cet album : victime d'une seconde dépression nerveuse en janvier 1971, il fait une cure de sommeil dans un hôpital de la région parisienne.

En 1972, paraissent La Mouche, Holidays et On ira tous au paradis. C'est aussi l'année du concert Polnarévolution à l'Olympia. Les 6 000 affiches de ce concert font scandale lorsqu'elles sont placardées le 2 octobre 1972 dans toute la capitale : Polnareff, travesti, montre ses fesses. Le tribunal correctionnel le condamne à 60 000 francs d'amende pour attentat à la pudeur. Le concert Polnarévolution est une innovation : il est le premier concert français à bénéficier du son 5.1. Les costumes sont confectionnés par Paco Rabanne, les musiciens, les Dynastie Crisis, sont vêtus de collants noirs, d'un haut en plastique, Polnareff est recouvert de paillettes argentées. Les instruments de musique sont fabriqués en plexiglas. Au début du concert, une fille du Crazy Horse déguisée en Polnareff arrive de dos et baisse son pantalon en référence à l’affiche.

En mars 1973, Michel Polnareff crée Polnarêve, un spectacle de nouvelles chansons. La sortie du prochain disque est prévue pour les mois suivants et les enregistrements ont déjà eu lieu. Le support sera finalement distribué après le départ de l'artiste pour les États-Unis. Il est sobrement intitulé Michel Polnareff sans indication sur la pochette et contenant entre autres le très mélancolique L’Homme qui pleurait des larmes de verre écrit avec son nouveau parolier Pierre Grosz, qui, à part un morceau signé Jean-Loup Dabadie, est le coauteur de toutes les paroles de l'album. L’arrangeur fétiche de Serge Gainsbourg, Jean-Claude Vannier, est de la partie et semble s'être chargé des mixages alors que Polnareff n'était plus en France.

Exil américain (1973-1984)

Revenant d'une tournée internationale à l'été 1973, Polnareff découvre que son déficit bancaire se calcule en millions de francs, son homme de confiance Bernard Seneau (revenu en Anjou par la suite, et mort début 2015), l'a escroqué : avec l'argent de Polnareff, il a loué un logement et une voiture à celui-ci, sans les lui acheter (alors que Polnareff se croyait propriétaire), puis est parti avec son argent, sans avoir payé les impôts du chanteur. Polnareff se retrouve donc non seulement sans le sou, mais débiteur d'une énorme dette fiscale, il faudra des années pour que ses avocats prouvent sa non-complicité dans cet impayé fiscal d'un million de francs. Sa mère meurt au même moment et Polnareff, dépressif, doit faire une nouvelle cure de sommeil avant de s'exiler, le 12 octobre 1973, aux États-Unis à bord du paquebot France, dont c'est un des derniers trajets (avant d'être désarmé en 1974 puis revendu). D'après l'émission Un jour, un destin ? Polnareff, les secrets d'un exil, la raison en fut que Polnareff aurait peur de prendre l'avion. Plus tard, aux États-Unis, il tentera de s'acheter une camionnette blindée et une arme à Christophe Rocancourt, célèbre usurpateur qui extorqua quelque deux cent cinquante mille dollars à la vedette exilée en Californie et qui, dans l'émission en question, émet l'hypothèse que : « Michel Polnareff est un parano, un peu obsédé par les armes. » Il finit par s'installer à Los Angeles. Il signe très vite sur le label Atlantic sur lequel sortira d'ailleurs son dernier disque français.

En 1974, Michel Polnareff reçoit l'hommage du groupe Il était une fois, « Polnarevient », Serge Koolenn et Richard Dewitte avaient été musiciens du chanteur.

En 1975, Fame à la mode sort entièrement en anglais. Sur ce disque jouent des musiciens prestigieux, Lee Ritenour, Leland Sklar ou Jim Gordon, musiciens de Clapton et des ex-Beatles. Le morceau Jesus for tonight est le premier titre d'un compositeur français à entrer dans le classement du Billboard Magazine. Polnareff part ensuite pour une très grande tournée au Japon puis pour un concert au Forest National à Bruxelles, ne pouvant remettre les pieds sur le sol français.

En 1976, il signe la bande originale du film Lipstick qui se classe en très bonne position dans les charts internationaux. (Il restera également sept semaines dans le top 100 aux États-Unis.)

En 1977, il compose Lettre à France sur un texte de Jean-Loup Dabadie qui exprime sa nostalgie de la France. Il s'est maintenant attaché au confort de vie californien, fait du sport et se passionne pour les nouvelles technologies.

En 1978, il revient en France (après cinq ans d'absence) pour son procès à l'issue duquel il reste redevable de plus d'un million de francs au fisc. Il en profite pour sortir Coucou me revoilou mais le succès est mitigé malgré des morceaux marquants. Un « album crasse » selon l’intéressé, enregistré entre Londres et Los Angeles. Après cette sortie, il rompt son contrat avec Atlantic, afin de signer de nouveau chez Disc'AZ.

En 1980, il réalise un album très méconnu, en collaboration avec Michel Colombier, avec lequel il a travaillé sur son précédent 33 tours. Les deux artistes utilisent des pseudonymes : Max Flash pour Polnareff, Michael Dove pour Colombier. C'est un disque funk, intitulé Ménage à trois sans nom de groupe.

En 1981, Polnareff revient avec l'album Bulles, qui se vend à plus de 800 000 exemplaires, avec les tubes Tam Tam et Radio. Ce disque, avec synthétiseurs et boites à rythmes, au son très californien, a été enregistré de nuit avec Hans Zimmer à Londres. En novembre 1981, il enregistre un spectacle Télé show 82, uniquement pour la télévision, diffusé le soir du 31 décembre, où il interprète les titres de Bulles et quelques incontournables. Le disque sera pressé sur un vinyl LP transparent.

Le chanteur repartira ensuite aux États-Unis et fera différents voyages notamment au Gabon.

Retour en France (1984-1994)

En 1984, il signe la bande originale de La Vengeance du serpent à plumes de Gérard Oury. L’année d’après, il revient avec Incognito, qui ne connaît pas le succès du précédent malgré les titres Viens te faire chahuter (et son clip qui, pour la première fois en France, coûte un million de francs) et La Belle veut sa revanche (à noter que le disque fut boycotté par la Fnac comme toutes les autres références de chez RCA, en raison de la politique de distribution de son président de l'époque). Le son est encore une fois très électronique, utilisant samplers et séquenceurs.

Durant cette période, Michel Polnareff réside épisodiquement en France.

De 1985 à 1987, il s'installe à l'hôtel Le Manoir de Chaubuisson à Fontenay-Trésigny en région parisienne, et compose Goodbye Marylou qui devient immédiatement un tube à sa sortie. Lorsque le manoir ferme, il s'installe pendant 20 mois dans l'appartement des propriétaires du Café des Trois-Valets, à Fontenay-Trésigny, nourri, logé, blanchi. Néanmoins, ce que Polnareff écrit dans son autobiographie sur cette expérience est ressenti négativement par la famille propriétaire du café. C'est à cette époque qu'Epic (Sony Music aujourd'hui), lui propose un contrat.

À partir de septembre 1989, il réside (durant huit cents jours) à l'hôtel Royal Monceau, où il commence l'enregistrement de l'album Kâmâ Sutrâ avec l'aide de Ben Rogan à la production et Mike Oldfield à la guitare. Le disque sort en février 1990 et reçoit un double disque d'or (plus de 200 000 ventes) grâce aux singles Goodbye Marylou, Kâmâ Sutrâ, LNA HO, Toi et moi. L’image de Michel Polnareff devient symbolique, dans ses clips et sur les pochettes, on ne voit que sa silhouette ou ses lunettes. « Période bleue » confiera l’intéressé, à l’image du clip Kâmâ Sutrâ où l’on aperçoit son ombre hanter les couloirs du Royal Monceau.

Michel Polnareff va mal, atteint d'une cataracte aux deux yeux, il devient presque aveugle, ne voyant plus qu'un peu de lumière. Il tait sa quasi-cécité à son entourage, noie sa peur dans la vodka et ne sort plus du Royal Monceau ; on finit par comprendre qu'il peut s'y déplacer plus facilement, connaissant l'endroit par cœur. Méconnaissable, grossi, il porte une longue barbe brune, sa couleur naturelle. Le bar du Royal Monceau devient chaque nuit un studio pour les prises de voix. Les ingénieurs du son, dans un studio mobile se garent chaque soir devant l'hôtel, les musiciens enregistrent simultanément dans trois autres studios. Les cordes sont enregistrées à Abbey Road et dirigées via le téléphone par Polnareff depuis l’hôtel. Kâmâ Sutrâ renoue un peu avec le Polnareff d’antan, le son est très acoustique, avec les cordes de Goodbye Marylou et de Kâmâ Sutrâ.

De 1992 à 1994, Polnareff réside discrètement en France, à différents endroits, sans apparition publique et avec des périodes de studio dont les enregistrements restent inédits.

Après de longs mois d'hésitation, il est opéré d'une double cataracte brune par le docteur Alain Hagège (l'œil gauche le 17 octobre 1994 et l'œil droit, le 20 décembre) et soigné par une hypnothérapie. Il recouvre enfin la vue.

Du Roxy à Bercy : la renaissance (1995-2006)

En 1995, Polnareff prépare au Peninsula Hotel, à Los Angeles, son retour sur scène et, en septembre 1995, il se produit sur le Sunset Boulevard, dans la salle du Roxy.

Il s’entoure de grands musiciens, Dick Smith (guitariste de Earth, Wind and Fire, d’Aretha Franklin), Alex Acuña (percussionniste de Weather Report, d’Elvis Presley et de Michael Jackson). Le disque Live at the Roxy sort en 1996 et marque les esprits par la richesse des ré-orchestrations ; il oscille entre rock, funk, country et même reggae. L'album reste numéro un pendant cinq semaines et est certifié disque de platine (300 000 exemplaires pour l'année de sortie).

Une émission sur Canal+, produite par Marc-Olivier Fogiel et présentée par Michel Denisot, couvre l’événement ; en plein désert des Mojaves en Californie, Michel Polnareff est longuement interviewé. Il en profite pour annoncer la préparation d'un nouveau disque et le projet de remonter sur scène à Paris, sans toutefois préciser le lieu ou la date. À la fin de l'émission, il retire un court instant ses célèbres lunettes blanches, fait « exceptionnel » qu'il n'a pas reproduit à la télévision ou sur scène à ce jour.

Des reprises de ses chansons apparaissent, notamment On ira tous au paradis pour le film de Dominique Farrugia Trafic d'influence, titre interprété par Arsenik, Stomy Bugsy et Jane Fostin. Il ouvre son site internet en 1996, ce site, où il se nomme L'Amiral et où il surnomme affectueusement ses fans les « moussaillons » (ce site ressemblant selon lui à un immense Navire spatial dont il est le capitaine, « à la pointe de la technique, avançant toujours vers de nouvelles PolnAventures mélodieuses, dans un espace musical en détresse »), lui permet une communication directe avec son public.

En 1999 sort le single Je rêve d'un monde (When I'm in love), ballade gospel pacifiste, qui obtient un succès mitigé. Michel annonce une nouvelle fois un nouvel album et son souhait de faire un grand concert à Paris.

La première moitié des années 2000 est très calme, malgré hommages et compilations. En 2003, Nostalgie réalise une longue interview radiophonique de l'artiste.

En septembre 2004, Michel Polnareff apparaît, bronzé et bodybuildé, en couverture de Paris Match, accompagné de sa nouvelle compagne, Danyellah. En novembre sort Polnareff par Polnareff, livre d’anecdotes autobiographiques.

Retour à la scène (2007)

Le 12 mai 2006, au journal télévisé de 20 heures de TF1, Michel Polnareff annonce qu’il remonte sur scène le 2 mars 2007 pour une série de six concerts au Palais omnisports de Paris-Bercy^{[réf. souhaitée]}. Près de 40 000 billets sont vendus en quarante-huit heures. Le succès est tel que quatre concerts à Bercy sont ajoutés en mars^{[réf. souhaitée]}. Une tournée est ensuite annoncée de mars à août, comprenant un retour à Bercy en juin, le temps de deux soirées^{[réf. souhaitée]}.

En octobre 2006, un nouveau single (le premier en sept ans) intitulé Ophélie flagrant des lits arrive sur les ondes.

Le 2 mars 2007, à Bercy, Michel Polnareff revient après trente-quatre ans d'absence sur la scène française. Il enchaîne vingt-cinq titres. Il apparaît en ombre chinoise, les lunettes suspendues font office d’écran géant, la gigantesque arène composée de lumières et d’écrans entourée de planètes et d’étoiles se découvre au fil du spectacle. À la fin du show, une pluie de confetti en forme de lunettes tombe du plafond durant l'interprétation du titre On ira tous au paradis (le titre sera repris en « gimmick » lors des victoires de l'équipe de France de rugby au Mondial 2011). Michel Polnareff est accompagné de sept musiciens américains, Virgil Donati, Bunny Brunel (bassiste fretless de Chick Corea et de Herbie Hancock), Tony MacAlpine (guitariste et claviériste de Steve Vai) ou encore Mino Cinelu (percussionniste de Miles Davis, Weather Report, Sting).

Ze (re)tour 2007, l’un des grands événements musicaux de 2007, attire plus d’un million de spectateurs avec une soixantaine de dates^{[réf. nécessaire]} ; sans oublier le grand concert donné le 14 juillet au Champ-de-Mars, devant près de six cent mille spectateurs, à la demande du président de la République, Nicolas Sarkozy désirant offrir un grand divertissement populaire à l'occasion de la Fête nationale. Charline Vanhoenacker écrira : « la France déroule le tapis rouge à Michel Polnareff, l'exilé fiscal, puis exilé tout court ». Le 10 mars 2007, les Victoires de la musique lui remettent la victoire d’honneur pour l'ensemble de son œuvre. Le CD et le DVD de la tournée sortent le 7 décembre 2007 chez Polydor. Lors de cette tournée, le public découvre en version live, la chanson Position(s), sorte de blues jazzy aux paroles équivoques et implicites. Il s'agit du quatrième titre inédit de Polnareff depuis 1990 - si l'on compte, pour résumer, l'instrumental piano Lee Neddy en 1995, Je Rêve d'un Monde en 1999, et Ophélie Flagrant des Lits en 2006.

Le 8 mars 2008, Ze (re)tour 2007 remporte la Victoire de la musique du « Spectacle musical, tournée, concert de l’année », Gilbert Coullier, producteur de la tournée, vient récupérer le prix sur scène à la place de Michel Polnareff reparti en Californie depuis six mois.

En studio (2010-2015)

Le 22 juillet 2010 à Los Angeles, Michel Polnareff est fait chevalier de la Légion d'honneur. Ce même jour, il dira : « J'aimerais que mes fans sachent que je pense toujours à eux. Nous sommes toujours aussi proches, même si c'est de façon virtuelle », commence Michel Polnareff, continuant « Je ne pense pas à un spectacle, mais plutôt à un nouveau disque car, si ce n'est deux singles, il n'y a rien eu de nouveau depuis quinze ans. Donc actuellement, je suis en studio. »

En septembre 2010, Michel Polnareff et sa compagne annoncent qu'ils attendent un enfant. La naissance du bébé - un garçon prénommé Louka - a eu lieu à Los Angeles le 28 décembre 2010.

Le 21 février 2011, il écrit sur sa page Facebook qu'un test ADN vient de révéler qu'il n'est pas le père du « PolnaBB ».

En mars 2011, il perd son amie de quarante ans, qui a été « l'amour de sa vie » et son manager depuis 1972, Annie Fargue. Il diffuse sur Internet le discours qu'il a enregistré pour les obsèques de son amie. L'album, Le Cinéma de Polnareff (compilant ses compositions pour le 7^e art), dernier projet conçu avec Annie Fargue, sort le 7 novembre 2011.

Du 18 au 29 novembre 2013, France Bleu diffuse Radio Polnareff, un entretien enregistré par Fabien Lecœuvre chez Michel Polnareff en Californie qui aborde en dix thèmes la vie du Roi des fourmis.

Le double DVD Polnareff ? Classics Vintage, permettant de découvrir les grands moments des prestations télévisuelles de l'artiste tout au long de sa carrière, sort le 13 janvier 2014 et connaît un véritable succès, se classant directement numéro un des ventes de DVD musicaux en France pendant quatre semaines consécutives.

Le 5 juin 2014, le documentaire Quand l'écran s'allume, réalisé par Fabrice Laffont, est projeté dans une centaine de cinémas en France, en Belgique et en Suisse. Fait d'images d'archives personnelles inédites et dirigé par Polnareff en personne, le documentaire est également diffusé à la télévision belge et suisse en septembre 2014, ainsi que sur France 3 le 27 octobre 2014.

En avril 2015, il dénonce la caricature faite de lui par l'organisme de crédit Cetelem, le chanteur n'est pas d'accord avec l'utilisation de son image associée à un organisme de crédit, donc à des buts lucratifs. Il précise par la suite n'avoir aucune animosité envers l'acteur le grimant mais ressentait de la colère que son image soit utilisée à des fins commerciales.

Le 12 mai 2015, il publie sur Facebook et Twitter une vidéo où, en studio, il dirige depuis Bruxelles un enregistrement fait à Suresnes. Depuis la veille, il enregistre à distance et dirige l'orchestration par visioconférence. Le 19 mai, il se fait opérer à Bruxelles d'une hernie paraombilicale qui lui « a pourri la vie » pendant ZE (RE) TOUR 2007.

Le 20 juin 2015, Michel Polnareff, sa compagne et leur fils Louka sont reçus à Montluçon avec les honneurs de la municipalité, sous le regard de milliers de personnes. C'est la première visite de Polnareff en France depuis près de huit ans. Il participe à l'inauguration de la PolnaExpo qui lui est consacrée pendant plus de six mois, au Mupop, situé dans cette ville (où le chanteur a effectué une partie de son service militaire). Une place est inaugurée au nom de l'artiste, face à l'entrée du musée.

Nouveau single et nouvelle tournée (2015-2017)

Le 8 décembre 2015, il annonce sur RTL la sortie de son album « entre janvier et avril 2016 », ainsi qu'une tournée de 70 dates d'avril à l’été 2016 avec notamment quatre concerts à Bercy.

Le 18 décembre 2015, Michel Polnareff dévoile son premier titre studio depuis 2006. La diffusion de L'Homme en rouge a lieu à minuit, sur la station de radio Nostalgie ; RTL, partenaire de la nouvelle tournée, présente également le morceau dès 9 heures. Le clip officiel de L'Homme en rouge est diffusé à partir du 9 janvier 2016. Réalisé par Yann Orhan, produit par Aurélie Ullrich et Michel Polnareff, il met en scène le jeune Swann Nambotin, connu pour son rôle dans la série Les Revenants. La réception critique de la chanson est très mitigée^,,, comme les précédents single depuis Kama-Sutra.

Le 24 mars, sort une autobiographie intitulée Spèrme chez Plon. Les lettres du mot « père » étant mises en évidence, en couleur rouge, en faisant référence à son fils né en décembre 2010 d'un don de sperme et également à son père qui était autoritaire et violent avec lui.

Le 30 avril, Michel Polnareff débute sa tournée à Épernay devant cinq mille spectateurs. Le 7 mai 2016, il donne, à « guichets fermés » le premier d'une série de quatre concerts (7, 8, 10 et 11 mai), à l’AccorHotels Arena de Paris.

Le 14 mai 2016, il est, pour la première fois depuis vingt-sept ans, en direct sur un plateau de télévision, où sur TF1, lors de la finale de The Voice, il accompagne Clément Verzi au piano sur L'Homme en rouge puis interprète Love Me, Please Love Me.

Lors de l'émission Village Départ sur France 3 le 3 juillet 2016, jour de ses 72 ans, après avoir donné le départ de l'étape du jour, Michel Polnareff rejoint en plateau le présentateur et son producteur Gilbert Coullier qui annonce que déjà trois cent mille personnes sont venues l'applaudir, tous concerts confondus, depuis le 30 avril.

Le 14 juillet 2016, il donne un concert unique à guichets fermés à l'Olympia, quarante-quatre ans après la PolnaRévolution. Dans un spectacle de 2 h 45, il enchaîne ses plus gros tubes (Je suis un homme, la Poupée qui fait non, Tam-Tam, Lettre à France, L'Homme en rouge, Dans la rue, Goodbye Marylou, KamaSutra...) et offre quelques surprises au public (comme I Love You Because, Le Prince en otage, Tibili ou encore une improvisation de Jerry Lee Lewis) avec la fameuse affiche de 1972 en fond de scène. Il remercie, à la fin du concert, le public de l'« avoir soutenu contre vents et marées depuis toujours ».

Après une pause estivale suite à son dernier concert le 26 juillet à Carcassonne, il remonte sur scène le samedi 10 septembre à l'occasion de La Fête de l'Humanité devant plus de 200 000 personnes. Porté par la foule, il fait vingt minutes de plus sur les quatre-vingts minutes initialement prévues.

Le 15 septembre 2016, il est l'invité exceptionnel de l'émission Touche pas à mon poste présentée par Cyril Hanouna sur C8. Lors de cette émission, il annonce qu'il donnera le dernier concert de sa tournée le 2 décembre 2016 à la salle Pleyel de Paris. Quelques jours plus tard, il fait part de son envie que sa tournée se prolonge en 2017 par des dates aux États-Unis mais aussi au Japon. Il retourne à Los Angeles pour se reposer, mixer l'album du live de l'Olympia.

Il reprend la scène le 8 novembre à Nice. Il se produit encore, notamment, à Albertville, Bourg-en-bresse, Nantes, Marseille, Amiens, Toulouse, Pau, il joue à Bordeaux le 30 novembre, sans ce douter qu'il donne là le dernier concert de la tournée.

Le 2 décembre 2016, alors qu'il s'apprête à se rendre à la salle Pleyel pour, ce qui doit être l'avant-dernier concert de la tournée, il annule, à la dernière minute, la représentation du fait d'une grande fatigue et de vertiges. Le même jour, sort l'album live À l'Olympia (il s'agit de son second album enregistré en public en neuf ans). Un best-of intitulé Polnabest est également diffusé.

Le lendemain, Michel Ponareff est admis à l'hôpital américain de Neuilly-sur-Seine en urgence à cause d'une baisse de tension et de troubles respiratoires, et annule l'ultime concert de la tournée qui devait avoir lieu le soir même à Nantes. Le 5 décembre 2016, son attaché de presse dévoile que le chanteur a été victime d'une « embolie pulmonaire bilatérale qui engage son pronostic vital ». Son entourage indique, le 8 décembre 2016 que l'artiste « va beaucoup mieux », « qu'il est conscient, sous oxygène » mais qu'il n'est pas encore totalement sorti d'affaire. Dans les jours qui suivent a lieu une polémique entre le producteur Gilbert Coullier et le chanteur quant à la réalité de l'état de santé de ce dernier ; il lui est reproché les raisons « plutôt floues » de son hospitalisation, qui a donné lieu à l'annulation de deux concerts non assurés, avec des pertes estimées à « 200 000 euros par date ». Le producteur souhaite en effet avoir accès au dossier médical de Michel Polnareff, alors que le secret médical s'impose : « s'il s'avère qu'il est malade, j'assumerai mes responsabilités. S'il s'avère qu'il pouvait chanter, les frais seront partagés ». Michel Polnareff répond qu'il juge « intolérables » ces attaques « contre la dignité » du médecin qui l'a soigné. Son médecin, Philippe Siou, révèle sur BFM TV le 16 décembre 2016 que le chanteur est sorti de l'hôpital dans la soirée du 15 décembre 2016 dans la plus grande discrétion. De plus, le Dr Siou indique qu'on peut considérer que Michel Polnareff est « guéri » mais qu'il « n'est pas totalement remis ». Michel Polnareff porte ensuite plainte contre Gilbert Coullier pour diffamation. Le 23 mars 2018, le tribunal de Marseille prononce la relaxe de Gilbert Coullier.

En janvier 2017, il donne une interview à Paris Match, dans laquelle il diffuse des photos prises par sa compagne alors qu'il se trouvait sur son lit d'hôpital. Il annonce être fatigué mais heureux d'être en vie et avoir eu peur de « faire partie du wagon » des artistes décédés en 2016 et de plus voir son fils et sa compagne. Mais également qu'il reste en France pour plusieurs mois, qu'il n'a pas plus envie que ça de rentrer aux États-Unis. Il annonce aussi que dès qu'il le pourra, il reprendra une nouvelle tournée qui démarrera par la Salle Pleyel et qu'il continue de préparer son nouvel album.

Le 2 mai se tient au tribunal de Marseille le début de son procès contre son ancien producteur. Polnareff, par l'intermédiaire de son avocat, apporte des factures attestant qu'il n'a pas consommé d'alcool. Face à l'arrivée de ces éléments, le jugement est renvoyé au 27 juin 2017 puis finalement en décembre 2017.

Le 14 novembre 2017, le journal Le Figaro annonce que le chanteur fera son retour sur scène dans la comédie musicale Le Fantôme de l'Opéra pour 50 représentations, de janvier à mars 2019, sur la scène du Casino de Paris.

Enfin ! (depuis 2018)

À partir du 21 septembre, Michel Polnareff publie sur son compte Facebook le texte et des extraits vidéo d'une nouvelle chanson intitulée Terre... Happy à paraître sur son nouvel album. Cette nouvelle chanson, très écologique, évoque la destruction de notre planète et la nécessité d'une Terre... Happy.

Le 3 octobre 2018, le nouvel album est disponible en précommande et son titre est révélé : Enfin !. La pochette est également dévoilée : elle montre un cadenas ouvert par une clé.

Le 16 novembre 2018, à 0 h 1, est publié Grandis pas, le premier single du nouvel album, un titre composé par Polnareff et coécrit avec Doriand. Dans cette ballade, il s'adresse à son fils Louka.

Dans une interview donnée (depuis Las Vegas) au Parisien publiée le 28 novembre 2018, Michel Polnareff déclare, à propos de sa participation à un nouveau Fantôme de l'Opéra sur scène en 2019 à Paris, qu'il est « incapable de répondre », que « c'est un grand mystère » et « [se] demande même si ce n’est pas un gag », qu'il « n'[a] pas été recontacté », qu'il « n'[a] pas plus envie de le faire que cela », ajoutant même, non sans humour, que « cela mérite vraiment son nom de fantôme ».

Le nouvel album Enfin ! paraît finalement le 30 novembre 2018.

Discographie

Albums studio

• 1966 : Love Me, Please Love Me

• 1968 : Le Bal des Laze

• 1971 : Polnareff's

• 1974 : Michel Polnareff

• 1975 : Fame à la mode

• 1978 : Coucou me revoilou

• 1981 : Bulles

• 1985 : Incognito

• 1990 : Kâmâ Sutrâ

• 2018 : Enfin !

Publications

• Polnaréflexions en collaboration avec Jean-Michel Desjeunes, éditions Dire/Stock2, 1974 (ISBN 978-2-234-00136-7)
• Polnareff par Polnareff en collaboration avec Philippe Manœuvre, éditions Grasset & Fasquelle, 2004 (ISBN 2-246-66261-3)
• Polnaculte : Michel Polnareff vu par ses auteurs et par lui-même en collaboration avec Benoît Cachin, éditions de Tournon, 2007 (ISBN 978-2-35144-036-0)
• Spèrme, éditions Plon, 2016 (ISBN 978-2-259-23020-9)

Hommages

• 1999 : Double album Hommage à Polnareff / Tribute to Polnareff avec la participation de Pulp, Nick Cave, Bill Pritchard, St Étienne, Concorde Music Club, Bertrand Burgalat... (XIII Bis Records)
• 2003 : Fan est une chanson écrite par Lionel Florence, composée et interprétée par Pascal Obispo, sortie en single en 2003. Elle figure dans le double album Studio Fan - Live Fan sorti en juin 2004, qui rend notamment hommage à Michel Polnareff. Sur les pochettes, le chanteur est déguisé en différents artistes, dont Michel Polnareff.
• L'astéroïde (99824) Polnareff fut nommé en son honneur.
• Le personnage Jean Pierre Polnareff dans le manga Jojo's Bizarre Adventure
• Le personnage Aiko Polnareff dans le film The Virgin Psychics (Sono Sion, 2015).
• Le personnage Don Quijote Doflamingo du manga One Piece est inspiré du style de Michel Polnareff.
• 2018 : Dans la chanson Le Temps Est Passé Comme Il Pleut, Didier Barbelivien parle de Michel Polnareff et de son piano.

Justice

En juin 2016, Michel Polnareff gagne son procès contre l'entreprise Cetelem qu'il avait poursuivie pour avoir utilisé son image dans une publicité.

Vie privée

Michel Polnareff a eu une aventure dans les années 1970 avec Sylvia Kristel et Lynda Carter, après son élection à Miss World USA (le concours de sélection pour l'américaine participant à Miss Monde).

Il a été en couple avec Annie Fargue pendant une vingtaine d'années, par la suite, elle est devenue son amie et manageuse jusqu'à son décès en 2011.

Depuis 2003, il est en couple avec Danyellah, rencontrée à Los Angeles, alors que cette dernière, journaliste, effectuait un reportage sur Jim Morrison. Suite à un don de sperme à l'insu de Michel, ils sont les parents de Louka, né le 28 décembre 2010. La presse rapporte en août 2017 qu'elle aurait quitté l'artiste. Quelques semaines plus tard, Polnareff diffuse sur les réseaux sociaux une photo de lui, de Danyellah et de leur fils, qui fait taire les rumeurs.

En 2011, un test ADN révèle que Michel n'est pas le père. Il quitte Danyellah pour quelques mois, avant de revenir au domicile familial à L.A. et finalement adopter Louka en 2016.

Notes et références

Notes

Références

Annexes

Bibliographie

• Benoît Cachin, Michel Polnareff : une simple mélodie. Paris : Gründ, coll. "Passion musique", 2014, 240 p. (ISBN 978-2-324-00841-2)
• Michel Polnareff, Le Polnabook, de Éditions Ipanéma, 2013
• Christian Eudeline, Derrière les lunettes, ed. fayard, 2013 (ISBN 978-2-213-66680-8)
• Jean Wacquet et Collectif, Polnareff, Suite de bulles, éditions Soleil Productions, 2007 (ISBN 978-2-84946-803-6)
• Christophe Lauga, Polnareffmania, éditions Scali, 2007 (ISBN 2350120848)
• Fabien Lecœuvre, Polnareff, la véritable histoire d'une légende, éditions City, 2007 (ISBN 2352880459)
• Philippe Margotin, Polnareff, éditions de la Lagune, 2007 (ISBN 284969049X)
• Rémi Bouet, Polnareff, au fond des yeux, édition Montfort l'Amaury : Arthéléna, 2007 (ISBN 9782916832029) ; 2916832025
• Fabien Lecœuvre, Michel Polnareff, édition Vaderetro, 2004 (ISBN 2847630104)
• Cécile Barthélemy, Michel Polnareff, Collection Poésie et chansons, éditions Seghers, Paris 1973

Émissions de télévision sur Michel Polnareff

• Le Jeu de la vérité présenté par Patrick Sabatier sur TF1 le 31 mai 1985.
• Un jour, un destin - Polnareff, les secrets d'un exil présenté par Laurent Delahousse sur France 2 le 30 décembre 2008 (durée : 1 h 30).
• Polnareff, quand l'écran s'allume, documentaire de 115 minutes réalisé par Fabrice Laffont, diffusé sur France 3 le 27 octobre puis le 16 novembre 2014.

Liens externes

• Site officiel
• Michel Polnareff sur INA Archives Télé
• (en) Michel Polnareff sur l’Internet Movie Database

Françoise Hardy est une chanteuse française, née le 17 janvier 1944 à Paris.

Auteure, compositrice et interprète, elle poursuit une carrière essentiellement discographique. Sur des mélodies mélancoliques qu’elle affectionne, le répertoire de Françoise Hardy est en grande partie le reflet des doutes, des interrogations et de l’anxiété que suscitent en elle les tourments des relations sentimentales et de la nostalgie en général.

Parallèlement à l’écriture de chansons, elle porte un intérêt à l’astrologie, qu’elle appréhende comme complément à la psychologie.

Biographie

Enfance, adolescence et apprentissage de la chanson

La jeunesse de Françoise Hardy se déroule en vase clos N^o 24 rue d'Aumale dans le 9^e arrondissement de Paris auprès d’une mère aide-comptable, Madeleine Hardy, restée célibataire, et d’une sœur, sa cadette d’un an et demi.

Son père, directeur d'une fabrique de machines à calculer, frère d'un jésuite résistant déporté à Dachau, est issu d'une famille bourgeoise de Blois. Marié à une autre femme, il est rarement présent et oublie souvent de payer la pension alimentaire ou les frais scolaires. Il ne reconnaîtra ses filles que bien plus tard.

Complexée et sentimentale, subissant les brimades répétées de sa grand-mère maternelle, la jeune Françoise se réfugie dans la lecture et l'écoute des chansons diffusées à la radio. C'est sa découverte du rock 'n' roll sur une radio étrangère qui lui fait choisir, à seize ans, une guitare en récompense de sa réussite à son premier bac en juin 1960.

« J'avais demandé une guitare quand j'ai été reçue à mon premier bac. On m'a demandé ce que je voulais comme récompense alors j'ai demandé une guitare. Et puis, une fois que j'ai eu mon deuxième bac, alors je me suis occupée de la guitare que j'avais délaissée pendant un an, enfin dont je ne m'étais pas occupée du tout pendant un an, et puis j'ai fait quelques chansons. »

? Visiteur d'un soir, RTS, 17 juillet 1963

Aidée d’une méthode d'apprentissage sommaire, elle s’essaye à poser quelques accords sur des mots qui traduisent ses états d’âme et se met à rêver d’un métier ayant un rapport, de près ou de loin, avec le milieu musical.

Après une première année d’études supérieures à la Sorbonne, une annonce dans le journal France-Soir retient toute son attention : une maison de disques souhaite auditionner de jeunes chanteurs. Françoise obtient un rendez-vous et passe un essai qui reste sans suite. Avant de contacter d’autres sociétés, elle s'inscrit au Petit Conservatoire de la chanson de Mireille (elle y restera deux ans).

Elle se présente ensuite chez les disques Vogue, un label qui possède Johnny Hallyday dans son catalogue et qui souhaite trouver son pendant féminin. Intéressé par son style, le responsable des auditions l’invite à se perfectionner et lui donne des cours de solfège. Quelques mois après, le 14 novembre 1961, le directeur artistique de Vogue lui signe un contrat.

Débuts dans la chanson : les années « Vogue »

Les cours prodigués par le Petit Conservatoire de la chanson font l’objet d’une émission télévisée hebdomadaire, intitulée En attendant leur carrosse et diffusée sur l'unique chaîne en noir et blanc de la RTF. « Mademoiselle Hardy » y fait sa première apparition le 6 février 1962 avec une chanson titrée La Fille avec toi. L’enregistrement de son premier 45 tours est bouclé le 25 avril. Sur ce disque se trouve l'adaptation française d’une chanson américaine (Oh oh chéri), sur laquelle mise la production, et trois de ses propres compositions. Peu avant sa sortie chez les disquaires, la chanteuse le présente avec fierté à Mireille dans l’émission du 5 juin 1962. Les quatre titres ne tardent pas à être diffusés par la radio. Bien accueillis par la jeunesse, 2 000 exemplaires du 45 tours sont achetés en trois mois.

Pour le grand public, la chanteuse se révèle dans la soirée du dimanche 28 octobre 1962. Ce soir-là, de nombreux téléspectateurs attendent les résultats du référendum sur l'élection au suffrage universel du président de la République; dans l’un des intermèdes musicaux, Françoise Hardy apparaît pour chanter Tous les garçons et les filles. Dès le lendemain et les jours suivants, ce titre va se démarquer des trois autres sur les ondes radios et dans les juke-boxes et devenir un « tube » incontournable. À la fin de l’année, 500 000 exemplaires du 45 tours seront vendus.

La presse s'empare du phénomène. Paris Match la met en couverture de son numéro du 5 janvier 1963 et la consacre nouvelle « idole » de la chanson. Ce succès, porté par la vague « yéyé », lui vient également de ses talents d’écriture et de composition, peu courants chez les nouveaux interprètes de ce début des sixties. La chanteuse enregistre d’autres disques et Claude Lelouch, alors inconnu, la filme pour un des tout premiers Scopitones. Le 23 mars 1963, à Londres, elle défend les couleurs de Monaco au Concours Eurovision de la chanson avec une de ses nouvelles compositions, L’Amour s’en va (qui se classe à la 5^e place). Remarquée par le cinéaste Roger Vadim, celui-ci la fait débuter au cinéma dans Château en Suède, une adaptation de la pièce de théâtre éponyme écrite par Françoise Sagan. Après divers galas et tournées, Hardy fait ses premiers pas sur la scène de l'Olympia, à partir du 7 novembre 1963, cela durant huit semaines, en covedette avec Richard Anthony, pour un « Musicorama » organisé par Europe 1.

Fin 1963, le 45 tours, en tête des ventes durant onze semaines, atteint le million de disques vendus. La chanson Tous les garçons et les filles franchit alors les frontières. Traduite en Quelli della mia età, elle connaît sensiblement le même succès en Italie. Dans une moindre mesure, L'amore va (L’Amour s’en va) est le second titre qui séduit le public italien. À la suite de ces succès, la chanteuse sera sollicitée pour participer en chanson à quelques films musicaux, genre très prisé du public italien. Ses interprétations en anglais sont également bien accueillies outre-Manche, principalement la reprise d’un standard américain, Catch a Falling Star en 1964.

Sa popularité atteint l'Espagne, les Pays-Bas, le Danemark, le Canada, le Japon et les États-Unis où le magazine de mode Vogue publie un reportage de quatorze pages illustrées de photographies réalisées par William Klein. D’autres succès suivent : C'est à l'amour auquel je pense, Le temps de l'amour d'André Salvet et Lucien Morisse (sur une musique de Jacques Dutronc, Fort Chabrol, joué par le groupe Les Fantômes), Ton meilleur ami, Le premier bonheur du jour, L'amour d'un garçon, Saurai-je ?, Va pas prendre un tambour, Le sais-tu ?, Pourtant tu m'aimes, Je veux qu'il revienne, Mon amie la rose, Dis-lui non, Dans le monde entier, Ce petit cœur, L’amitié, Le temps des souvenirs, La maison où j'ai grandi, Je ne suis là pour personne, Voilà, Rendez-vous d'automne, Ma jeunesse fout l'camp, Des ronds dans l'eau, Je ne sais pas ce que je veux, À quoi ça sert ?, etc. Des chansons certes, mais l’image aussi : les minijupes, les boots blanches et le visage sous la frange des cheveux. Image qui évolue sous l’influence de son compagnon Jean-Marie Périer, photographe de la revue Salut les copains. Des couturiers, comme André Courrèges, Yves Saint Laurent, Paco Rabanne, la choisiront comme ambassadrice de mode, comme Marc Bohan qui réalisera pour elle une robe d'artiste à partir des dessins de Sonia Delaunay. Jean-Marie Périer la conseille dans tout ce qui touche à sa carrière, l’incitant aussi à accepter d'autres rôles au cinéma. Par ailleurs, il lui fait découvrir et aimer la Corse et lui suggère d’y faire construire une maison sur les hauteurs du village de Monticello.

L'année 1965 débute par une tournée française avec Hugues Aufray, où elle étrenne une tenue de scène créée par le couturier Courrèges. Cette année-là, elle conforte sa renommée en Grande-Bretagne où deux adaptations de ses compositions, However Much (Et même) et surtout All Over the World (Dans le monde entier), sont honorablement classées au Hit-parade pendant plusieurs semaines, de janvier à mars 1965. Il en est de même en Allemagne, où la chanson Frag’ den Abendwind gagne la faveur du public au lendemain d’un show télévisé qui lui est consacré fin avril.

Après une courte participation dans la dernière scène du film Quoi de neuf, Pussycat ? (What's New Pussycat?) de Clive Donner, elle se produit pendant deux semaines de juin 1965 au cabaret de l’hôtel Savoy à Londres où elle porte une variante de l’ensemble blanc de Courrèges. Suivent le tournage en Grèce d’Une balle au cœur ? film réalisé par le jeune cinéaste Jean-Daniel Pollet, une tournée estivale de juillet à mi-septembre (France, Espagne, Allemagne, Suisse, Italie) et le deuxième passage à l’Olympia, en « vedette américaine » des Compagnons de la chanson, à partir du 28 octobre. L'année 1965 se clôt le 26 décembre avec un divertissement télévisé, tourné à Londres, qui lui est entièrement consacré : Piccadilly Show.

Du 27 au 29 janvier 1966, elle participe au 16^e Festival de la chanson de Sanremo puis fait une tournée en Allemagne de l'Ouest, du 27 février au 3 avril (Berlin, Munich, etc.). En juin, deuxième tour de chant au Savoy de Londres ? sa tenue de scène : le smoking, créé par Yves Saint Laurent. Reconnaissant en elle l’un des personnages qu'il a en tête pour son futur film, le metteur en scène John Frankenheimer l'engage sur le tournage de Grand Prix, une superproduction sur les courses automobiles. Cinq mois durant, elle est présente sur pratiquement tous les circuits de Formule 1 : Monaco, Spa-Francorchamps, Zandwoort, Monza, etc. Pour la première projection publique du film, elle est invitée par la Metro-Goldwyn-Mayer avec la vedette française qui joue l’un des premiers rôles, Yves Montand, à se rendre à New York, le 21 décembre 1966. À cette occasion, la Warner, en accord avec Vogue, diffuse ses disques sur le marché américain. Pour les promouvoir, Françoise Hardy participe à quelques shows télévisés et fait l'objet de reportages dans les magazines. Elle figure sur la "photo du siècle" regroupant 46 vedettes françaises du "yéyé" en avril 1966.

En 1967, elle crée « Asparagus », sa propre maison de production et signe un nouveau contrat avec Vogue pour la distribuer. En mars, elle chante à nouveau pendant trois semaines au cabaret du Savoy. En septembre 1967, lors d'un séjour dans la maison corse de la chanteuse en compagnie de Jacques Dutronc et sa bande de copains, le couple Dutronc-Hardy se forme, mais elle se rend compte rapidement que leurs longues séparations lui sont éprouvantes, d'autant plus qu'il a de nombreuses aventures. Femme idéaliste, elle évoque toutes ces frustrations dans ses chansons. Les tournées se font à un rythme soutenu : 73 récitals en France, 15 galas au Canada (ces derniers, en compagnie d'Udo Jürgens) et une tournée africaine en Guinée, au Gabon, en Côte d'Ivoire avec Jean-Jacques Debout en vedette américaine.

En février 1968, Françoise Hardy se produit dans les universités britanniques : Brighton, Cambridge, Liverpool, Durham, Birmingham et Southampton. Du 26 février au 16 mars, elle effectue un périple en Afrique du Sud : Pretoria, Johannesburg, Durban, Le Cap. À partir du 22 avril, elle se produit pour la quatrième fois pour trois semaines au cabaret du Savoy de Londres. Le couturier Paco Rabanne lui « façonne » pour l’occasion une impressionnante combinaison métallique qui fait sensation. Le couturier poursuivra sa collaboration avec la chanteuse et créera l’événement en lui faisant porter « la mini-robe la plus chère du monde » ? faite de plaquettes d’or incrustées de diamants ?, lors de l’inauguration de l'Exposition internationale de diamants, le 15 mai 68, alors que la révolte étudiante gagne la France. Face aux « événements » qui prennent de l’ampleur, son directeur artistique lui conseille de s’éloigner de la capitale. Elle regagne alors sa maison en Corse avec Jacques Dutronc. Le calme à peu près revenu dans l’Hexagone, la chanteuse s’envole pour le Congo, afin d’honorer trois galas prévus à Kinshasa, les 7, 8 et 9 juin.

Après ces dernières prestations, Françoise Hardy, soutenue par son manager Lionel Roc, remet en cause les conditions de son contrat concernant la société « Asparagus ». Un procès entre les parties est engagé. Les tournées sont alors temporairement interrompues.

F. Hardy : « En mon for intérieur je savais que cette pause dans les tournées serait prolongée indéfiniment car le trac récurrent m’obsédait, les voyages incessants et les séparations m’étaient éprouvants. ». En attendant le dénouement du procès, Françoise Hardy se consacre à l’enregistrement de chansons en anglais, allemand et italien, tout en poursuivant la préparation de son album en français.

Son temps libre est mis à profit pour suivre un temps des cours de psychologie avant de se tourner vers l'astrologie traditionnelle. Ce choix est guidé par une première expérience faite en 1963, où un concours de circonstances lui avait fait consulter l’astrologue André Barbault. Les révélations qu’il avait faites sur sa personnalité secrète l’avaient troublée et piqué sa curiosité.

Retardés par les « événements de mai », les publications de son neuvième album et de l’édition française de son deuxième album chanté en anglais paraissent en décembre. Le premier est porté par la chanson Comment te dire adieu, dont le texte a été écrit par Serge Gainsbourg. Le second ne bénéficiera d’aucune promotion et passera inaperçu.

Françoise Hardy a gagné son procès ; les conditions du contrat, jugées abusives, ont été revues en sa faveur. Le cours des enregistrements se poursuit mais devant la persistance de divergences de vues avec ses associés, Françoise Hardy n'a pas l'intention de renouveler son contrat avec les Disques Vogue. Celui-ci va prendre fin en novembre 1969, mais avant tout, elle veut faire reconnaître ses droits sur ses compositions passées. Pour ce faire, elle engage une seconde bataille judiciaire.

La chanson Comment te dire adieu est un des gros succès de l'année 1969. Ce retour au sommet du hit-parade redonne un coup de fouet à sa carrière mais ne fait pas plier sa volonté de ne plus se produire sur scène. Ses prestations ne se font plus que sur les plateaux de télévision et, autant que possible, en play-back. La rumeur sur son désir de délaisser la scène au profit du disque se propage.

Fin 1969, le verdict du procès tombe : La firme Vogue est déclarée propriétaire des chansons produites de novembre 1962 à novembre 1967. Ne sont donc concédés à la chanteuse que les droits sur celles produites par la société « Asparagus ».
La rupture étant consommée, Françoise Hardy fonde sa propre société de production, « Hypopotam » et, pour préserver les droits éditoriaux de ses chansons, crée la société d’édition, « Kundalini ». Sans tarder, elle publie les chansons qu’elle a enregistrées en langues étrangères au cours de l’année écoulée : Pour le marché anglophone, l’album One-Nine-Seven-Zero, pour l'Allemagne, l’album Träume et pour l'Afrique du Sud, la compilation Françoise in Italian.

Message personnel

En 1970, Françoise Hardy s’associe avec la société Sonopresse pour assurer la distribution de ses futures productions sur le territoire français.
Ce nouveau départ en tant que productrice à part entière est inauguré par une compilation sobrement intitulée Françoise et par l'album Soleil. En 1971 paraît l'album La Question, et en 1972, l'album Et si je m'en vais avant toi suivit d'un single intitulé, T’es pas poli, un duo chanté avec le comédien Patrick Dewaere. Malgré l'entière satisfaction qu'ils ont apportée à la chanteuse, les albums n'ont pas emporté l'adhésion du public et restent confidentiels. Son contrat avec Sonopresse n’est pas reconduit.
Françoise Hardy édite alors son 4^e album chanté en anglais, sous label de sa société « Kundalini ».
Par ailleurs, l’intérêt qu’elle porte à l'astrologie s’ébruite. Si bien, qu’elle reçoit des propositions de travail qu’elle trouve prématurées mais qu’elle accepte pour se perfectionner auprès d’astrologues confirmés.

Un nouveau contrat est signé en 1973 avec WEA. La chanteuse, qui aspire à changer de registre, se met en quête de mélodistes. La collaboration avec l'auteur-compositeur Michel Berger sera une étape marquante dans sa carrière. Après la naissance de son fils Thomas le 16 juin, elle entre en studio pour l'enregistrement de l'album Message personnel. L'important succès qu'il rencontre lui permet de faire un retour remarqué.

Fin 1974, l’astrologue Jean-Pierre Nicola lui demande de travailler avec lui pour une revue spécialisée. Elle tracera ainsi son chemin en experte qui l’amènera à ce que Michel Bassi, alors directeur de Radio Monte-Carlo, lui confie en 1980 une émission hebdomadaire qu'elle animera avec son mentor, Jean-Pierre Nicola. Parallèlement, sont enregistrés son unique album-concept, ?Entr’acte?, et trois 45 tours dont celui de la bande originale du film de Claude Lelouch Si c'était à refaire, dans lequel elle apparaît, le temps de chanter Femme parmi les femmes.

Musique saoule

L’éducation de son enfant lui fait délaisser l’écriture de chansons. Chez EMI, le tandem Gabriel Yared / Michel Jonasz lui concocte trois albums aux colorations funky et jazzy. Nous sommes en 1978, en pleine période « Disco » et le succès de J'écoute de la musique saoule lui attire un plus jeune public. Le 30 mars 1981, le couple Hardy-Dutronc se marie devant le maire de Monticello en Corse. Tamalou est sur toutes les ondes. Françoise Hardy renoue, certes, avec le succès mais ces chansons ne la satisfont guère.

« J’ai toujours été la même, j’aime les belles chansons lentes sur fond de violons. Je n’aime que les chansons tristes »

? Magazine Best, n^o 62, janvier 1982.

En 1982, la graphologie éveillant son intérêt depuis quelque temps, Françoise Hardy la conjugue avec l’astrologie, avec la collaboration de la graphologue Anne-Marie Simond, dans une nouvelle émission radiophonique, Entre les lignes, entre les signes. Au printemps, son album Quelqu'un qui s'en va sort, la chanson Tirez pas sur l'ambulance sort en single et en vidéo-clip à la télévision : la silhouette est inchangée mais les cheveux sont maintenant coupés plus court. La quarantaine est proche et elle ne se voit pas chanter au-delà de cet âge. Cependant, elle reprend la plume et sort deux 45 tours : Moi vouloir toi, sur une musique de Louis Chedid en 1984, et V.I.P. en 1986, dont elle écrit les paroles sur une composition de Jean-Noël Chaléat. Avant de sortir le duo Et si je m'en vais avant toi avec Étienne Daho, à l'occasion d'une émission Les Enfants du rock consacrée à ce dernier, elle écrit également des chansons pour Diane Tell (dont Faire à nouveau connaissance) et Julien Clerc (dont Mon ange).

Partir quand même

En 1988, au bout de vingt-six ans de carrière, Françoise Hardy arrête la chanson, en déclarant que Décalages sera son dernier album (elle en a écrit tous les textes). Porté par le titre Partir quand même (sur une musique de Jacques Dutronc), cet album devient disque d'or en quelques semaines.

Tenant tout de même à garder un contact avec le milieu de la chanson, elle écrit pour Julien Clerc (Fais-moi une place), Patrick Juvet, Viktor Lazlo, Jean-Pierre Mader (En résumé, en conclusion) et Guesch Patti, puis crée des versions nouvelles pour une compilation de ses chansons. Elle participe à des disques caritatifs ou collectifs ; en 1992, elle s'investit dans la production et la promotion du premier album d'Alain Lubrano, qu'elle soutient notamment en chantant en duo le titre Si ça fait mal, dans diverses représentations dont l’émission télévisée Taratata. Elle répond aux demandes de collaboration de Malcolm McLaren (Revenge of the Flower), en 1994, et de Damon Albarn du groupe Blur (To the End), en 1995. D’autre part, même si son contrat avec RMC n’est pas renouvelé, Françoise Hardy continue à mener de front son activité d’astrologue ; coauteur de quelques ouvrages sur le sujet, elle collabore à des revues spécialisées, et tient, durant cinq années, une rubrique quotidienne sur la station de radio RFM.

Retour à la chanson

Stimulée par le directeur artistique Fabrice Nataf et le chanteur Étienne Daho, qui voudraient la voir enregistrer de nouveau, Françoise Hardy se met en quête de maisons de disques prêtes à l’accueillir. Son choix se porte sur la société Virgin. Le contrat est signé en décembre 1994. L’album de son retour, Le Danger, paraît en avril 1996. Il est axé sur des mélodies rock, composées par Alain Lubrano et Rodolphe Burger, et confirme que la plus grande source d’inspiration de la chanteuse a été et sera toujours la souffrance et la douleur des sentiments. Mais les critiques positives de la presse auront peu d'influence sur les ventes.

Le 4 octobre 1997, Julien Clerc, qui fête ses cinquante ans au Palais des sports de Paris, invite quelques grands noms de la chanson française dont Françoise Hardy et réussit à la faire chanter à ses côtés.

En 2000, elle enregistre Clair-obscur après quatre ans de silence. Son fils, Thomas Dutronc, l'accompagne à la guitare sur quelques morceaux de cet album composé de duos et de reprises. La chanson Puisque vous partez en voyage, reprise de Mireille, chantée en duo avec Jacques Dutronc, contribue à le propulser disque d'or et à ce qu'il soit nommé aux Victoires de la musique 2001, dans la catégorie « meilleur album de l’année ». Aussitôt après, elle se met à la rédaction d’un exposé sur l’astrologie, Les Rythmes du zodiaque, publié à la fin mars 2003 et qui rencontre un certain succès.

En janvier 2004, Françoise Hardy se voit diagnostiquer un lymphome, mais celui-ci s'avèrera peu agressif. Néanmoins, elle reprend le chemin des studios d’enregistrement. Son fils fait à nouveau partie de l’aventure en tant que musicien et réalisateur de quelques titres. À l’automne, le disque Tant de belles choses donne l’opportunité à Françoise Hardy de faire un come-back dans les pays voisins (plus particulièrement en Allemagne) et au Canada. Grâce à cet album, certifié disque d'or un mois après sa sortie, elle est distinguée comme artiste interprète féminine de l'année aux 20^e Victoires de la musique, le 5 mars 2005.

Dans les médias, le mot « idole » est depuis longtemps tombé en désuétude. Celui d’« icône » l’a remplacé. Françoise Hardy devient une référence reconnue et une inspiratrice revendiquée, aussi bien en France qu’en Grande-Bretagne ou au Québec^{[réf. nécessaire]}. Pour couronner une carrière d’auteur et d'interprète depuis plus de quarante ans, la chanteuse est reçue le 30 novembre 2006 sous la coupole de l’Institut de France pour lui remettre la grande médaille de la chanson française, décernée par l'Académie française. À ce moment sort Parenthèses, album de chansons interprétées en duo avec Maurane, Julio Iglesias, Henri Salvador, Alain Souchon, Alain Bashung, Arthur H, Ben Christophers, Benjamin Biolay, l’acteur Alain Delon et la pianiste Hélène Grimaud, ses propres titres ou ceux de Charles Trenet, Brigitte Fontaine ou Benjamin Biolay. Cinq mois plus tard, l'album est certifié disque de platine^{[source insuffisante]}.

En 2007, poussée par les Éditions Robert Laffont, Françoise Hardy s'attelle à la rédaction de ses mémoires. Le livre paraît en octobre 2008 sous le titre Le Désespoir des singes? et autres bagatelles. Certains aspects de sa vie professionnelle et privée sont ainsi révélés, comme l'euthanasie de sa mère ou son « coup de foudre » pour un artiste « particulièrement brillant et ambigu », ce qui transforme sa relation physique avec Dutronc en rapport fraternel.

« Je me suis évertuée à restituer la vérité avec autant d'exactitude et de sensibilité que possible J’espère seulement avoir été impudique? avec pudeur. »

Placé dans le peloton de tête des ventes au cours des trois mois suivant sa parution, l’ouvrage se trouve être l’un des plus lus en 2008 selon le palmarès L'Express-RTL et fait partie des six titres en lice pour le prix Essai France Télévisions 2009.

Dès le début de l’année 2009, la chanteuse commence à chercher des chansons pour un prochain album. La Pluie sans parapluie paraît au printemps 2010. Pour cet album, Françoise Hardy est nommée aux Victoires de la musique 2010 dans la catégorie « Artiste interprète féminine de l’année » mais ne remporte pas de trophée.

Le 10 mars 2011, le contrat qui la lie à EMI Music France est prolongé pour que soit entreprise la réalisation d’un autre album.

Cinquante ans de carrière et 28^e album

Depuis la parution de son premier album, Tous les garçons et les filles, en novembre 1962, cinquante années se sont écoulées. Pour célébrer ce jubilé, deux publications, intitulées toutes deux L’Amour fou, paraissent fin octobre et début novembre 2012 : un roman et un nouvel album.

« Les anniversaires n’ont jamais été ma tasse de thé mais publier en même temps un album qui me ressemble plus que les autres et le récit de l’histoire que j’aurai vécue toute ma vie et qui aura inspiré la plupart de mes textes, est ma façon de marquer le coup. »

Le 8 février 2013, à la 28e cérémonie des Victoires de la musique, la chanteuse est nominée dans la catégorie « Artiste et interprète féminine de l'année », L’Amour fou dans la catégorie « Album de chansons de l'année », mais aucun trophée n’est remporté.
La chanteuse s’octroie une année sabbatique.

Début novembre 2013, l’album Message personnel, l’un des albums marquants de son parcours musical, est réédité sous un coffret spécial anniversaire quarante ans après sa première édition.

Françoise Hardy fête ses 70 ans en janvier 2014. Voilà un peu plus de dix ans qu’elle se bat contre un lymphome ; les symptômes s’étant aggravés, elle ne se sent pas la force d’entrer à nouveau en studio d’enregistrement. Lorsqu'elle évoque la suite de sa carrière, elle juge ne pouvoir faire mieux que ce qu’elle a fait, dit ne plus avoir d’inspiration « Je crois que j’en suis arrivée à ce point. [?] Il faudrait qu’il se passe quelque chose d’inattendu, d’insolite, ou que je recouvre un peu d’énergie parce qu’avec mes problèmes de santé qui ont augmenté ces dernières années? ».

Son année sabbatique prenant fin, elle se met alors à rédiger un essai où elle revient sur son parcours, fait part de ses admirations, ses agacements, de son amour pour la littérature, livre ses réflexions sur la société, la maladie et la vieillesse. L'ouvrage est publié le 5 mars 2015 sous le titre Avis non autorisés?. Lors de la promotion de cet essai, certains organes de presse annoncent l'arrêt de sa carrière musicale. De fait, lors d’entretiens accordés à quelques médias, Françoise Hardy, qui apparaît très amaigrie, avec quelques difficultés à marcher, laisse entendre qu’elle a tourné le dos à la chanson, refusant ce qui lui est proposé dans ce domaine.

Moins d’un mois après sa parution, le livre atteint les 62 000 exemplaires vendus mais, victime d’une mauvaise chute survenue entre-temps (le 9 mars), Françoise Hardy se voit contrainte d’en interrompre la promotion^,. Comme elle est fragilisée par cet accident venu se greffer sur les ennuis de santé, une hospitalisation prolongée s'avère nécessaire. Sortie de l’hôpital à la mi-juillet, Françoise Hardy poursuit ses traitements médicaux en clinique.

Allant mieux quelques mois plus tard, elle accepte la proposition du journaliste Marc-Olivier Fogiel d’être son invitée pour un prochain numéro du Divan. L’émission est diffusée en seconde partie de soirée sur France 3, le 16 février 2016.

Le 21 février 2016, son fils Thomas confirme sur RTS Un, qu’« elle s'en est sortie quasi complètement [?] son cancer est en rémission [?] ».

Un éventuel retour en studio d’enregistrement est-il envisageable ? Un temps, la promotion de l’album collégial, It's a Teenager Dream, initié et réalisé par le producteur Dominique Blanc-Francard (sorti le 10 juin 2016), où elle reprend True Love Ways (en), un standard de Buddy Holly, laisse croire qu’elle a renoué avec les studios. Mais dans les interviews qu’elle accorde, elle tient à préciser que l’enregistrement de la chanson a été exécuté en février 2014 (voir la section « Collaborations »).
Point de retour en chanson donc mais, pressée de questions à ce sujet... « Bon, évidemment, si on m’emmène demain une mélodie à laquelle je ne peux pas résister? ».

En ce qui concerne les enregistrements passés de la chanteuse, le retour en force du vinyle se confirmant depuis quelque temps, incite divers labels à rééditer la totalité de ses albums sous ce format pour les distribuer à l’international. Cette campagne de réédition, entamée en 2013, s'est poursuivie avec régularité à partir de 2016 ; elle s’achèvera sans doute au cours de l’année 2018 (voir la section « Albums studio »).
Dans les quelques interviews qu’elle accorde dans les médias à l’occasion de ces rééditions, Françoise Hardy apparaît en bonne forme, « ragaillardie », comme le soulignent quelques journalistes .

Un an et demi après son accident de santé, Françoise Hardy relate cet épisode dans un livre intitulé Un cadeau du ciel. L’ouvrage paraît le 3 novembre 2016. Elle y témoigne de la lutte contre la maladie et livre des réflexions sur l’amour, l’amitié, la spiritualité, la médecine quantique?
Quant au retour en studio : « Ça je ne sais pas. Je ne peux pas dire ??plus jamais’’. »

Novembre 2017, un hebdomadaire d’information révèle que Françoise Hardy a discrètement repris le chemin des studios d'enregistrement. Le 9 février 2018, le label Parlophone annonce la sortie prochaine d'un nouvel opus. Celui-ci paraît le 6 avril et s'intitule Personne d'autre ; il s'agit là de son 28^e album.

Le 25 juin 2019, elle accorde un entretien à RTL dans lequel elle annonce être atteinte d'un nouveau cancer, dont le traitement l’a rendue sourde d'une oreille. Elle indique qu'il sera dorénavant impossible pour elle de chanter, ce qui laisse présager la fin de sa carrière musicale.

Vie privée

Françoise Hardy a partagé la vie du chanteur et acteur de cinéma, Jacques Dutronc, de 1967 jusqu’aux années 1990. Entre temps, ils ont eu un enfant, Thomas Dutronc, né le 16 juin 1973 et se sont mariés le 30 mars 1981 à Monticello en Haute-Corse. Depuis leur séparation, ils n'ont pas coupé les ponts et restent mariés ; elle vit à Paris et lui a refait sa vie et réside généralement à Monticello.

Discographie

Albums parus en France

Prestations scéniques

Télévision

Radio

Filmographie

Publicités

• Pneus Uniroyal, la nouvelle marque d'Englebert. « Françoise Hardy a des Grands Pieds » : Pleine page diffusée dans la presse, en 1968.
• Automobile Citroën CX. Une double page avec F. Hardy + une double page avec F. Hardy et Jacques Dutronc, diffusées dans la presse, en avril 1982.
• Campagne télévisée de Lampe Berger, conçue par l'agence Loeb et Associés. Film réalisé par Jean-Marie Périer avec F. Hardy et J. Dutronc, commenté par Ariel Wizman, diffusé sur les chaînes de France Télévisions en février 2005.

Ouvrages

• Sont répertoriés ci-dessous les livres écrits par Françoise Hardy : autobiographie, roman, essai, et traités sur l’astrologie.

 : document utilisé comme source pour la rédaction de cet article.

Autobiographie

• Françoise Hardy, Le Désespoir des singes : ... et autres bagatelles, Paris, éd. Robert Laffont, 9 octobre 2008, 411-[16] p., broché, 14,9 × 24 cm (ISBN 978-2-221-11163-5, notice BnF n^o FRBNF41370551)
  • Françoise Hardy, Le Désespoir des singes : ... et autres bagatelles, Paris, éd. J'ai lu, coll. « J'ai lu. Documents » (n^o 8941), 25 mai 2009, 435-[16] p., broché, 11 × 18 cm (ISBN 978-2-290-01739-5, notice BnF n^o FRBNF41451524)
  • (nl) Françoise Hardy (trad. du français par Manik Sarkar), Een roemrijk vrouwenleven : De autobiografie [« Le Désespoir des singes ... et autres bagatelles »], Amsterdam, éd. Nijgh & Van Ditmar, 15 novembre 2009, 383-[16] p., broché, 14,9 × 24 cm (ISBN 978-90-388-9298-6, notice BnF n^o FRBNF41451524)
  • (es) Françoise Hardy (trad. du français par Felipe Cabrerizo), La desesperación de los simios? y otras bagatelas : Memorias [« Le Désespoir des singes ... et autres bagatelles »], San Sebastiàn, Expediciones Polares, 14 janvier 2017, 400 p., relié, 14,5 × 22 cm (ISBN 978-84-945977-4-9, notice BnF n^o FRBNF41451524)
  • (en) Françoise Hardy (trad. du français par Jon E. Graham, préf. Diego), The Despair of Monkeys and Other Trifles : A Memoir by Françoise Hardy [« Le Désespoir des singes ... et autres bagatelles »], Port Townsend,Washington, Feral House, 15 mai 2018, 336 p., relié, 18.3 x 26.7 cm (ISBN 978-1627310604)

Roman

• Françoise Hardy, L'Amour fou, Paris, éd. Albin Michel, 31 octobre 2012, 190 p., broché, 14 × 20,5 cm (ISBN 978-2-226-24431-4).
• Françoise Hardy, L'Amour fou, Paris, éd. J'ai lu, n^o 10726, 7 mai 2014, 152 p., broché, 12 × 17,8 cm (ISBN 978-2-290-07070-3).
• Françoise Hardy, trad. Antonella Conti, L’amore folle, Firenze, éd. Clichy, coll. « Gare du Nord », 22 mai 2013, 176 p., broché, 14 × 21 cm (ISBN 978-88-6799-021-4).

Essai - Témoignage

• Françoise Hardy, Avis non autorisés?, éd. des Équateurs, 5 mars 2015, 240 p., broché, 14,5 × 20,7 cm (ISBN 978-2-84990-396-4).
  • Table

1. Vieillissement, euthanasie, surpopulation et religion.
2. Expériences surréalistes de régimes et de thérapies alternatives ou autres.
3. La politique en France par le petit bout de ma lorgnette.
4. Ma perception de l’écologie et de ses représentants.
5. Lectures.
6. L’astrologie occidentale d’aujourd’hui.
7. Impression sur la mode et l’esthétique du début du XXI^e siècle.
8. La spiritualité.

• Françoise Hardy, Avis non autorisés?, éd. J’ai lu, n^o  11527, coll. « document », 12 octobre 2016, 256 p., broché, 12 × 17,8 cm (ISBN 978-2-290-13012-4).
• Françoise Hardy, Un cadeau du ciel?, éd. des Équateurs, 3 novembre 2016, 220 p., broché, 14,5 × 20,7 cm (ISBN 978-2-84990-477-0).
• Françoise Hardy, Un cadeau du ciel?, récit, éd. J’ai lu, n^o  12080, 14 mars 2018, 192 p., broché, 11 × 17,8 cm (ISBN 978-2-290-15208-9)

Livres sur l'astrologie

• Béatrice Guénin et Françoise Hardy, Le Grand Livre de la Vierge, Paris, éd. Tchou, 1972, rééd. 1992, 304 p., relié, 21 × 29 cm (ISBN 978-2-710-70205-4).
  • Sujets rédigés par Françoise Hardy :
  • Chapitre II - Caractérologie du signe :
    • La Vierge et l’amitié,
    • La Vierge et son éducation,
    • La Vierge et sa santé,
    • La Vierge et la mort.
  • Chapitre IV - Quelques personnalités nées sous le signe de la Vierge :
    • Entretien avec Jean-Louis Barrault,
    • Entretien avec Félicien Marceau,
    • Entretien avec Claude Nougaro.
  • Chapitre VI - D’autres influences à découvrir :
    • Les Images degrés,
    • Étoiles fixes,
    • Lune noire.
• Béatrice Guénin et Françoise Hardy, Le Grand Livre de la Vierge, Paris, éd. Tchou, coll. « Les Grands Livres du Zodiaque », 1996, rééd. 2002 et 2006, 320 p., broché, 17,5 × 24 cm (ISBN 978-2-710-70735-6).
  • Contenu identique à l’édition originale.
• Françoise Hardy (astrologie) et Anne-Marie Simond (graphologie), Entre les lignes, entre les signes, Monaco, RMC édition, 1986, 362 p., broché, 13,5 × 22 cm (ISBN 978-2-868-55006-4).
• Françoise Hardy avec Anne-Marie Simond, Entre les lignes, entre les signes, Paris, éd. J'ai lu, n^o 2312, 1988, rééd. 2009, 480  p., broché, 12 × 17,8 cm (ISBN 978-2-290-01866-8).
• Françoise Hardy, Les Rythmes du zodiaque, Paris, éd. Le Cherche midi, avril 2003, 276 p., broché, 15,3 × 24 cm (ISBN 978-2-74910-101-9).
• Françoise Hardy, Les Rythmes du zodiaque, Paris, éd. Pocket, n^o 12092, mai 2004, 350 p., broché, 10,8 × 17,5 cm (ISBN 2-266-13912-6).
• Françoise Hardy, Les Rythmes du zodiaque, Paris, éd. de la Seine, coll. « Succès du livre », 2006, 350 p., broché, 10,8 × 17,5 cm (ISBN 978-2-266-13912-0).

Prix et distinctions

• 1963 : grand prix du disque de l'Académie Charles-Cros et Trophée de la télévision pour son premier album.
• 12 octobre 1963 : Trophée Edison (en) du meilleur enregistrement de l'année dans la catégorie « Jeunesse », remis par l’écrivain néerlandais Godfried Bomans, lors du Grand Gala du Disque au Kurhaus de Scheveningen.
• 28 août 1965 : Diapason d'argent au Premio Diapason per la musica ; événement musical organisé à l'ippodromo Breda de Padoue.
• Mars 1966 : Otto d’argent, trophée attribué en mars à la deuxième chanteuse la plus populaire élue par les lecteurs du magazine allemand Bravo.
• Juillet 1967 : Ruban d'honneur de la chanson française.
• 6 octobre 1968 : Coq d'or (Galo de Ouro), au III^e Festival International de la Chanson à Rio de Janeiro, pour la chanson À quoi ça sert ?, composée et interprétée par Françoise Hardy, accompagnée par l'orchestre d'André Popp.
• 1982 : Prix Diamant de la chanson française pour l’album Quelqu'un qui s'en va.
• 2 février 1991 : Victoire de la musique pour la chanson de l’année, Fais-moi une place, paroles de Françoise Hardy, musique de Julien Clerc.
• 7 décembre 2000 : Grand Prix de la SACEM pour l’album Clair-obscur.
• 5 mars 2005 : Victoire de la musique de l'artiste interprète féminine de l'année pour l’album Tant de belles choses.
• 2006 : Grande médaille de la chanson française, décernée par l’Académie française.
• 2010 : « Hardy (Françoise), chanteuse et auteure-compositrice », est l'une des 50 nouvelles personnalités retenues pour l’édition 2011 du Petit Larousse illustré.

Hommages

Annexes

Bibliographie

 : document utilisé comme source pour la rédaction de cet article.

Note : Sont listés ci-dessous les biographies et les albums de photographies consacrés à Françoise Hardy, ses contributions et participations à des livres sur l’astrologie et la graphologie, suivis de quelques entretiens accordés à des journalistes et diverses autres publications dans lesquelles la chanteuse est évoquée.

Biographies

• Étienne Daho et Jérôme Soligny, Françoise Hardy ? Superstar et ermite, Paris, éd. Jacques Grancher, coll. « Best », octobre 1986, 126 p., broché, 21 × 28 cm (ISBN 978-2-733-90163-2).
• Gilles Verlant, Françoise Hardy ? Ma vie intérieure, Paris, éd. Albin Michel, octobre 2002, 104 p., relié, 22 × 28,8 cm (ISBN 2-226-13446-8).
• Pierre Mikaïloff, intr. Bertrand Burgalat, Françoise Hardy ? Tant de belles choses, Monaco, éd. Alphée/Jean-Paul Bertrand, janvier 2009, 368 p., broché, 14 × 22 cm (ISBN 978-2-753-80356-5).

  Gilbert Bécaud , né François Silly le 24 octobre 1927 à Toulon et mort le 18 décembre 2001 à Boulogne-Billancourt, est un chanteur, compositeur et pianiste français.

  Au cours de sa carrière, il se produit trente et une fois sur la scène de l'Olympia, où il gagne son surnom de « Monsieur 100 000 volts » en raison de son sens du swing, du fait des passions qu'il soulevait dans son sillage et de ses fans qui, souvent, à ses débuts, cassaient par enthousiasme les fauteuils. Il laisse l'image d'un homme « électrique », toujours en mouvement. Sa cravate à pois, ses quelque quatre cents chansons et sa main sur l'oreille (pour être sûr de chanter juste) sont d’autres images spécifiques qui ont marqué les esprits.

  Mes mains, Nathalie, Le Jour où la pluie viendra et Et maintenant s'inscrivent parmi les grandes chansons de l'artiste.

  Biographie

  Jeunesse

  Lorsque François Gilbert Léopold Silly voit le jour le 24 octobre 1927, sa mère n'est pas encore divorcée de M. Silly et François ne peut donc pas prendre le nom de famille de son père adoptif Louis Bécaud, nouveau compagnon de sa mère. Ce n'est qu'en 1952 que François Silly choisit de prendre définitivement le nom de son père adoptif, associé à son second prénom, pour devenir Gilbert Bécaud.

  François s'intéresse à la musique dès ses premières années, et en particulier au piano qu'il pratique brillamment assez vite. La mère de François, surnommée Mamico, souhaite donner toutes les chances à son fils pour qu'il pratique son art dans les meilleures conditions. Aussi, à neuf ans, il entre au conservatoire de Nice, où il suit une formation classique (en hommage à l'artiste, une placette Gilbert-Bécaud a été installée à proximité de cet établissement de musique). Il y reste jusqu'à ce que la famille quitte Toulon pendant la guerre en 1942. En 1943, la famille prend la direction d'Albertville en Savoie sous l'impulsion de Jean, le frère aîné. Jean est alors un membre actif de la résistance dans le Vercors, et François le rejoint quelque temps^{[réf. nécessaire]}.

  À la fin de la guerre, tout le monde rentre à Paris. François a vingt ans et décroche quelques contrats dans les bars ou les cabarets en tant que pianiste. Il commence aussi à composer quelques musiques de films sous le nom de François Bécaud. La SACEM (Société des auteurs compositeurs) enregistre son nom pour la première fois en 1947. Puis, il va venir à la chanson doucement à travers tout d'abord sa rencontre avec Maurice Vidalin. En 1948, « François/Gilbert Bécaud » compose pour la chanteuse Marie Bizet qui lui présente un jeune auteur, Pierre Delanoë. Vidalin et Delanoë deviennent des amis proches de Bécaud et, ensemble, ils écriront de nombreuses chansons.

  Débuts

  En 1950, grâce à Marie Bizet (pour laquelle il fut accompagnateur), Gilbert Becaud rencontre Jacques Pills, chanteur très à la mode à cette époque. Bécaud devient son accompagnateur et, ensemble, ils entreprennent plusieurs tournées triomphales, en particulier en Amérique du Sud, mais aussi au Canada et aux États-Unis. Lors de cette tournée, ils écrivent une chanson qu'ils souhaitent proposer à Édith Piaf. Dés leur retour en France en avril 1952, ils présentent la chanson Je t'ai dans la peau que la chanteuse accepte immédiatement. Peu de temps après, Jacques Pills épouse Piaf. La collaboration avec Pills cesse et Bécaud devient régisseur de Piaf. Toujours chez Piaf, Gilbert Bécaud fait également la connaissance d'un auteur-compositeur-interprète comme lui débutant, Charles Aznavour. Comme pour Bécaud, Piaf a ouvert les portes de l'Amérique à Aznavour à la fin des années 1940. Les deux jeunes artistes commencent à composer ensemble et de nombreuses fois au cours de leurs carrières ils renouvelleront l'exercice.

  En 1952, François Silly prend définitivement le nom de Gilbert Bécaud. Il rencontre celui qui, avec Maurice Vidalin et Pierre Delanoë, va devenir un de ses paroliers fétiches, Louis Amade. Haut fonctionnaire, Louis Amade se partagera toute sa vie entre ses fonctions officielles et l'écriture.

  Enfin en 1952, Gilbert Bécaud épouse Monique Nicolas, dont il a un fils l'année suivante, Gaya. Tout va très vite désormais pour Bécaud, qui possède tous les atouts du succès : son talent de compositeur, des auteurs talentueux et une solide expérience de la scène acquise durant ses longues tournées avec Jacques Pills.

  « Monsieur 100 000 volts »

  Le 2 février 1953, Bécaud enregistre ses deux premiers titres, Mes mains, signé Delanoë, et Les Croix, signé Amade. Son fils Gaya naît exactement le même jour. À ce moment-là, ce qui va devenir la salle de spectacle la plus célèbre de Paris, l'Olympia, est sur le point de rouvrir après vingt-cinq ans d'abandon. Le propriétaire, Bruno Coquatrix, pense à Bécaud pour la toute première affiche en février 1954. Bécaud n'est alors que vedette américaine. Mais lorsque, le 17 février 1955, il remonte sur la scène de l'Olympia, en vedette cette fois, le triomphe est au rendez-vous. À cette occasion a lieu la célèbre séance en matinée^[Quand ?]au cours de laquelle quatre mille jeunes, emportés par l'incroyable énergie de Gilbert Bécaud, détériorent une partie de la salle^{[réf. nécessaire]}. La presse relate largement les faits et Bécaud bénéficie de surnoms tels « Monsieur Dynamite », « Le champignon atomique » ou le plus célèbre d'entre eux, « Monsieur 100 000 volts ».

  Cet incident marque le véritable départ de la carrière de Bécaud et surtout son attachement à l'Olympia, dont il reste l'emblème. Le nombre de ses passages dans cette salle, plus de trente fois de 1954 à 1999, est un record.

  « Le marathonien des galas »

  Dès 1955, Bécaud consacre une grande partie de son temps aux tournées qui l'emmènent de l'Europe à l'Amérique du Nord en passant par le Maghreb. Chaque année, il donne, parfois jusqu'à deux cent cinquante concerts sur toutes les scènes du monde^{[réf. nécessaire]}. Il ne cesse, par ailleurs, de composer et, avec la complicité de ses trois auteurs favoris, il crée et enregistre sans relâche.

  Parallèlement à la chanson, Gilbert Bécaud fait ses débuts au cinéma en 1956 dans Le pays d'où je viens de Marcel Carné. Il en compose également la musique. Cependant, le septième art restera toujours en second plan dans la carrière du chanteur.

  En 1957, Gilbert Bécaud enregistre la chanson Salut les copains, qui en 1959 donne son titre à une émission radiophonique d'Europe 1 qui très vite devient culte auprès des adolescents. Quatre ans plus tard, une autre chanson de Bécaud, nommée Tête de bois, « soufflera », en 1961, son titre à une émission de télévision également destinée aux jeunes : Âge tendre et tête de bois.

  En 1957 naît son second fils, Philippe. Fin 1958 disparaissent son père et son beau-père à deux semaines d'intervalle.

  Après le démarrage en trombe d'une carrière qui ne fait que commencer, Gilbert Bécaud aborde les années 1960 triomphalement. Vedette internationale, son énergie enthousiasme des publics de toute nationalité. En 1960, il reçoit le Grand Prix du disque. Compositeur curieux, il crée, cette année-là, une cantate de Noël, L'Enfant à l'étoile, qui est diffusée à la télévision lors de la soirée du 24 décembre 1960 depuis l'église Saint-Germain-l'Auxerrois à Paris.

  « Et maintenant »

  1961 est l'année de Et maintenant, célébrissime titre de Gilbert Bécaud, signé par Pierre Delanoë pour le texte. Cette chanson sera reprise plus de cent cinquante fois, et la version anglaise What now my love fera le tour du monde.

  Après sa cantate, Gilbert Bécaud se lance en 1962 dans une nouvelle expérience de taille : un opéra. Déjà en partie composé depuis plusieurs années, l'entreprise est longue et complexe à monter avant cette date du 25 octobre 1962 où, enfin, Gilbert Bécaud peut présenter son œuvre, L'Opéra d'Aran devant le Tout-Paris réuni pour la première au Théâtre des Champs-Élysées. Dirigé par le chef d'orchestre Georges Prêtre, cet opéra lyrique est joué cent fois. Les critiques sont plutôt bonnes et aujourd'hui encore, le spectacle est repris régulièrement sur des scènes étrangères^{[réf. nécessaire]}.

  Après l'épuisante expérience de l'Opéra, le chanteur reprend en 1963 ses tournées (le Japon) et ses enregistrements. Le titre phare de cette année-là est Dimanche à Orly, allusion à ses innombrables passages dans l'aéroport parisien.

  Dans ce début des années 1960, une nouvelle vague de chanteurs, ceux qu'on appelle les yéyés et qui marquent l'arrivée du rock'n'roll dans le paysage musical français, font une concurrence impitoyable à la génération précédente, dont Bécaud fait partie. Comme Aznavour, Bécaud commence donc à écrire pour ces jeunes chanteurs, dont Richard Anthony ou Hervé Vilard, alors qu'Eddy Mitchell, en 1966, enregistre une reprise de Et maintenant.

  Pour l'heure, l'événement national qui marque la France, en octobre 1963, est la mort, le même jour, d'Édith Piaf et de l'écrivain Jean Cocteau. Pour Bécaud, comme pour tous les Français, la disparition de Piaf est un choc, mais celle de Cocteau marque la disparition d'un ami qui l'avait encouragé à ses débuts et au moment de ses premiers passages sur la scène de l'Olympia et pour lequel il écrira quelques années plus tard Quand il est mort le poète.

  « Nathalie »

  1964, est l'année où l'artiste chante Nathalie, titre phare de son répertoire et qui atteint en quelques mois des scores de ventes exceptionnels. Gilbert Bécaud l'interprète à l'Olympia pour son douzième passage sur la scène du boulevard des Capucines. Puis, L'Opéra d'Aran tourne en France et l'Europe. L'année suivante, Bécaud repart en tournée à travers la France, puis s'envole pour l'URSS le 24 avril. De 1965, on retient Quand il est mort le poète et Tu le regretteras, chanson dédiée au général de Gaulle, et qui fit couler un peu d'encre en cette année d'élections présidentielles. D'ailleurs, Gilbert Bécaud choisira de ne jamais la chanter sur scène.

  Quand il est mort le poète est un hommage à Jean Cocteau qui prendra sa défense lors de critiques virulentes à l'encontre de son succès . Le poète dira de Gilbert Bécaud « Bécaud a le courage d'être excessif ? ce que si peu de gens osent ? et de se montrer tel qu'il est, jusqu'au bout ». Bécaud se souviendra de son soutien et de ses encouragements avec Quand il est mort le poète, après la disparition de Cocteau.

  Après six semaines de tournée en Allemagne début 1966, Gilbert Bécaud donne un concert au Philharmonic Hall de New York le 22 avril, avant de s'envoler pour l'Amérique du Sud. Le 8 octobre, il remonte son opéra en Belgique avant d'en effectuer un nouvel enregistrement plus moderne et dans lequel, il s'attribue pour la première fois un rôle.

  Repris par James Brown, Bob Dylan et Nina Simone

  Après l'incroyable succès de What now my love (Et maintenant), c'est la version anglaise de Je t'appartiens (1955), soit Let it be me, qui devient un succès planétaire en 1967, repris entre autres par Bob Dylan, Nina Simone, Sonny and Cher et James Brown. Il crée également en 1967 une autre de ses chansons les plus célèbres, L'important c'est la rose qu'il chante devant son public lors de son quatorzième Olympia à partir du 17 novembre.

  La fin des années 1960, se termine entre tournées, émissions de télévision et enregistrements. Gilbert Bécaud est désormais considéré comme un artiste majeur de la chanson française, qui compte à son répertoire nombres de titres devenus des classiques.

  Les années 1970 débutent avec le titre, La solitude ça n'existe pas, écrit avec Delanoë. Mais Bécaud a un faible pour La vente aux enchères dont le texte est signé Maurice Vidalin. Le chanteur enregistre un peu moins de nouveaux titres, mais ses récitals restent nombreux et sa puissance scénique n'a rien perdu de sa vigueur. Sa popularité ne se dément pas et lors de son Olympia de février 1972, on compte dix-neuf rappels^{[réf. nécessaire]}. Fin 1972, Gilbert Bécaud publie une intégrale en six triples albums. Cette année-là, il revient également devant les caméras dans le film de Roberto Muller, produit par Claude Lelouch, Un homme libre.

  En 1973, il tourne pour Claude Lelouch, Toute une vie. Mais, après ces deux films, il se replonge dans la chanson et entame son dix-neuvième Olympia en octobre. Le rythme effréné de la vie du chanteur depuis une vingtaine d'années finit par se faire sentir. Gilbert Bécaud est fatigué. De plus, il fume beaucoup, et le tabac représente de plus en plus un handicap pour sa voix.

  Décoré de la Légion d'honneur sur la scène de l'Olympia

  Comme en 1960, sa cantate de Noël est diffusée à la télévision en mondovision le 24 décembre 1973. Trois semaines plus tard, le 14 janvier 1974, Gilbert Bécaud est nommé chevalier de la Légion d'honneur. La cérémonie a lieu ? fait exceptionnel ? sur la scène de l'Olympia et la décoration lui est remise par Louis Amade lui-même, compositeur mais aussi préfet.

  1974 et 1975 se déroulent sur fond de tournées internationales. En 1976, il commence à collaborer avec un autre jeune auteur, Pierre Grosz Mais où sont-ils les jours heureux ?

  Toujours en 1976, Gilbert Bécaud épouse une jeune Américaine, Kitty St John, dont il a eu une fille, Emily, en 1972. Il a maintenant cinq enfants : Gaya, Philippe, Anne (décédée en 2019), Emily et Jennifer, née à la fin des années 1960 et fille de Janet Woollacoot. À cette époque, il acquiert une immense ferme dans le Poitou^{[réf. nécessaire]} qui représente un des ports d'attache de sa famille.

  Une fois encore, Gilbert Bécaud occupe le devant de la scène pour le réveillon de Noël en chantant, le 24 décembre 1976, La Première Cathédrale en direct du parvis de la cathédrale Notre-Dame de Paris, titre écrit avec un autre jeune auteur, Franck Thomas.

  L'année 1977 est dominée par la création de la chanson L'Indifférence, co-signée par Maurice Vidalin. Le titre reçoit l'Oscar de la meilleure chanson française.

  Si 1979 fut une année silencieuse, 1980 démarre avec un nouvel album Moi, je veux chanter. Les tournées reprennent, précédant un nouvel Olympia à l'automne pendant cinq semaines. Il se produit avec succès au Japon et au Canada. Il reçoit la médaille d'or de la SACEM en 1982 pour l'ensemble de sa carrière et crée, cette année-là, Désirée, qui sera son tube des années 1980.

  À partir du 30 septembre 1983, Bécaud est une nouvelle fois à l'Olympia et en profite pour célébrer ses trente ans de carrière.

  En 1986 se déroule un événement important pour Gilbert Bécaud : la création mondiale de sa nouvelle comédie musicale Madame Roza. Inspiré du roman La Vie devant soi d'Émile Ajar (alias Romain Gary), ce spectacle est finalisé depuis 1983, mais de nombreuses difficultés^{[Lesquelles ?]} ont obligé Bécaud à attendre trois ans avant de pouvoir enfin monter sa nouvelle création sur une scène. C'est aux États-Unis que le spectacle est créé. Gros Succès à Baltimore, puis à Los Angeles. Puis Broadway le 1^er octobre 1987, c'est un échec, le rideau tombe au bout de 10 jours, le spectacle ne sera jamais présenté en France, malgré l'adaptation française de Claude Lemesle et Didier Van Cauwelaert.

  En 1988, pour son vingt-sixième Olympia, Gilbert Bécaud met au point deux séries de concerts, le spectacle rouge et le spectacle bleu, qu'il donne en alternance. À chaque soirée correspond un répertoire différent d'une trentaine de titres. Cette année-là, Gilbert Bécaud quitte sa maison de disques EMI pour intégrer BMG, qui rachète la quasi-totalité de son répertoire. C'est donc chez BMG, sous le label Ariola, qu'il publie un nouvel album en 1989, Fais-moi signe. Outre des textes de Pierre Delanoë et de Louis Amade, Bécaud est aussi entouré de Claude Lemesle Quand la musique s'arrête et de Didier Barbelivien Après toi c'est la mer.

  En 1991, la mère de Gilbert Bécaud meurt à l'âge de 100 ans. Cette année-là, le chanteur donne deux cent quarante-neuf concerts à travers le monde, dont plusieurs à l'Olympia où il s'installe du 1^er au 20 octobre. Il déclare toutefois que ce sera son dernier Olympia.^{[réf. nécessaire]}.

  Le disque d'une vie

  Pourtant, dès 1992, il retrouve le chemin des studios et enregistre une troisième version de son opéra réalisée par son fils, Gaya. En outre, il écrit avec Pierre Delanoë, et Louis Amade, un nouvel album qui, en seize titres, résume la vie du chanteur. Enregistré aux États-Unis sous l'égide du producteur Mick Lanaro, Une vie comme un roman sort le 2 février 1993, quelques mois après la disparition d'un de ses auteurs fétiches et amis proches, Louis Amade. Du 2 au 24 octobre, Gilbert Bécaud retrouve son public sur la scène du Palais des congrès de Paris.

  De 1992 à 1996, Gilbert Bécaud prend du temps pour se remettre en forme. Le tabac est encore un problème et c'est entre la Corse, le Poitou et la péniche sur laquelle le couple s'est installé en 1992 à Paris que le chanteur se repose. Cela ne l'empêche pas de travailler avec ses auteurs, Delanoë, Claude Lemesle, Pierre Grosz, Franck Thomas ou Jean-Michel Bériat. On commence à reparler de la comédie musicale Madame Roza qui pourrait bien être enfin montée en France. La chanteuse Annie Cordy est pressentie pour le rôle vedette. En 1996, l'auteur dramatique Didier van Cauwelaert commence à travailler sur une adaptation qui serait mise en scène par Jérôme Savary.

  Le 15 novembre 1996 sort l'album Ensemble écrit au cours de ces années sabbatiques, avec en outre un titre de sa comédie musicale Madame Roza. Puis il repart en tournée à travers le monde ; Belgique, Italie, Tunisie (en décembre), Japon (en janvier), Turquie (en mars).

  1997 est l'année de ses 70 ans. Cet anniversaire est célébré lors de son trentième Olympia du 13 au 23 novembre, Olympia d'autant plus exceptionnel que Gilbert Bécaud en fait la réouverture après la destruction puis (quelques mètres plus loin) la reconstruction de la célèbre salle. À la suite de cette série de récitals, le chanteur repart en tournée à travers la France et le monde, dont le Canada en octobre 1998.

  Au mois d'octobre 1998, la saison lyrique du Grand Théâtre de Tours s'ouvre sur l'Opéra d'Aran, de retour sur une scène française. Ce spectacle, qui se passe en Irlande, rassemble 11 rôles principaux, 40 choristes et une cinquantaine de musiciens. Avant de revenir en France, il avait été présenté dans de nombreux pays d'Europe.

  Maladie et dernières scènes

  Gilbert Bécaud, en 1999, sort un nouvel album intitulé Faut faire avec... réalisé par André Manoukian et dirigé par Jean Mareska qui a travaillé avec Jean-Jacques Goldman. Le disque,très acoustique, est enregistré avec une petite formation. Pierre Delanoë y signe six des douze textes qui composent l'opus, Didier Barbelivien, deux. Bécaud chante en duo avec sa fille Emily, un titre écrit par Luc Plamondon La Fille au tableau. Faut faire avec... est le dernier album du chanteur à paraître de son vivant.

  En novembre 1999, Gilbert Bécaud retrouve sa scène fétiche l'Olympia pour un 31e lever de rideau. Malade, atteint d'un cancer, il trouve cependant l'énergie de chanter. Le public le soutient et l'encourage. Le tout dernier concert de sa carrière a lieu en Allemagne à Fribourg-en-Brisgau le 15 juillet 2001.

  Mort

  Gilbert Bécaud enregistre un ultime album, avant de mourir le 18 décembre 2001, chez lui, sur sa péniche nommée Aran, près de Paris. Toute la profession lui rend hommage le vendredi 21 décembre lors de ses obsèques en l'église de La Madeleine à Paris.

  Son dernier album, sans titre, sort, post mortem, le 19 mars 2002. Son fils Gaya a sélectionné, parmi une trentaine de chansons enregistrées, onze d'entre elles sur les thèmes de la mort et de Dieu. Un de ces titres est un duo avec Serge Lama Le Train d'amour. Le disque contient également deux extraits de la comédie musicale Madame Roza, interprétés par Annie Cordy.

  Gaya Bécaud fait paraître en 2005 un second album posthume Suite, comprenant trois inédits, un duo virtuel avec la chanteuse Fella et six anciens morceaux dans une nouvelle version réorchestrée. Son but affiché est de faire connaître aux jeunes générations cet artiste qui semble tomber peu à peu dans l'oubli^{[réf. nécessaire]}.

  Il faut attendre l'année 2011, année de la commémoration de sa disparition, pour que sorte chez EMI, Bécaud, le coffret essentiel, recueil de 267 chansons en douze CD : albums originaux, 45 tours rares, 38 chansons enregistrées lors de 13 passages à l’Olympia, trente-deux titres inédits en CD, etc..

  Vie privée

  Gilbert Bécaud épouse Monique Nicolas en 1952. Leur premier fils, Gilbert dit « Gaya », naît le 2 février 1953. Un deuxième fils, Philippe, verra le jour en 1957, et une fille, Anne (1961-2019). Le couple se sépare dans les années 1960.

  Après une courte liaison avec Brigitte Bardot, Gilbert Bécaud aura une fille, Jennifer, avec Janet Woollacott, alors épouse de Claude François.

  En 1972 naît une fille, Emily, avec Cathryn Lee St. John, dite « Kitty », mannequin américain de l'agence Catherine Harlé rencontrée en 1965. Ils se marient en 1980, après le divorce de Gilbert et Monique. Le couple adopte, en 1993 une enfant laotienne, Noï.

  Depuis 2010, Kitty Bécaud gère la société de production et d'éditions musicales Nouvelles éditions Rideau Rouge, créée par Gilbert Bécaud, et s'occupe de la mémoire et de l’œuvre de son mari.

  Gilbert Bécaud a vécu au Chesnay (Yvelines) dans les années 1950 et 60, puis dans la tour France à Puteaux dès 1973, y faisant transporter son piano par une grue avant la construction du toit. Par la suite, il s'installe dans une ferme du Poitou sur la commune de La Bussière (Vienne), qu'il quitte régulièrement pour sa péniche Aran amarrée au pont de Saint-Cloud à Paris.

  Grand fumeur et buveur^{[réf. nécessaire]} qui menait une vie effrénée, il meurt sur sa péniche à l'âge de 74 ans des suites d'un cancer du poumon opéré plusieurs fois. Il est inhumé à Paris au cimetière du Père-Lachaise (division 45, transversale 1), voisin de Sophie Daumier, Marie Trintignant, Alain Corneau et Daniel Toscan du Plantier^,,,.

  L'Olympia

  L’Olympia est étroitement associé à la carrière de Gilbert Bécaud. Il figure en première partie lors de sa réouverture par Bruno Coquatrix en février 1954, dans un programme où les têtes d'affiche sont Lucienne Delyle et son mari Aimé Barelli. En février 1955, Coquatrix propose d'offrir le spectacle de Bécaud aux étudiants. Plus de 4 000 spectateurs se pressent alors que la salle ne contient que 2 000 places. Les adolescents sont pris de frénésie et s'emballent jusqu'à casser des fauteuils.

  Gilbert Bécaud inaugure la réouverture du lieu en novembre 1997, quelques années après avoir écrit la chanson Il est à moi L'Olympia.

  Au total, l'artiste s'est produit à 31 reprises sur cette scène.

  Le jour de ses obsèques, alors que le corbillard passe sur le boulevard des Capucines pour se rendre à l'église de La Madeleine, le fronton du music-hall affiche en lettres de feu Salut Gilbert Bécaud.

  Le style Bécaud

  Ses paroliers

  Il travaillait essentiellement avec trois paroliers :

  • le poète et préfet humaniste Louis Amade (Les marchés de Provence, L'important c'est la rose, On prend toujours un train pour quelque part, Le Petit Prince est revenu?) ;
  • Maurice Vidalin, aux textes exprimant souvent souffrance intérieure et désespoir (L'Indifférence, L'Indien?) ou plus ambigus comme La vente aux enchères ;
  • Pierre Delanoë, aux thèmes chargés de tension affective (Mes mains, Et maintenant, Nathalie, Je t'appartiens?).

  Mais aussi avec Charles Aznavour, Frank Thomas, Pierre Grosz, Serge Lama, Claude Lemesle, Didier Barbelivien, Luc Plamondon, etc.

  Son piano

  Gilbert Bécaud se produisait toujours sur scène avec le même piano, qui avait une particularité : il était légèrement incliné vers l'avant. En effet, Gilbert tenait à voir la salle lorsqu'il était assis au piano et, pour cela, il avait demandé à Jacques Dinnat (son régisseur) de faire couper et raccourcir le pied avant de l'instrument afin de lui donner l'inclinaison nécessaire, ce qui a été réalisé par un menuisier de la région parisienne. Cette inclinaison, à peine visible pour un œil non averti, était suffisante pour obtenir le résultat voulu, sans être gênante pour son jeu ou celui de Gilbert Sigrist, pianiste qui l'accompagnait alors régulièrement.

  Sa cravate à pois

  Cette cravate à pois, tissu de la société des tissus Buche dans les années 1950, était pour lui un fétiche et un porte-bonheur, car elle avait une histoire : encore jeune pianiste, Bécaud cherche du travail. Il se présente pour faire un essai dans un piano-bar qui recrute un pianiste remplaçant (le pianiste habituel étant Jacques Datin). Le patron refuse de lui laisser passer une audition en justifiant que, compte tenu de l'image de marque de son établissement, il faut porter une cravate pour pouvoir y travailler. Or, Bécaud n'en portait pas à ce moment-là mais était heureusement accompagné de sa mère. Celle-ci sacrifie la robe bleue à pois blancs qu'elle portait, en découpant le bas de son vêtement, improvisant ainsi une cravate de fortune qu'elle remet à son fils. Ainsi cravaté, Bécaud retourne voir le patron du bar, qui le laisse enfin jouer, puis l'embauche dans la foulée. Depuis ce jour, Gilbert Bécaud s'est toujours présenté sur scène avec une vraie cravate à pois, sans jamais changer de modèle, en souvenir de ce premier épisode de sa carrière et en hommage à sa mère.

  Son association avec Monsieur Pointu

  En 1970, il forme un duo avec Monsieur Pointu (de son vrai nom Paul Cormier), un « violoneux » fantaisiste du Québec, pour enregistrer la chanson La vente aux enchères. Ce duo fit plusieurs tournées en France.

  Discographie

  La carrière discographique de Gilbert Bécaud s'est étalée sur 54 années, comprenant 27 albums studios, 20 albums live et plus d'une cinquantaine de 45 tours ou CD single, sortis en partie par La Voix de son Maître.

  Albums studio

  Chansons emblématiques

  • années 1950 : Mes mains, Les croix, Mé qué mé qué, Je t'appartiens, Les marchés de Provence, Le jour où la pluie viendra, La ballade des baladins, Salut les copains
  • années 1960 : Et maintenant, Âge tendre et Tête de bois, Dimanche à Orly, Quand Jules est au violon, Nathalie, L'Orange, Quand il est mort le poète, L'important c'est la rose, Je reviens te chercher
  • années 1970 : C'est en septembre, La solitude ça n'existe pas, L'Indifférence, Un peu d'amour et d'amitié
  • années 1980 : Désirée, L'amour est mort, Faut faire avec

  Musiques et chansons

  • 1942 : Confidences (Boléro), musique de Gilbert Becaud (Gilbert Silly).
  • 1946 : Une señorita dansait, musique de Gilbert Becaud (François Gilbert) - Mouchka, musique de Gilbert Becaud (François Gilbert) - Tourbillons, musique de Gilbert Becaud (François Gilbert) - Gentiment, musique de Gilbert Becaud (François Gilbert) - Carina, musique de Gilbert Becaud (François Gilbert) - It is swing, musique de Gilbert Becaud (François Gilbert).
  • 1947 : Mon ticket d'appel, musique de Gilbert Becaud texte de René Vernadet interprétée par Caterina Valente.
  • 1949 : Je n'aime pas, musique de Gilbert Becaud, texte de Maurice Vidalin - La femme du cambrioleur, musique de Gilbert Becaud, texte de Maurice Vidalin - La chouette écartelée, musique de Gilbert Becaud texte de Maurice Vidalin - Le buste de ma chambre, musique et texte de Gilbert Becaud.
  • 1950 : Symphonie concertante, musique de Gilbert Becaud.
  • 1951 : Le grand sympathique, musique de Gilbert Becaud texte de Pierre Delanoë, interprétée par Marie Bizet. - Je brode des blouses, musique de Gilbert Becaud texte de Pierre Delanoë, interprétée par Marie Bizet - Cartes postales, musique de Gilbert Becaud, texte de Pierre Delanoë, interprété par Yves Montand - Vous qui l'avez connue, musique de Gilbert Becaud, texte de Pierre Delanoë, interprété par Jacques Pills - A midi sur les champs Elysée, musique de Gilbert Becaud, texte de Pierre Delanoë et Tommy Franklin, interprété par Jacques Pills.
  • 1952 : Je t'ai dans la peau, musique de Gilbert Becaud, texte de Jacques Pills, interprétée par Édith Piaf. - Vol de nuit, musique de Gilbert Becaud ,texte de Jacques Pills, interprété par Jacques Pills - Ça gueule ça Madame, musique de Gilbert Becaud, texte d'Édith Piaf, interprété par Jacques Pills - Elle a dit, musique de Gilbert Becaud, texte d'Édith Piaf, interprétée par Édith Piaf - A mon ami, musique de Gilbert Becaud, texte d'Édith Piaf, interprété par Jacques Pills. - Hymne à la jeunesse, musique de Gilbert Becaud, texte d'Édith Piaf, interprétée par Édith Piaf. - Légende, musique de Gilbert Becaud, texte d'Édith Piaf, interprétée par Edith Piaf - Formidable, musique de Gilbert Becaud, texte de René Vernadet, interprété par Jacques Pills. - T'es une belle petite môme, musique de Gilbert Becaud, texte de Pierre Delanoë, interprété par Jean Bretonniere - Monsieur Gaston, musique de Gilbert Becaud, texte de Pierre Delanoë, interprété par Andrex. - La fraîcheur de la mer, musique de Gilbert Becaud, texte de Pierre Delanoë, interprétée par Maria Rémusat.
  • 1953 : Viens (paroles de Charles Aznavour). Quand tu danses (paroles de Pierre Delanoë, qui sera son parolier-fétiche).
  • 1955 : Je t'appartiens. Adaptée en anglais sous le titre de Let It Be Me, elle sera chantée par Frank Sinatra, Bob Dylan, Barbra Streisand, Elvis Presley, etc.
  • 1956 : Alors raconte, Les Marchés de Provence, Il fait des bonds (sur des paroles de Louis Amade, le préfet et poète qui sera également un des paroliers attitrés de Bécaud, avec Delanoë et Maurice Vidalin).
  • 1957 : Le jour où la pluie viendra (paroles de Dalida)
  • 1958 : Viens danser
  • 1959 : Pilou Pilou
  • 1960 : C'était moi (paroles de Maurice Vidalin).
  • 1962 : crée l'Opéra d'Aran au théâtre des Champs-Elysées, œuvre ambitieuse qui n'aura pas le succès escompté mais que Bécaud, très attaché à cette pièce, remontera plusieurs fois au cours de sa carrière
  • 1961 : Et maintenant
  • 1963 : Quand Jules est au violon, Les tantes Jeanne
  • 1964 : Dimanche à Orly, Nathalie
  • 1965 : Tu le regretteras (un hommage à Charles de Gaulle), Quand il est mort le poète
  • 1966 : Le p'tit oiseau de toutes les couleurs
  • 1967 : L'important c'est la rose, La vente aux enchères
  • 1986 : adapte sous la forme d'une comédie musicale (Madame Rosa) le Goncourt d'Emile Ajar/Romain Gary La vie devant soi. La pièce sera montée à Broadway.
  • 1992 : Quand t'es petit dans le midi
  • 1993 : Une vie comme un roman, album concept qui raconte sa vie
  • 2000 : SOS Mozart
  • 2001 : Mon cap

  Standards internationaux

  • Je t'appartiens - Let It Be Me (Pierre Delanoë - Gilbert Bécaud) 1955
  • Le jour où la pluie viendra - The Day the Rains Came (Pierre Delanoë - Gilbert Bécaud) 1957
  • Et maintenant - What Now My Love (Pierre Delanoë - Gilbert Bécaud-Elvis Presley) 1961
  • Seul sur son étoile - It Must Be Him (Maurice Vidalin - Gilbert Bécaud) 1966
  • Plein soleil - Sand and Sea (Maurice Vidalin - Gibert Bécaud) 1966
  • Un peu d'amour et d'amitié - A Little Love and Understanding (Louis Amade - Gilbert Bécaud) 1972
  • C'est en septembre - September Morn (Neil Diamond - Gilbert Bécaud) 1979

  Sa carrière s'étend à l'étranger où ses chansons sont adaptées : Let It Be Me aux USA, Am Tag als der Regen kam en Allemagne, A little love and understanding en Angleterre, etc.

  Il collabore avec Neil Diamond. Ensemble, ils écrivent Love on the rocks, September Morn.

  Les adaptations de ses chansons ont été interprétées par Elvis Presley, Shirley Bassey, Bob Dylan, Nina Simone, George Harrison, Marlene Dietrich, Julio Iglesias, Bing Crosby, Frank Sinatra, James Brown? En France, il a été chanté par Patricia Kaas, Johnny Hallyday, Eddy Mitchell, Édith Piaf, Dalida?

  Albums en hommage à Gilbert Bécaud

  • 1964 : Armand Migiani Grand Orchestre : Bravo Bécaud, LP RCA 430 156
  • 1976 : Maurice Larcange : Larcange joue Bécaud, LP Decca PFS 4369
  • 2002 : Alice Dona : Merci beaucoup Monsieur Bécaud
  • 2011 : Divers artistes : Bécaud, et maintenant, Warner 256 466 2980
  • 2014 : Salvatore Adamo : Adamo chante Bécaud, Polydor 470 674-8
  • 2015 : Mario Pelchat : Et Maintenant... Bécaud, MP3 Disques/Select AMPCD 7915
  • 2016 : Pascal Danel : L'hommage à Gilbert Bécaud, Nacarat
  • 2016 : Gilbert Montagné : Gilbert chante Bécaud, Toucher Musique/EPM Musique/Universal

  Vidéographie

  • 2002 : Gilbert Bécaud à l'Olympia, coffret 3 DVD contenant :
    • Rideau Bleu (1988)
    • Rideau Rouge (1988)
    • Olympia 1970
    • Olympia 1969
    • Olympia 1963
  • 2005 : Numéro Un (émission de Maritie et Gilbert Carpentier, 1980)

  Cinéma

  Filmographie

  • 1956 : Le Pays d'où je viens, de Marcel Carné, avec Françoise Arnoul, Gilbert Bécaud, Claude Brasseur, Madeleine Lebeau, André Gabriello, Alain Ribet (l'enfant de chœur)
  • 1957 : Casino de Paris, de André Hunebelle, avec Vittorio De Sica, Caterina Valente, Gilbert Bécaud
  • 1959 : Croquemitoufle, de Claude Barma, avec Gilbert Bécaud, Mireille Granelli, Micheline Luccioni, Michel Roux, Robert Manuel, Paul Préboist
  • 1972 : Un homme libre, de Roberto Muller, avec Gilbert Bécaud
  • 1973 : Toute une vie, de Claude Lelouch, avec Marthe Keller, André Dussollier, Charles Denner, Carla Gravina, Charles Gérard
  • 1995 : Navarro (série TV), épisode Fort Navarro (saison 7 épisode 1) : Sarkis

  Bandes originales de films

  • 1947 - Bande originale des films Banlieue, Goûts et couleurs, Spécial Kandahar et Riviera Dream.
  • 1949 - Bande originale du film Petits ballons, grands voyages.
  • 1950 - Bande originale du court-métrage Jeux de mains.
  • 1954 - Bandes originales des films Moisson éclair, La Sauvagine, Visons.
  • 1956 - Chanson La vie est belle du film du même nom
  • 1956 - Bande originale du film Le Pays d'où je viens.
  • 1957 - Bande originale du film Casino de Paris.
  • 1959 - Bande originale du film Babette s'en va-t-en guerre (Générique - Conciliabule - Londres - La Poursuite - Final - La Marche de Babette?).
  • 1971 - Bande originale du film La maison sous les arbres (Les écluses - Jill's panic - Jill's tears - The accident - The apartment - Mazarine street?)
  • 1980 - Bande originale du film The Jazz Singer : Love on the rocks (L’amour est mort) - Songs of life (Les chansons de ta vie) - On the Robert E. Lee (Un sacré bateau à roues) - Hey Louise - Summerlove.
  • 2007 - Bande originale du film Roman de gare de Claude Lelouch

  Documentaires

  • 1970 : À bout portant^,.
  • 2016 : Bécaud, mon père^,

  Prix et distinctions

  Décorations

  • Officier de la Légion d'honneur (1985) ; chevalier (1974)
  • Commandeur de l'ordre des Arts et des Lettres (1983)

  Distinctions

  • 1982 ? SACEM pour la chanson Désirée.

  Gilbert Bécaud dans la mémoire populaire

  Hommages à sa mort

  • « Il était l'une des voix les plus fortes et les plus entraînantes de notre temps. » - Jacques Chirac
  • « Bécaud était une personne vivante, nerveuse, suractive, il avait les défauts de ses qualités. C'était surtout un mélodiste et un harmoniste extraordinaire, il avait le don de trouver instantanément une mélodie. » - Pierre Delanoë
  • « On me demande souvent : « Qu'est-ce que ça vous fait d'être le fils de Gilbert Bécaud ? ». Je dis toujours : « Je ne peux pas vous répondre, je n'ai jamais eu un autre père ! ». Ce qu'il nous a transmis, à mon frère, mes sœurs et moi, c'est une énergie dans le travail. » - Gaya Bécaud
  • « Gilbert Bécaud est sans conteste un des grands de la chanson française. Il laisse en héritage un catalogue de quelque quatre cents chansons et le souvenir d'une présence intense sur scène. » - Radio-Canada

  Autres

  • La commune de La Bussière (Vienne) où Gilbert Bécaud possédait une résidence secondaire et fut conseiller municipal, a renommé sa place en Place Gilbert Bécaud au sein de laquelle trône un buste du chanteur. La salle municipale porte le nom de Grange Gilbert Bécaud.
  • Les communes de Chevigny-Saint-Sauveur, Trignac, Châtellerault, Beaupréau ont une Rue Gilbert Bécaud
  • Il existe une Place Gilbert Bécaud à Villiers-sur-Marne
  • Il y a une Salle des fêtes Gilbert Bécaud à Margency
  • Il existe une placette Gilbert Bécaud à Nice (Jouxtant la place Commandant Gérôme)

  Notes et références

  Notes

  Références

  Voir aussi

  Bibliographie

  • 1963 - Rythme et rêve avec Gilbert Bécaud, [de] Jacques Charpentreau, collection « Vie, amour, chansons », 1 - Éditions Foyer Notre-Dame, Bruxelles
  • 1970 - Gilbert Bécaud - Seul sur son étoile, collection « Vedettes à la une » - Paul-Xavier Giannoli, Librairie Saint-Germain-des-Prés
  • 1972 - Gilbert Bécaud par Christophe Izard, collection « Chansons d'aujourd'hui », Seghers Éditeur
  • 1982 - Et ce sera ta passion de vivre - Louis Amade. Hachette
  • 1995 - Bécaud, l'homme à la cravate à pois, préface de Gilbert Bécaud - Bernard Réval. Éditions du Voyage
  • 2001 - Gilbert Bécaud, Jardins secrets, préface de Pierre Delanoë - Annie et Bernard Réval. France-Empire
  • 2010 - Gilbert Bécaud, baladin magnifique, in Les grands interprètes - Claude Frigara. Christian Pirot éditeur
  • 2011 - Bécaud, la première idole, de Kitty Bécaud et Laurent Balandras, Éditions Didier Carpentier
  • 2016 - Gilbert Bécaud, anthologie 1953-2002, livret de 48 pages du coffret luxe Gilbert Bécaud sorti chez Warner.

  Articles connexes

  • Chanson française
  • Pop française

  Liens externes

  • Site officiel
  • Gilbert-Bécaud-Fanpage, allemand et francais
  • Gilbert Becaud Fanpage discographique en français
  • (en) Gilbert Bécaud sur Discogs
  Source : Wikipedia
  ]]> Fri, 10 Jan 2020 08:53:00 +0000 https://radiosentimental.fr/artistes/dalida-22 https://radiosentimental.fr/artistes/dalida-22

  Iolanda Gigliotti (dite Dalida), née le 17 janvier 1933 au Caire (Égypte) et morte le 3 mai 1987 à Paris, est une chanteuse et actrice française.

  Issue d'une famille italienne installée en Égypte, elle est élue Miss Égypte 1954 et tourne plusieurs films au Caire. Résidant en France à partir de 1954, elle connaît son premier succès de chanteuse avec le titre Bambino. Se façonnant un répertoire regroupant plus de 700 chansons interprétées en plusieurs langues, elle devient une grande figure de la chanson française et bénéficie d'une popularité dépassant la scène francophone.

  Parmi ses chansons les plus connues, figurent Come prima, Les Gitans, Gondolier, Les Enfants du Pirée, Itsi bitsi petit bikini, La Danse de Zorba, Bonsoir mon amour, Le Temps des fleurs, Darla dirladada, Paroles... Paroles..., Gigi l'amoroso, Il venait d'avoir 18 ans, Salma Ya Salama, Laissez-moi danser et Mourir sur scène. Embrassant plusieurs styles musicaux, tels que le twist, la pop et le raï, elle est également une des premières artistes françaises à interpréter des chansons disco avec les titres J'attendrai et Bésame mucho.

  Souffrant d’une dépression ? en raison notamment d'une succession de drames personnels ?, elle se suicide quelques mois après avoir été l'actrice principale du film dramatique égyptien Le Sixième Jour. Sa vie privée et sa mort font d'elle une icône au destin tragique.

  Biographie

  Enfance

  Iolanda Cristina Gigliotti naît le 17 janvier 1933 à Choubra, un faubourg du Caire, de parents italiens originaires de Serrastretta, en Calabre. Son père, Pietro Gigliotti (1904-1945), est premier violon à l'Opéra du Caire ; elle le suit en coulisse lors de ses répétitions. Sa mère, Filomena d'Alba (1904-1971), est couturière.

  Elle est la seule fille d'une famille de trois enfants : Orlando (1928-1992) est l'aîné et Bruno (né en 1936) le cadet. Ce dernier prendra par la suite pour nom de scène Orlando, le prénom de son frère aîné, et deviendra l'agent artistique de Dalida.

  À la fin de l'année 1933, alors qu'elle est âgée de 10 mois, elle est plongée dans le noir en raison d'une infection des yeux : elle porte un bandage sur les yeux pendant 40 jours, sur recommandation de son médecin. Cet épisode provoque chez elle de violents maux de tête et un strabisme divergent que plusieurs interventions chirurgicales ? y compris à l'âge adulte ? atténueront, mais qui l'oblige à porter des lunettes jusqu'à 16 ans.

  Elle étudie dans une école religieuse de Choubra et fait ses premiers pas sur la scène du club de théâtre de l’école. Lorsque la Seconde Guerre mondiale éclate, son père, comme tous les immigrés italiens, est interné dans le camp de Fayed, près du Caire, l'Égypte étant devenue une alliée du Royaume-Uni avec le traité anglo-égyptien de 1936. Tous les deux mois, elle lui rend visite, mais le voit progressivement dépérir.

  Son père revient du camp en 1944 avec des migraines et l'amertume de sa carrière gâchée. La famille doit alors subir son instabilité psychologique et sa violence. Cette période traumatise la jeune Iolanda Gigliotti. Son père meurt d'une congestion cérébrale un an plus tard.

  Carrière professionnelle

  1951-1956 : élection de Miss Égypte et arrivée en France

  Fascinée par l'actrice américaine Rita Hayworth, Iolanda Gigliotti rêve d'exercer le métier d'actrice elle aussi. Elle prend alors des cours de théâtre à l'école. Après la réussite d'une opération visant à réduire son strabisme divergent, elle se présente à un concours de beauté. Le jury, séduit par la jeune femme, lui décerne le titre de Miss Ondine du Caire. En 1954, elle réitère l’expérience avec le concours national et obtient le titre de Miss Égypte. L'année suivante, elle ne peut pas représenter l'Égypte au concours Miss Monde 1955 : le pays n’est pas présent pour cette édition en raison de la crise du canal de Suez et des hostilités présentes entre le Royaume-Uni, la France et l'Égypte^,.

  Sa victoire au concours de Miss Égypte lui ouvre les portes du cinéma égyptien. En effet, l'élection est suivie par Niazi Mostafa, un réalisateur égyptien, et par Marco de Gastyne, un réalisateur français. Le premier l'engage pour tourner dans son film Un verre, une cigarette. Le deuxième lui propose de jouer le rôle d'une espionne dans le film Le Masque de Toutankhamon.

  Sur les conseils de Marco de Gastyne, qui croit en son talent, elle décide de partir en France pour continuer sa carrière. Elle arrive à Paris le 25 décembre 1954. Quelques mois après s'être installée dans un appartement proche des Champs Élysées, elle fait la rencontre d'Alain Delon, qui est son voisin de palier. Au fil des mois, le manque de ressources financières pèse sur elle, mais elle continue d'écrire à sa famille en lui disant que tout va bien.

  Elle espère faire carrière dans le cinéma, mais prend rapidement conscience que son maigre bagage ne pèse guère aux yeux des producteurs français et s'oriente alors vers la chanson. Après avoir chanté plusieurs soirées dans le cabaret Le Drap d'Or à Paris, elle est repérée par le directeur de la Villa d'Este où elle va chanter dans un répertoire à l'exotisme latin.

  Au début de sa carrière, elle a pour nom de scène « Dalila ». Sur les conseils de l'écrivain et scénariste Alfred Machard qui pense que ce pseudonyme fait trop penser aux mythiques Samson et Dalila, elle le change très vite en « Dalida ». Elle obtient la nationalité française en 1961^,.

  1956-1959 : premiers succès en France et en Europe

  Premier contrat et premier album

  À la recherche de nouveaux talents pour son music-hall, Bruno Coquatrix lui suggère de participer à un concours pour amateurs, « Les Numéros 1 de demain », organisé à l'Olympia le 9 avril 1956. Sont présents Eddie Barclay, jeune producteur de disques (qui vient d'importer le disque microsillon des États-Unis en France), et Lucien Morisse, directeur des programmes d'Europe 1^,. Ce dernier, subjugué par le charme oriental de Dalida, la convoque dans ses bureaux de la rue François-I^er et prend sa carrière en main.

  Le 28 août 1956, sort le premier EP de Dalida, Madona, adaptation française d'un titre portugais d'Amália Rodrigues, Barco Negro, mais celui-ci connaît un succès mitigé. Le titre est suivi, un mois plus tard, par Le Torrent, qui reçoit un accueil similaire^,.

  Premier grand succès

  En octobre 1956, Lucien Morisse pense avoir déniché le titre phare de Dalida, Bambino, version française de la chanson Guaglione. Morisse bloque la chanson, la fait enregistrer en une nuit et la fait passer toutes les heures à l'antenne d'Europe 1. Bambino rencontre un grand succès en France et parvient à se classer en tête des ventes pendant plusieurs semaines. Sur cette lancée, Dalida partage quelques semaines plus tard la même scène de l'Olympia en première partie du spectacle de Charles Aznavour, puis en vedette américaine de Gilbert Bécaud.

  La chanteuse fait éditer son premier album dans de nombreux pays, dont les États-Unis. Le 26 décembre 1958, Norman Granz, l'imprésario d'Ella Fitzgerald, profite de la venue de Dalida, aux États-Unis, pour lui proposer un contrat de 15 ans à Hollywood. Toutefois, la chanteuse décline la proposition. Un même contrat lui sera proposé, en décembre 1978, qu'elle refusera à nouveau.

  Enchaînement de succès au sein de la francophonie

  En décembre 1957, elle enregistre Gondolier qui maintient la chanteuse en tête des hit-parades en France, mais aussi en Wallonie et au Québec. Quelques mois plus tard, elle enregistre Dans le bleu du ciel bleu qui connait également une grande popularité et se classe numéro un du hit-parade en France. Cette sortie est suivie par la réception de l'oscar de la Radio RMC. En juin, elle entreprend la tournée « TDF avec Dalida 58 » (Tour de France avec Dalida). Durant l'été, elle se produit à Alger, soutenant le moral des soldats français qui combattent durant la guerre d'Algérie. En juillet, elle connaît un succès qui dépasse les frontières francophones avec la chanson Les Gitans, se classant à la troisième position du hit-parade italien et espagnol^,. Le même mois, elle présente cinq chansons simultanément dans le Top 10 du hit-parade français.

  En septembre, elle joue des rôles dans deux films : Rapt au deuxième bureau et Brigade des mœurs. Le 9 octobre, elle se produit à nouveau à Paris, cette fois pendant trois semaines en tant qu'interprète principale, à Bobino, où elle fait la promotion de son dernier album Come prima qui devient un grand succès en France et en Belgique.

  Début de carrière en Europe

  En 1959, elle fait de nombreuses tournées en France, en Égypte, en Italie et en Allemagne. Sa renommée s'étendant hors de France ; elle commence à enregistrer des chansons dans d'autres langues pour répondre à ces nouveaux publics. En mai, elle enregistre en allemand le titre Le Jour où la pluie viendra qui devient Am tag als der regen kam : cette version atteint la 1^re place des ventes en Allemagne et la deuxième en Autriche. Elle enregistre une version espagnole et une version italienne qui connaissent également une certaine popularité en Espagne et en Italie, tout comme le titre suivant, La chanson d'Orphée.

  1960-1969 : percée et tournées internationales

  Elle épouse Lucien Morisse le 8 avril 1961. Il s'agit non pas d'un mariage d'amour, mais plutôt d'un acte de reconnaissance envers celui qui a fait d'elle une vedette. Aussi entame-t-elle, dès le début de son mariage, une liaison avec l'artiste-peintre Jean Sobieski, qui durera jusqu'en 1963. Lucien Morisse tente d'arrêter la carrière de Dalida, qui fait alors l'objet de critiques et d'intimidations. Elle persévère néanmoins et ce dernier reconnaît son triomphe personnel à l'Olympia en décembre 1961. Leur divorce est prononcé en 1962.

  Concurrence de la génération « yéyé »

  Dalida commence les années 1960 avec des chansons de style vocal exotique à basse vitesse^{[Quoi ?]}. Elle enregistre tout d'abord Les Enfants du Pirée, qui connaît un grand succès en Europe et notamment dans des pays où elle est restée discrète depuis le début de sa carrière comme aux Pays-Bas. Cependant, une nouvelle vague musicale apparaît, la musique « yéyé », représentée par de jeunes chanteurs alors peu connus du public mais considérés comme de véritables rivaux pour Dalida. Consciente que si rien ne change dans ses choix musicaux, elle se ringardisera rapidement, elle décide de s'adapter à cette mode. L’enregistrement de la chanson Itsi bitsi, petit bikini en novembre 1960 lui assure une grande popularité et marque un changement de style musical de sa part. Surnommée « mademoiselle Juke-Box », elle devient la première artiste féminine à ouvrir son fan club.

  Tournées et succès internationaux

  Dans les années 1960, elle assure un mois de spectacles à l'Olympia à trois reprises, en 1961, 1964 et 1967. Les trois semaines de concerts en 1961 à l'Olympia sont diffusées en direct à la radio. Peu de temps après, elle entreprend une tournée à Hong Kong et au Vietnam. Ses prestations dans d'autres pays deviennent plus fréquentes et elle devient une chanteuse populaire en Italie. L'année 1962 est marquée par la sortie de Le jour le plus long. En 1964, elle fait une tournée en Europe de l'Est passant par la Bulgarie et la Roumanie. La même année, elle se teint les cheveux en blond vénitien, puis elle parcourt la France avec succès, chantant notamment durant le Tour de France et à l'Olympia.

  En 1965, elle enregistre La Danse de Zorba, qui connaît un succès international, se classant parmi les meilleures ventes dans une grande partie de l'Europe, en Amérique du Sud et au Moyen-Orient. La même année, avec le titre Bonsoir mon amour, elle se classe 5^e des ventes en France, 13^e en Wallonie, 1^re en Italie, 3^e au Québec, 10^e en Argentine et en Turquie, 16^e en Espagne et 5^e au Brésil. En 1966, elle se classe également (hors francophonie) en Turquie avec le titre Petit homme.

  À cette période Dalida reçoit plusieurs distinctions honorifiques : entre autres, en 1968, la médaille de la présidence de la République lui est remise par Charles de Gaulle, et la Croix de Commandeur Arts-Sciences-Lettres par Roger Pinoteau.

  Alors qu'en France seul le titre Le Temps des fleurs parvient à connaître un large succès (1^er des ventes en 1968), la chanteuse continue une carrière à succès en Italie : en 1967, elle y classe le titre Mama 1^er des ventes, puis La Dernière Valse à la 2^e place.

  Après sa tentative de suicide la même année, à la suite du festival de Sanremo, elle interprète un nouveau type de textes, plus graves, tels que Les Grilles de ma maison ou encore Les Anges noirs. Cette nouvelle Dalida, qui désormais ne danse plus sur scène, plaît au public italien : Ciao amore, ciao atteint la 5^e place des ventes en 1967 et Dan dan dan la 6^e en 1968. D'autres titres se classent en Italie à cette époque, comme Le Temps des fleurs, Un po d'amore, Le promesse d'amore et Oh lady Mary.

  1970-1975 : doutes et changement de répertoire

  Reprises de chansons dramatiques

  En 1970, Arnaud Desjardins, avec qui elle vit une idylle, lui fait découvrir la philosophie orientale. Passant un mois par an dans un ashram du Bengale, elle envisage d'arrêter sa carrière mais décide finalement de continuer à chanter.

  Elle change à nouveau de répertoire, interprétant des chansons plus dramatiques, telles qu'Avec le temps de Léo Ferré, Mamina de Pascal Danel et Je suis malade de Serge Lama, ainsi que des titres originaux, comme Il venait d'avoir 18 ans et Ta Femme. Ce choix de changement ? vis-à-vis duquel l'entourage de la chanteuse est sceptique ? lui façonne une image de diva tragique de la chanson française^,,.

  Duo avec Alain Delon et succès internationaux

  Malgré cette adoption récente d'un répertoire dramatique, elle ne renonce pas pour autant aux grands succès populaires, avec notamment en début de décennie le titre Darla dirladada, une reprise d'un folklore grec. Plus tard, en 1972, elle vend plus de 300 000 exemplaires en France du titre Parle plus bas. En 1973, elle fait appel à une vieille connaissance, interprétant un duo avec Alain Delon : Paroles... Paroles... devient le premier single de Dalida à être classé dans les hit-parades japonais, mexicain et portugais.

  L'année suivante, elle enregistre Gigi l'amoroso, qui deviendra la chanson la plus emblématique de son répertoire : n^o 1 dans douze pays, elle bat un record de vente au Benelux (détenu jusqu'alors par Frank Sinatra avec Strangers in the Night). La décennie 1970 est également la décennie des Olympia à succès pour la chanteuse qui retrouve son public dans la salle mythique parisienne à trois reprises en 1971, 1974 et 1977^,.

  1976-1981 : disco, raï et Palais des sports

  Virage disco

  En 1975, Dalida est une des premières artistes françaises à s'initier au disco, avec son album Coup de chapeau au passé, regroupant des chansons telles que J'attendrai ou encore Bésame mucho. Le titre J'attendrai connaît un grand succès en France (1^er des ventes en février 1976), en Flandre (4^e), au Québec (2^e) et aux Pays-Bas (9^e). Elle enregistre ensuite Femme est la nuit, Génération 78, Ça me fait rêver et Lambeth Walk, qui entreront toutes dans le Top 20 des ventes en France.

  Le titre le plus emblématique de la période disco de Dalida est certainement Monday, Tuesday? Laissez-moi danser, reprise d'une chanson italienne de Toto Cutugno qui connaît un grand succès en 1979 notamment en France (2^e des ventes en septembre 1979), au Québec (3^e), en Flandre (22^e) et en Israël où Dalida se classe pour la deuxième fois (à la 26^e place). Le dernier grand succès disco de la chanteuse est Il faut danser reggae sorti en fin d'année 1979, qui se vend à plus de 200 000 exemplaires en France et atteint la 11^e place des ventes françaises en janvier 1980.

  Premier titre raï

  Dalida crée un succès raï en 1977. Inspiré par un folklore égyptien, Jeff Barnel réarrange ce qui deviendra un véritable hymne au Moyen-Orient : Salma ya salama. En effet, cette chanson est diffusée à la radio d'Israël lors de la venue d'Anouar el-Sadate (alors président de l'Égypte qui est en conflit avec Israël), ce qui contribue à faire de ce titre un message de paix. Elle enregistre la chanson en français, en arabe égyptien, en italien et en allemand. En 1979, elle réitère l'expérience avec Helwa Ya Baladi.

  Malgré son refus, à deux reprises, d'un contrat exclusif avec les États-Unis, elle obtient toutefois une ovation mémorable au Carnegie Hall de New York en décembre 1978 et au Shrine Auditorium de Los Angeles en octobre 1986.

  Palais des sports et Olympia

  En 1979, Dalida rencontre Lester Wilson, qui devient son chorégraphe pour le spectacle au Palais des sports réservé pour janvier 1980^,. Dalida se produit alors chaque soir devant 5 000 personnes pendant trois semaines. L’événement regroupe 18 shows géants, 30 musiciens, 12 danseurs et 12 tenues de scène différentes. En 1981, elle fait un passage à l'Olympia^,. Le soir de la dernière, Michel Drucker lui remet un disque de diamant (non reconnu par le SNEP) afin de célébrer le 25^e anniversaire de sa carrière de chanteuse.

  1981-1984 : polémiques et retour à des chansons à texte

  Baisse de popularité en France

  Lors de la campagne présidentielle de 1981, elle apporte son soutien au candidat du Parti socialiste, François Mitterrand. Cette prise de position la dessert professionnellement : plusieurs médias se montrent critiques à son égard et une partie de ses fans ? qui sont réputés soutenir en majorité le président sortant, Valéry Giscard d'Estaing ? se détournent d’elle^,,,. Dans les mois qui suivent la victoire du candidat socialiste, ses ventes de disques chutent et Dalida se met en retrait de la vie publique, se disant attristée par les critiques qui lui sont adressées. Elle part alors en tournée à l'étranger.

  Retour à des chansons à texte

  En 1982, elle sort les titres Confidences sur la fréquence et Jouez bouzouki, mais seule La Chanson du Mundial connaît le succès.

  L’année suivante, en 1983, Dalida commence à sombrer dans une profonde dépression. Elle enregistre Les P'tits Mots, album comportant trois chansons autobiographiques : dans Bravo, elle s'imagine en l'an 2000, oubliée du public qui l'a jadis idolâtrée et affrontant dans le miroir l'image d'une Dalida vieillissante ; dans Téléphonez-moi, elle décrit combien la solitude la ronge et envisage le suicide ; dans Mourir sur scène, un de ses titres les plus emblématiques, elle s'adresse directement à la mort, fait allusion à sa tentative de suicide en 1967 et affirme : « Moi qui ai tout choisi dans ma vie / Je veux choisir ma mort aussi ».

  1984-1987 : dernières années

  Adaptations de chansons étrangères

  Au milieu des années 1980, Dalida adapte plusieurs chansons d'origine étrangère. Elle commence en 1984 par Kalimba de Luna, qui est d'origine italienne. Elle continue la même année avec Pour te dire je t'aime, adaptation d'une chanson de Stevie Wonder, puis Toutes ces heures loin de toi, adaptée de Phil Collins, et C'était mon ami, adaptée de Patti Austin. En 1985, elle reprend la chanson Last Christmas, du groupe britannique Wham!, pour en faire Reviens-moi, et adapte en italien Tout doucement de Bibie, qui devient Semplicemente cosi.

  En 1984, elle enregistre le show Dalida idéale, où elle reprend ses plus grands succès en changeant plus de quarante fois de tenue. Elle enregistre ensuite le titre Soleil, qu'elle adapte ensuite en espagnol et en italien. Elle revient ensuite à des chansons originales à la fin de l'année 1985. Dans Le Temps d'aimer, elle paraît nostalgique des moments passés où elle était libre d'aimer un homme.

  Tournage du Sixième Jour et mise en retrait

  À partir de 1986, Dalida est moins présente dans les radios et dans les programmes télévisés. En effet, elle participe au tournage du film Le Sixième Jour, dans lequel elle interprète la vieille lavandière Saddika, à laquelle elle s'identifie, ce qui l’affaiblit moralement. Elle est alors coupée de son public jusqu'à la rentrée 1987 pour cause de préparation d'une comédie musicale (dans laquelle elle envisage de jouer le rôle de Cléopâtre) et d'une pièce de théâtre.

  Mort

  Suicide

  Dans les dernières années de sa vie, Dalida est atteinte d'une dépression chronique. Elle se produit pour la dernière fois en concert en Turquie du 28 au 29 avril 1987, à Antalya, au théâtre antique d'Aspendos. Il s’agit de sa dernière apparition publique. De retour de ces concerts, elle semble éteinte : elle ne sort plus, fume de façon compulsive et multiplie les insomnies.

  Le 2 mai 1987, elle fait croire à son entourage qu'elle va voir dans la soirée la comédie Cabaret de Jérôme Savary, jouée au théâtre Mogador, et dîner en ville avec François Naudy. Mais, en réalité, François Naudy ne confirme pas le rendez-vous, ce qui la bouleverse^,. Dans la nuit du 2 au 3 mai 1987, restée seule dans sa maison du 11 bis rue d'Orchampt, elle se suicide par surdose de barbituriques, qu’elle avale avec un verre de whisky (l'alcool accentue l’effet de ce type de médicament)^,,. Son habilleuse découvre son corps inerte le 3 mai en fin d'après-midi.

  Elle laisse deux lettres, l'une à son frère Orlando, l'autre à son compagnon, ainsi qu'un mot sans doute à l'attention de son public : « La vie m'est insupportable. Pardonnez-moi. »

  Funérailles et inhumation

  Le 4 mai 1987, pour annoncer la mort de la chanteuse, Le Républicain lorrain titre en une « Ciao ciao Dalida », en référence à sa chanson Ciao, ciao bambina. Plusieurs personnalités françaises, comme Sheila, Charles Aznavour, Brigitte Bardot, François Mitterrand, Jacques Chirac et Alain Delon, font part publiquement de leur tristesse^,,.

  L’église Saint-Jean de Montmartre étant trop petite pour la cérémonie, les funérailles se tiennent, par dérogation, en l'église de la Madeleine. Quelque 40 000 personnes y assistent, le 7 mai 1987. Elle est ensuite inhumée au cimetière de Montmartre (division 18).

  Vie privée

  En dépit de sa réussite professionnelle, Dalida connaît une vie personnelle marquée par une série de drames et de déceptions sentimentales. En particulier, plusieurs de ses partenaires ou amis se sont suicidés.

  Tensions avec son père

  À l'âge de 12 ans, elle est marquée par la mort de son père, peu après la Seconde Guerre mondiale. Pendant le conflit, celui-ci a été interné dans un camp de prisonniers, étant italien dans un pays sous domination britannique (l'Italie fasciste était alors ennemie du Royaume-Uni). Marqué par cet épisode, son père devient violent et ses relations avec Iolanda et le reste de sa famille deviennent difficiles. La biographe Catherine Rihoit explique les déboires sentimentaux de Dalida par le fait qu'elle ait cherché son père dans les différents hommes de sa vie.

  Mariage avec Lucien Morisse

  Le 8 avril 1961, Lucien Morisse, après avoir divorcé de sa première femme, épouse Dalida, avec qui il est en couple depuis cinq ans. Mais Dalida, qui l'a plus épousé par reconnaissance professionnelle que par amour, le quitte rapidement pour Jean Sobieski.

  Le 11 septembre 1970, Lucien Morisse, avec lequel elle a gardé de bons rapports, se suicide d'une balle dans la tempe dans leur ancien appartement du 7 rue d'Ankara, à Paris^,.

  Liaison avec Jean Sobieski

  Dalida entretient une liaison avec l'acteur et peintre Jean Sobieski de 1961 à 1963. Il est un des rares hommes de sa vie à ne pas avoir trouvé la mort dans des circonstances tragiques. À la suite de leur séparation, Dalida connaît une histoire d'amour avec le journaliste Christian de La Mazière, dont elle se sépare en 1966. À Rome, elle vit une courte idylle avec Alain Delon.

  Mort de Luigi Tenco et tentative de suicide

  Le 26 janvier 1967, Dalida participe au festival de Sanremo avec Luigi Tenco, le nouvel homme de sa vie qu’elle a convaincu de prendre part à la compétition. Ce soir-là, les amants ont l'intention d'annoncer leur projet de mariage à leurs proches.

  Angoissé par l'idée d'un échec au festival, Tenco consomme de l'alcool et prend des calmants. À la suite d'une prestation jugée médiocre et malgré la prestation de Dalida, le titre Ciao amore, ciao n'est pas retenu par le jury. Terrassé par la honte, le chanteur regagne sa chambre d'hôtel, où il se suicide en se tirant une balle dans la tête. Inquiète du comportement de Tenco, Dalida quitte le festival pour se rendre à son hôtel, où elle le découvre sans vie. Sous le choc, elle caresse le visage de Tenco et se couvre de son sang. Dans les semaines qui suivent, elle enchaîne émissions de télévision et enregistrements.

  Le 26 février, elle fait croire à son entourage qu’elle embarque à l’aéroport de Paris-Orly pour rejoindre la famille de Luigi. Elle regagne ensuite l'hôtel Prince de Galles et tente de se suicider en absorbant une importante dose de barbituriques. Elle déclarera par la suite : « On m’a dit plus tard que, quand on prend une dose exorbitante de cachets, ça ne marche pas. » Trouvée inanimée, elle reste plusieurs jours dans le coma, puis passe plusieurs mois à l'hôpital en convalescence. Souffrant d'escarres, elle doit subir une greffe de peau à une cheville.

  Elle remonte sur scène en octobre 1967 pour un concert à l'Olympia, mais reste marquée par le suicide de celui qu'elle considère comme l'amour de sa vie.

  Aventure avec Lucio, avortement et stérilité

  Un autre drame marque la chanteuse en 1967. Tout juste remise de sa tentative de suicide, elle rencontre un étudiant originaire de Rome, Lucio, âgé de 22 ans. Si leur histoire ne dure pas, Dalida se retrouve enceinte et décide d'avorter, sans en parler à personne d'autre que son frère et sa cousine. L'opération, réalisée en Italie (l'avortement n'étant alors pas autorisé en France), la rend stérile. Cette relation avec Lucio entre fortement en résonance avec la chanson Il venait d'avoir 18 ans : ce texte a été proposé à Dalida par Pascal Sevran, qui l'a écrite sans connaître cette histoire (et qui ne la destinait pas particulièrement à Dalida initialement)^{[réf. nécessaire]}.

  Thérapie et nouvelles déceptions sentimentales

  À partir de 1967, Dalida entame une psychothérapie. Elle lit Teilhard de Chardin et Freud et se lie, entre 1969 et 1971, au philosophe et écrivain Arnaud Desjardins. Mais celui-ci étant marié, ils préfèrent mettre fin à cette liaison. Vers 1972, elle a une courte relation avec le chanteur Richard Stivell, qui lui avoue être lui aussi déjà marié.

  Amitié avec Mike Brant

  Un de ses meilleurs amis, le chanteur Mike Brant, se donne la mort le 25 avril 1975. Dalida lui avait permis de chanter en première partie de son Olympia à l'automne 1971, et avait contribué à son succès en France. Elle avait été la première à se rendre au chevet du chanteur israélien lors de sa première tentative de suicide, le 22 novembre 1974.

  Relation avec Richard Chanfray

  En 1972, par l'entremise de Pascal Sevran, elle fait la connaissance de Richard Chanfray. Ce dernier se définit « comte de Saint-Germain », aventurier alchimiste et immortel fréquentant la cour de Louis XV. Elle vit avec lui une idylle tumultueuse de neuf années. Lassée par ses frasques, elle met un terme à leur aventure en 1981.

  Deux ans plus tard, en 1983, Richard Chanfray se suicide par asphyxie, avec sa nouvelle compagne^,. Constatant que ses trois principaux compagnons (Luigi Tenco, Lucien Morisse et Richard Chanfray) se sont suicidés, Dalida déclare « porte[r] malheur aux hommes qu’[elle] aime ».

  Dernières relations et aggravation de sa dépression

  Après sa rupture avec Richard Chanfray, Dalida a encore quelques compagnons. À partir de 1985, elle est en couple avec le médecin François Naudy. Encore une fois, elle subit une déception, ce dernier ne souhaitant pas quitter son épouse et se montrant de plus en plus fuyant au fil du temps.

  Engagements

  Défense de la cause homosexuelle

  Alors que l'homosexualité est un sujet encore relativement tabou, elle se montre partisane de la cause homosexuelle masculine. Elle interprète notamment des chansons qui la rendent populaire auprès de la communauté gay, comme Pour ne pas vivre seul et Depuis qu'il vient chez nous. Cette thématique est d'autant plus sensible pour la chanteuse que de nombreuses personnalités gay l'entourent, comme Pascal Sevran et Bertrand Delanoë. Au cours de sa carrière et après sa mort, Dalida compte dans son public de nombreux fans homosexuels^,.

  Lutte contre le sida

  En 1985, Line Renaud et Dalida organisent un gala en faveur de la recherche contre le SIDA, qui touche plusieurs personnes de leur entourage. Plusieurs artistes populaires viennent s'ajouter aux deux femmes, comme Thierry Le Luron et Nana Mouskouri.

  Opinions politiques

  Durant sa carrière, Dalida s'exprime peu sur son opinion politique. Elle indique avoir soutenu dans sa jeunesse l’action du général de Gaulle.

  Invitée par Gaston Defferre à un rassemblement du Parti socialiste (PS) organisé à Marseille au début des années 1970, elle fait la connaissance de François Mitterrand. Elle devient ensuite une proche amie du Premier secrétaire du PS, voire sa maîtresse selon plusieurs sources^,,. En vue de l'élection présidentielle de 1981, elle chante dans plusieurs meetings de François Mitterrand, tout en indiquant soutenir « un homme et non un parti ». Le 21 mai 1981, lors de l'investiture présidentielle de celui-ci, elle est en première ligne des personnalités remontant la rue Soufflot à ses côtés.

  Mais son amitié avec le président Mitterrand ? qui ne s'enquiert plus d'elle après son élection ? divise son public. En avril 1983, lors d'un événement organisé par Line Renaud, elle fait une bise chaleureuse au principal dirigeant de l'opposition, Jacques Chirac^,. Alors que Dalida affirme être apolitique et ne se consacrer qu'à ses fans, les médias s'interrogent sur la possible signification politique de ce geste et y voient a minima la fin de l'engagement de Dalida auprès de Mitterrand et de son entourage.

  Soutien aux radios libres

  En novembre 1981, les radios libres sont autorisées à émettre sur la bande FM, mais à certaines conditions (limitation de la puissance des émetteurs pour ne pas brouiller les ondes d'autres radios ; stations devant être de type associatif, c'est-à-dire non commerciales).

  En 1984, la Haute Autorité de la communication audiovisuelle annonce la cessation provisoire d'émettre pour RFM, NRJ et d'autres radios libres. Ces dernières appellent alors à manifester et sont soutenues par des personnalités comme Dalida, Guy Lux, Jean-Luc Lahaye, Johnny Hallyday ou encore François Valéry^,,. Sous la pression, l’Assemblée nationale vote une loi permettant aux radios qui le souhaitent de passer du statut associatif à celui de société commerciale^{[réf. nécessaire]}. Après ces manifestations, Dalida est nommée marraine de la radio NRJ, dirigée alors par son ami Max Guazzini^,,.

  Influence et postérité

  En France

  En 1981, on^{[Qui ?]} lui propose le titre de « Marianne de la France », son visage devant figurer sur le buste de Marianne.

  Bien qu'elle disposât d'un large choix linguistique, c'est principalement en français qu'elle chantait. Durant sa carrière, plusieurs succès musicaux en français dépassent les frontières francophones, comme J'attendrai, Gigi l'amoroso ou encore Monday, Tuesday... Laissez-moi danser.

  Un classement des événements et personnalités qui ont le plus marqué les Français de 1968 à 1988 est publié par l'institut de sondages Sofres en 1988 : la mort de Dalida arrive en deuxième position (avec 10 %), juste après la mort de Charles de Gaulle (16 %), devant les personnalités de Jean-Paul II (7 %) et Mère Teresa (3 %). Selon un sondage réalisé par l’IFOP en France en 2001, Dalida est, avec Édith Piaf, la chanteuse populaire qui a le plus marqué le XX^e siècle.

  Dans le domaine musical, Charles Aznavour lui a consacré De la scène à la Seine en 2000. En 2017, Ibrahim Maalouf recompose un album avec tous les grands succès de la chanteuse chantés par d'autres artistes comme Mika qui reprend Salma ya salama, Monica Bellucci qui reprend Paroles... Paroles... ou encore Alain Souchon qui reprend Bambino. En 2018, le rappeur Soolking enregistre l’album Dalida, en hommage à la chanteuse, avec le titre Dalida qui reprend l'air de Paroles... Paroles... en guise de premier extrait.

  Au théâtre, la pièce Dalida, à quoi bon vivre au mois de mai ? de Joseph Agostini et Caroline Sourrisseau, a été jouée aux ateliers théâtre de Montmartre en 2005.

  Plusieurs expositions lui sont consacrées. En 2007, la mairie de Paris consacre dans ses murs une exposition d'images et de sons présentant ses tenues et des photographies inédites^,.

  En 2017, 110 de ses 150 robes et tenues sont présentées pendant quatre mois au palais Galliera. La même année, a lieu au Palais des congrès de Paris la première de Hit Parade, comédie musicale rendant hommage aux titres de Dalida, Claude François, Mike Brant et Sacha Distel.

  Un téléfilm intitulé simplement Dalida est réalisé par Joyce Buñuel et diffusé sur la chaîne France 2 en mai 2005. La première partie du téléfilm se place en deuxième position d'audience de la télévision française, avec 6,1 millions de téléspectateurs, tandis que la seconde partie atteint la plus grande part d'audience des chaînes françaises avec plus de 6,5 millions de téléspectateurs^,.

  En 2017 également, un film biographique français, pareillement intitulé Dalida et réalisé par Lisa Azuelos pour les trente ans de sa mort, retrace la vie de la chanteuse. Sorti dans une quarantaine de pays, le film cumule près d’un million d’entrées en France^,.

  En 2019, pour célébrer le quatre-vingt-sixième anniversaire de sa naissance, Google dédie un doodle à Dalida.

  À l’étranger

  Dalida est une des chanteuses françaises qui se sont le plus exportées en dehors des frontières de la France^,,. En Europe, en créant plusieurs scènes sur le continent, elle classe 84 singles en Wallonie entre 1957 et 1975, 30 en Italie, 11 en Espagne, 10 en Flandre, 4 en Allemagne, aux Pays-Bas, et en Autriche et un en Suisse romande ainsi qu'au Portugal.

  Au Québec, Dalida bénéficie d'une importante popularité : elle est notamment la troisième artiste francophone ayant classé le plus de singles dans le hit-parade québécois (62 titres), derrière Ginette Reno et Gilbert Bécaud.

  Elle a également su s'imposer sur le marché musical de plusieurs pays d'Amérique latine. Ainsi, elle classe treize singles dans le hit-parade en Argentine, deux au Brésil et un au Mexique^,.

  Dalida réussit à classer deux singles dans le hit-parade japonais (en 1973 et en 1976). Au Moyen-Orient, elle se positionne deux fois dans le hit-parade d'Israël^, et douze fois dans celui de la Turquie.

  Style et apparence

  Tout au long de sa carrière, Dalida est reconnue pour son code vestimentaire, presque entièrement composé de robes.

  Au début des années 1960, elle adopte la ligne New Look de l’époque inspirée de Christian Dior : taille fine et jupe ample. Brune à cette époque, elle mise sur les corsages ajustés et les jupes corolles. Entre 1967 et 1974, elle adopte un style plus discret avec des robes longues et fines de couleur unie. L'image la plus répandue de la chanteuse est très certainement celle de la période disco, entre 1975 et 1987, où elle arbore des tenues pailletées ou brodées de perles et des couleurs vives ou des motifs floraux.

  Dotée d'une longue chevelure ondulée, elle décide en 1964 de se teindre les cheveux en blond vénitien^,. Elle déclare à ce propos : « Je chante avec tout, même avec mes cheveux ».

  Dalida se maquille de façon à avoir des yeux de biche et utilise régulièrement un rouge à lèvres. En effet, à partir des années 1950, elle se maquille en traçant au-dessus de ses yeux un trait noir d'eye-liner, en apposant du fard à paupière et en rendant ses sourcils plus foncés.

  Places et monuments

  Une place ? qui comporte un buste la représentant ? porte son nom à Paris, à proximité de la rue d'Orchampt, où elle résidait. Sa tombe, sur laquelle est érigée une statue à son effigie, est présentée comme la plus fleurie du cimetière de Montmartre.

  Discographie

  Au cours de sa carrière, elle interprète 709 chansons chantées en 11 langues (français, italien, allemand, espagnol, anglais, japonais, arabe égyptien, arabe libanais, hébreu, néerlandais et grec).

  Principaux singles

  Ces singles se sont classés dans le Top 10 du hit-parade en France à partir de 1961:

  Ventes de disques

  D’après sa maison de disques, Universal Music, Dalida a vendu 120 millions de disques de son vivant et 20 millions entre sa mort et 2017^,,,. D'autres chiffres apparaissent parfois dans les médias à ce sujet, allant de quelques dizaines de millions^, à 170 millions de disques vendus^,.

  En France, principal marché de la chanteuse, ses ventes sont estimées à 15 millions^,. Le SNEP a certifié 11 albums de Dalida à plus de 100 000 exemplaires, ainsi qu'un single, Salma ya salama. Elle a également reçu trois disques d'or au Canada.

  Filmographie

  Cinéma

  Télévision

  Autres apparitions

  Spots publicitaires

  Dalida apparaît dans plusieurs spots publicitaires durant sa carrière^,,.

  Chansons dans des films

  Les chansons de Dalida ont été utilisées dans 36 films (dont les deux films biographiques). Parmi les apparitions les plus emblématiques, figurent celles de Il venait d'avoir 18 ans dans Mina Tannenbaum (1994), Salma ya salama dans Pédale douce (1996), Bambino dans OSS 117 : Le Caire, nid d'espions (2006), Romantica dans L'Instinct de mort (2008) et Itsi bitsi petit bikini dans Les Femmes du 6^e étage (2011).

  Notes et références

  Notes

  Références

  Voir aussi

  Bibliographie

  Articles connexes

  • Icône culturelle
  • Liste des chansons interprétées par Dalida
  • Liste des concerts de Dalida

  Liens externes

  • Site officiel
  • Ressources relatives à la musique :
    • AllMusic
    • BBC Music
    • MusicBrainz
    • Muziekweb
    • (en) Billboard
    • (it) Discografia Nazionale della Canzone Italiana
    • (en) Discogs
    • (en) Songkick
  • Ressources relatives à l'audiovisuel :
    • Allociné
    • (en) AllMovie
    • (en) Internet Movie Database
  Source : Wikipedia
  ]]> Tue, 14 Jan 2020 04:14:00 +0000 https://radiosentimental.fr/artistes/france-gall-23 https://radiosentimental.fr/artistes/france-gall-23

  La discographie de la chanteuse France Gall recense quinze albums, une vingtaine de compilations et de clips vidéo.

  Albums

  1. 1964 : N'écoute pas les idoles [25 cm]
  2. 1964 : Mes premières vraies vacances [LP]
  3. 1964 : Sacré Charlemagne [25 cm]
  4. 1965 : Poupée de cire, poupée de son [LP]
  5. 1966 : Baby pop [LP]
  6. 1966 : Les Sucettes [LP]
  7. 1968 : 1968 [LP]
  8. 1976 : France Gall [LP]
  9. 1977 : Dancing Disco [LP]
  10. 1980 : Paris, France [LP]
  11. 1981 : Tout pour la musique [LP]
  12. 1984 : Débranche ! [LP], [CD]
  13. 1987 : Babacar [LP], [CD]
  14. 1992 : Double Jeu, en duo avec Michel Berger [CD]
  15. 1996 : France [CD]

  Albums live

  1. 1978 : France Gall / Live Théâtre des Champs-Élysées
  2. 1982 : France Gall / Palais des sports
  3. 1985 : France Gall au Zénith
  4. 1988 : Le Tour de France 88
  5. 1993 : Simple je - Débranchée à Bercy
  6. 1994 : Simple je - Rebranchée à Bercy
  7. 1994 : Simple je - L'Intégrale Bercy
  8. 1997 : Concert public Olympia / Concert acoustique M6
  9. 2005 : Pleyel (enregistré en 1994)

  Compilations

  Vinyles 33 tours 30 cm Philips / Musidisc / EMI/MFP (1964 à 1973) et CD Universal Music et Warner Music (1990 à 2008)

  1. 1973 : France Gall
  2. 1976 : Cinq minutes d'amour
  3. 1990 : Les Années musique ? 2 CD, compilation 1974-1988, Warner Music
  4. 1992 : Poupée de son ? 1 CD, les années Philips 1963-1968, Polydor
  5. 1992 : Poupée de son ? 4 CD, les années Philips 1963-1968, Polydor
  6. 2000 : 1968 ? 1 CD, Polydor
  7. 2001 : France Gall ? 3 CD, long box, intégrale des années Philips 1963-1968, Polydor
  8. 2002 : Best of ? 2 CD, les années Philips 1963-1968, Polydor
  9. 2003 : France Gall ? 2 CD, les années Philips 1963-1968, Polydor
  10. 2003 : Baby pop ? 1 CD, Polydor
  11. 2004 : Évidemment ? 1 CD, anthologie des années Berger, Warner Music
  12. 2004 : Évidemment ? 2 CD, anthologie des années Berger, Warner Music
  13. 2004 : Évidemment ? 3 CD, anthologie des années Berger, Warner Music
  14. 2004 : Évidemment ? Intégrale, anthologie des années Berger, Warner Music
  15. 2005 : Quand on est ensemble ? 2 CD, compilation des incontournables chansons de Berger et Gall, Warner Music
  16. 2006 : Gold ? 2 CD, Polydor
  17. 2008 : Viens je t'emmène ? Coffret 3 CD, U10
  18. 2019: réédition du best of Evidemment avec un CD bonus "Les raretés": 12 titres rares figurant dans l'intégrale

  Compilations allemandes

  1. 1968 : Vive la France Gall, Deutsche Produktion
  2. 1968 : Die großen Erfolge : Deutsche Produktion
  3. 1970 : Die großen Erfolge 2, Deutsche Produktion
  4. 1972 : Portrait in Musik, Deutsche Produktion
  5. 1989 : Ihre Grössen Hits, Teldec
  6. 1993 : Ihre Grossen Erfolge, Convoy
  7. 1996 : Star Gala, Convoy
  8. 1998 : Das Beste auf Deutsch, Telefunken
  9. 2000 : Love, L'Amour und Liebe, CBU

  DVD

  1. 2005 : Émilie ou la Petite Sirène 76, conte musical télévisé de Michel Berger et Franck Lipsik (émission originale diffusée en 1976), 1 DVD Région 2, 56 min, INA / Éditions LCJ ? Réédition en 2007
  2. 2006 : Bercy 93 (spectacle enregistré en public, 1993), 1 DVD Région 2, 90 min (Warner Vision France)

  Clips vidéo

  1. La Cloche (Scopitone Davis-Boyer, 1964)
  2. Laisse tomber les filles (Scopitone Davis-Boyer, 1964)
  3. Sacré Charlemagne (Scopitone Davis-Boyer, 1964)
  4. Baby pop (Scopitone Davis-Boyer, 1966)
  5. Donner pour donner, en duo avec Elton John (réalisé par X, 1980)
  6. Débranche (réalisé par Jeep Novak, 1984)
  7. Babacar (réalisé par Michel Berger, 1987)
  8. Ella, elle l'a (réalisé par Bernard Schmitt, 1987)
  9. Évidemment (réalisé par Michel Berger, 1988)
  10. Papillon de nuit (réalisé par Michel Berger, 1988)
  11. La Chanson d'Azima (réalisé par Michel Berger, 1989)
  12. Laissez passer les rêves, en duo avec Michel Berger (réalisé par Philippe Gautier, 1992)
  13. Superficiel et Léger, en duo avec Michel Berger (réalisé par Jean-Marie Périer, 1992)
  14. Les Élans du cœur (réalisé par Jean-Marie Périer, 1993)
  15. Mademoiselle Chang, avec Renaud Hantson et Marc Lavoine aux chœurs (réalisé par X, 1993)
  16. Plus haut (réalisé par Jean-Luc Godard, 1996)
  17. Privée d'amour (réalisé par Bernard Schmitt, 1996)
  18. Message personnel (réalisé par Bernard Schmitt, 1996)
  19. Résiste (réalisé par Philippe Gautier, 1997)
  20. La seule chose qui compte (réalisé par Olivier Dahan, 2004)

  Contributions

  1. 1964 : Serge Gainsbourg, album Gainsbourg Percussions, titre Pauvre Lola (paroles et musique de Serge Gainsbourg). France est « Le rire de Lola », non créditée (Philips).
  2. 1967 : 1^er disque de Mireille Darc (super 45 tours), duo sur le titre Ne cherche pas à plaire, paroles de Rolland Valade et musique de Jean-Claude Olivier (Philips).
  3. 1974 : Michel Berger, album Chansons pour une fan, voix sur titre Mon fils rira du rock’n’roll (paroles et musique de Michel Berger), elle est « L’amour qui arrive, l’autre partie de lui » (Warner Music)
  4. 1978 : Starmania (album studio), opéra-rock de Luc Plamondon et Michel Berger (Warner Music)
  5. 1979 : Starmania (le spectacle live), opéra-rock de Luc Plamondon et Michel Berger (Warner Music)
  6. 1985 : Les Chanteurs sans frontières enregistrent le disque SOS Éthiopie (paroles de Renaud et musique de Franck Langolff) afin de venir en aide au pays africain victime de la famine. Le profit des ventes sera reversé à l'association Médecins sans frontières.
  7. 1993 : Les Enfoirés chantent Starmania à La Grande halle de La Villette, solo sur titre Un garçon pas comme les autres (paroles de Luc Plamondon et musique de Michel Berger), avec tous les autres pour Le monde est stone (paroles de Luc Plamondon et musique de Michel Berger) et pour La Chanson des Restos (paroles et musique de Jean-Jacques Goldman).
  8. 1994 : Les Enfoirés au Grand Rex, duo avec Francis Cabrel sur Ella, elle l'a (paroles et musique de Michel Berger), avec tous les autres pour La Chanson des Restos.
  9. 1994 : Renaud Hantson, album Des plaies et des bosses, chœurs sur les titres Bof génération, paroles et musique de Renaud Hantson, et Quatre saisons, paroles de Renaud Hantson, musique Fabien Kreicher et Éric Fermentel.
  10. 2015 : voix additionnelle dans la chanson Un dimanche au bord de l'eau interprétée par Michel Berger, titre inédit jusqu'à son inclusion dans la comédie musicale Résiste.

  Super 45 tours (EP) vinyles et simples SP (vinyles et CD)

  Philips / La Compagnie / Atlantic Records / EMI Pathé / Warner Music (1963 à 2004)

  • Octobre 1963 - Ne sois pas si bête, adaptation par Pierre Delanoë de Stand a little closer, œuvre américaine originale de Jack Wolf et Maurice « Bugs » Bower [EP]
  • 1964 - N'écoute pas les idoles, paroles et musique de Serge Gainsbourg [EP]
  • 1964 - La Cloche / Jazz à gogo, paroles de Robert Gall et musique d'Alain Goraguer [EP]
  • 1964 - Laisse tomber les filles, paroles et musique de Serge Gainsbourg [EP]
  • 1964 - Sacré Charlemagne, paroles de Robert Gall et musique de Georges Liferman [EP]
  • 1965 - Poupée de cire, poupée de son, paroles et musique de Serge Gainsbourg [EP]
  • 1965 - Attends ou va-t'en, paroles et musique de Serge Gainsbourg [EP]
  • 1965 - L'Amérique / Nous ne sommes pas des anges, paroles et musique de Serge Gainsbourg [EP]
  • 1965 - Das war eine schöne Party, version allemande de Poupée de cire, poupée de son [SP]
  • 1965 - Io si, tu no, version italienne de Poupée de cire, poupée de son [SP]
  • 1965 - ???????????Yume Miru Shanson Ningy?, version japonaise de Poupée de cire, poupée de son [SP]
  • 1966 - Baby pop, paroles et musique de Serge Gainsbourg [EP]
  • 1966 - Les Sucettes, paroles et musique de Serge Gainsbourg [EP]
  • 1966 - Bonsoir John-John, paroles de Gilles Thibaut et musique de Claude-Henri Vic [EP]
  • 1966 - Oh ! Quelle famille, paroles de Robert Gall et musique de Georges Liferman [SP]
  • 1966 - Wir sind keine Engel, version allemande de Nous ne sommes pas des anges [SP]
  • 1966 - ?????????Yume Ni Mita Ojisama version japonaise de Un prince charmant [SP]
  • 1967 - Il neige/Tu n'as pas le droit, paroles de Jean-Max Rivière et musique de Gérard Bourgeois
  • 1967 - La Petite / Néfertiti, paroles et musique de Serge Gainsbourg [EP]
  • 1967 - Teenie weenie boppie / Bébé requin, paroles de Jean-Michel Rivat et Frank Thomas, musique de Joe Dassin [EP]
  • 1967 - Chanson indienne / Toi que je veux, paroles de Jean-Michel Rivat et Frank Thomas, musique de Joe Dassin [EP]
  • 1967 - Die schönste Musik, die es gibt, Allemagne [SP]
  • 1967 - Was will ein Boy ?, Allemagne [SP]
  • 1968 - Dady da da / Le Temps du tempo, paroles de Robert Gall et musique d'Alain Goraguer [EP]
  • 1968 - 24 / 36, paroles de Jean-Michel Rivat et Frank Thomas, musique de Joe Dassin
  • 1968 - Mon p'tit soldat / Y'a du soleil à vendre, paroles de Robert Gall et musique d'Hubert Giraud [SP]
  • 1968 - Haifischbaby, version allemande de Bébé requin [SP]
  • 1968 - A Banda, adaptation allemande de la chanson brésilienne de Chico Buarque [SP]
  • 1968 - Der Computer Nr. 3, Allemagne [SP]
  • 1968 - Merci, Herr Marquis, Allemagne [SP]
  • 1969 - Homme tout petit, paroles de Jean-Michel Rivat et Frank Thomas, musique de Jean-Pierre Bourtayre [EP]
  • 1969 - Les Années folles, adaptation française par Boris Bergman de la chanson britannique Gentlemen Please, paroles et musique originales de Barbara Ruskin [EP]
  • 1969 - Baci, baci, baci, adaptation d'Eddy Marnay d'après le texte italien de Sergio Bardotti et Claudio Tallino sur une musique de Franco et Giorgio Bracardi (Festival de Sanremo 1969) [SP]
  • 1969 - La Pioggia, Italie [SP]
  • 1969 - Il mio amore è una ruota, Italie [SP]
  • 1969 - Die Playboys bei den Eskimos, Allemagne [SP]
  • 1969 - Ein bißchen Goethe, ein bißchen Bonaparte, Allemagne [SP]
  • 1969 - Ich liebe dich - so wie du bist, Allemagne [SP]
  • 1969 - La lluvia, version espagnole de L'Orage, Espagne [SP]
  • 1969 - Los años locos, version espagnole de Les Années folles, Espagne [SP]
  • 1970 - Zozoï, paroles de Robert Gall et musique de Nelson Angelo ? Rééditions en 2003 et 2008 ? Face A d'un 45 tours avec, en face B, l'instrumental Tema de Soninha (Jazzman Records et X) [SP]
  • 1970 - Les Éléphants, paroles de Jean Schmitt et musique de Jean Géral [SP] . À partir de 1970, tous les 45 tours sont des simples [SP].
  • 1970 - Come Fantomas, Italie
  • 1970 - Op! Op! Oplà, Italie
  • 1970 - Zozoi, version italienne
  • 1970 - Kilimandscharo, Allemagne
  • 1970 - Dann schon eher der Pianoplayer, Allemagne
  • 1970 - Mein Herz kann man nicht kaufen, Allemagne
  • 1971 - Caméléon, caméléon, paroles de Étienne Roda-Gil et musique de Richard Gachner et Dino Rosi
  • 1971 - Chasse neige, paroles d'Étienne Roda-Gil et musique de Julien Clerc
  • 1971 - C'est cela l'amour, paroles de Jacques Lanzmann et musique de Paul-Jean Borowsky
  • 1971 - Zwei Verliebte zieh'n durch Europa, Allemagne
  • 1971 - Unga Katunga, Allemagne
  • 1972 - Frankenstein, paroles et musique de Serge Gainsbourg
  • 1972 - Cinq minutes d'amour, paroles de Jean-Michel Rivat et Frank Thomas, musique de Roland Vincent
  • 1972 - Für dreißig Centimes, Allemagne
  • 1972 - Ein bißchen mogeln in der Liebe, Allemagne
  • 1972 - Ich bin zuckersüß, Allemagne
  • 1972 - Ich habe einen Freund in München, Allemagne
  • 1973 - Plus haut que moi, adaptation par Yves Dessca et Jean-Michel Rivat de Maria vai com as outras de Toquinho et Vinícius de Moraes
  • Mai 1974 - La Déclaration d'amour, paroles et musique de Michel Berger
  • Octobre 1974 - Mais, aime-la, paroles et musique de Michel Berger
  • 1975 - Comment lui dire, paroles et musique de Michel Berger
  • Avril 1976 - Ce soir je ne dors pas, paroles et musique de Michel Berger
  • Juin 1976 - Ça balance pas mal à Paris, paroles et musique de Michel Berger, en duo avec Michel Berger (extrait du conte musical télévisé Émilie ou la Petite Sirène 76)
  • Mai 1977 - Musique, paroles et musique de Michel Berger
  • Octobre 1977 - Si, maman si, paroles et musique de Michel Berger
  • Janvier 1978 - Le Meilleur de soi-même, paroles et musique de Michel Berger
  • Mars 1978 - Viens je t'emmène, paroles et musique de Michel Berger
  • Janvier 1979 - Besoin d'amour, paroles de Luc Plamondon et musique de Michel Berger (extrait de l'opéra-rock Starmania)
  • Juin 1980 - Il jouait du piano debout, paroles et musique de Michel Berger
  • Octobre 1980 - Bébé, comme la vie, paroles et musique de Michel Berger
  • Octobre 1980 - Donner pour donner, paroles de Michel Berger et Bernie Taupin, musique de Michel Berger, en duo avec Elton John
  • 1981 - Tout pour la musique, paroles et musique de Michel Berger
  • 1981 - Résiste, paroles et musique de Michel Berger
  • Mai 1982 - Amor también, paroles et musique de Michel Berger
  • Avril 1984 - Débranche, paroles et musique de Michel Berger
  • Septembre 1984 - Hong-Kong Star, paroles et musique de Michel Berger
  • Février 1985 - Calypso, paroles et musique de Michel Berger
  • Mai 1985 - Cézanne peint, paroles et musique de Michel Berger
  • Avril 1987 - Babacar, paroles et musique de Michel Berger
  • Août 1987 - Ella, elle l'a, paroles et musique de Michel Berger
  • Mars 1988 - Évidemment, paroles et musique de Michel Berger
  • Septembre 1988 - Papillon de nuit, paroles et musique de Michel Berger
  • Mars 1989 - La Chanson d'Azima, paroles et musique de Michel Berger
  • Mai 1992 - Laissez passer les rêves, paroles et musique de Michel Berger, en duo avec Michel Berger
  • Octobre 1992 - Superficiel et léger, paroles et musique de Michel Berger, en duo avec Michel Berger
  • Janvier 1993 - Les Élans du cœur, paroles et musique de Michel Berger, en duo avec Michel Berger
  • Mai 1993 - Mademoiselle Chang (live)
  • Novembre 1993 - Si, maman si (live)
  • Décembre 1993 - Il jouait du piano debout (live)
  • Février 1994 - La Chanson de la négresse blonde (live)
  • Mars 1994 - Le Paradis Blanc (live)
  • Novembre 1994 - Les Princes des villes
  • Mars 1996 - Plus haut
  • juin 1996 - Privée d'amour
  • Octobre 1996 - Message personnel
  • Février 1997 - Résiste (remix)
  • Mai 1997 - Attends ou va-t'en (live)
  • Août 2004 - La seule chose qui compte

  Classements des singles

  Les cases grisées signifient que les classements de ce pays n'existaient pas lors de la sortie du disque ou que ceux-ci sont indisponibles.

  Notes et références

  Source : Wikipedia
  ]]> Tue, 14 Jan 2020 04:31:00 +0000 https://radiosentimental.fr/artistes/dalida-24 https://radiosentimental.fr/artistes/dalida-24

  Dalida est une chanson du rappeur Soolking sortie en 2018.

  Genèse

  Dans cette chanson qui rend hommage au titre de Dalida sorti en 1973 (Paroles... Paroles...), Soolking remet en question les paroles d’autrui. L'idée de la chanson d'origine est reprise dans le texte de l’artiste algérien pour principalement parler de ceux qui sous-estiment les autres, ceux qui souhaitent s’en sortir et qui vivent dans la précarité. De plus, Soolking a choisi Dalida car comme lui, elle est partie du Nord d'Afrique (elle d'Egypte et lui d'Algérie) pour connaître le succès en France.

  Le clip montre un mime de cirque sous-estimé dans son enfance qui finit par être acclamé par son public.

  Classements hebdomadaires

  Lien externe

  • https://www.youtube.com/watch?v=bsPWx59yvYI

  Références

  Source : Wikipedia
  ]]> Wed, 15 Jan 2020 12:37:00 +0000 https://radiosentimental.fr/artistes/michel-sardou-25 https://radiosentimental.fr/artistes/michel-sardou-25

  La discographie de Michel Sardou comprend l'ensemble des disques qu'il a réalisés durant sa carrière. Elle se compose de 26 albums studio sortis entre 1970 et 2017, 19 albums live entre 1971 et 2018, plus de 20 compilations officielles et plus de 70 singles et 45 tours.

  Son premier 45 tours, intitulé Le Madras, paraît en 1965 chez Barclay Records. Après une série de 45 tours qui peinent à trouver leur public, Eddie Barclay résilie le contrat de Michel Sardou en 1969, date à laquelle il rejoint le label Tréma fondé par ses amis Régis Talar et Jacques Revaux dans le but de poursuivre la production de ses disques. Son premier album studio, J'habite en France, sort en 1970. Dans les années 1970, il s'impose comme l'un des chanteurs les plus populaires de France, treize de ses singles atteignant la première place du hit-parade et quatre de ses albums dépassant le million d'exemplaires vendus : La Maladie d'amour (1973), La Vieille (1976), La Java de Broadway (1977) et Je vole (1978).

  Les années 1980, qui voient l'album Les Lacs du Connemara (1981) devenir sa plus grande réussite commerciale, constituent sa période la plus prolifique avec la parution de neuf albums studio. Ses ventes restent importantes jusqu'à la fin des années 1990. En 2004, l'album Du plaisir certifié disque de diamant lui permet à nouveau de dépasser le million de ventes. Après une activité discographique ralentie depuis une dizaine d'années, Le Choix du fou (2017) est annoncé comme le dernier album de sa carrière.

  Sardou publie également de nombreux albums live, presque chacune de ses tournées ayant été suivie de la parution d'un album de concert depuis 1971. Sa discographie est marquée par les collaborations importantes de Jacques Revaux, Pierre Delanoë, Pierre Billon, Didier Barbelivien ou encore Jacques Veneruso, notamment sur le plan des compositions, bien qu'il participe pleinement à l'écriture de la plupart de ses chansons. Les ventes totales de Michel Sardou sont estimées à plus de 100 millions d'exemplaires.

  Discographie

  Albums studios

  Jusqu'aux années 1990, la plupart des albums de Michel Sardou ne portent aucun titre. Afin de les différencier, le titre de la première chanson de l'album ou le titre du premier single est souvent utilisé. De ce fait, les surnoms des albums peuvent parfois différer d'une source à l'autre.

  Albums live

  Participations

  • 1980 : Les Misérables
  • 1989 : Pour toi Arménie, chanson caritative de Charles Aznavour
  • 2004 : Frenchy Tour (album live d'Eddy Mitchell, ils chantent en duo Sur la route de Memphis)

  Compilations

  • 1980 : 20 chansons d'or
  • 1984 : 20 chansons d'or, volume 2
  • 1984 : Sardou, ses plus grandes chansons
  • 1986 : Sardou, ses plus grandes chansons (volume 2)
  • 1988 : Regards
  • 1989 : Les Grandes Chansons
  • 1989 : Intégrale 1989
  • 1993 : Les Années Barclay
  • 1994 : Intégrale 1966 - 1994
  • 1995 : Intégrale 1965 - 1995
  • 1996 : Les Grands Moments
  • 2000 : Raconte une histoire (enregistrements originaux des premières chansons parues chez Barclay de 1965 à 1967)
  • 2003 : MS
  • 2004 : Anthologie
  • 2005 : Michel Sardou
  • 2007 : L'Intégrale Sardou
  • 2007 : Les 100 plus belles chansons
  • 2008 : Les 50 plus belles chansons (réédition avec une autre photo)
  • 2009 : Les N°1 de Michel Sardou
  • 2009 : Master Series
  • 2009 : Master Series, volume 2
  • 2012 : Les Grands Moments
  • 2014 : Michel Sardou - La Collection officielle
  • 2017 : Les Géants de la chanson - La Collection officielle
  • 2017 : Mes premières et mes dernières danses - Intégrale des enregistrements studio 1965 - 2012

  Maxi 45 tours

  • 1983 : Vartan Sardou

  Singles

  Note : figurent en gras les singles ayant dépassé les 500 000 exemplaires certifiés.

  Barclay (1965-1968)

  Philips / Tréma (1969-1972)

  Tréma (1973-2000)

  AZ (2004-2010)

  Mercury (depuis 2010)

  Titres étrangers

  Espagnol

  • 1973 : Ciudad de soledad (Les Villes de solitude)
  • 1973 : El Mal de amor (La Maladie d'amour)
  • 1973 : Volver a vivir (Les Vieux Mariés)
  • 1974 : Esa joven feliz (Une fille aux yeux clairs)
  • 1976 : Yo te amaré (Je vais t'aimer)
  • 1977 : A mi manera (Comme d'habitude)
  • 1977 : Diez años ya (Dix ans plus tôt)
  • 1978 : Cantando (En chantant)
  • 1980 : Mi generación (La Génération Loving You)
  • 1980 : Si yo fuera (Si j'étais)
  • 1981 : La Otra mujer (L'Autre Femme)
  • 1981 : Musica (Musica)
  • 1981 : Vengo del sur (Je viens du sud)

  Italien

  • 1970 : I balli populari (Les Bals populaires)
  • 1970 : Star' con te (Et mourir de plaisir)
  • 1973 : L'Eterna malattia (La Maladie d'amour)

  Anglais

  • 1973 : It's not too late to start again (Les Vieux Mariés)
  • 1978 : Last flight (Je vole)

  Vidéographie

  On dénombre 19 clips vidéo dans la discographie de Michel Sardou.

  • 1968 : Les Filles d'aujourd'hui
  • 1970 : Les Bals populaires
  • 1987 : Musulmanes
  • 1988 : Tous les bateaux s'envolent
  • 1988 : La même eau qui coule
  • 1989 : Attention les enfants... danger
  • 1990 : Marie-Jeanne
  • 1990 : Le Privilège
  • 1991 : Le Vétéran
  • 1992 : Le Bac G
  • 1992 : Le Cinéma d'Audiard
  • 2000 : Cette chanson-là
  • 2004 : Loin
  • 2004 : Non merci
  • 2004 : La Rivière de notre enfance
  • 2006 : Beethoven
  • 2007 : Allons danser
  • 2010 : Être une femme 2010
  • 2010 : Voler

  Meilleurs classements en France des albums studio et live

  Notes et références

  Notes

  Références

  Source : Wikipedia
  ]]> Fri, 17 Jan 2020 06:42:00 +0000 https://radiosentimental.fr/artistes/francois-valery-26 https://radiosentimental.fr/artistes/francois-valery-26

  Jean-Louis Mougeot, connu sous le nom de scène de François Valéry, est un auteur-compositeur-interprète français, né le 4 août 1954 à Oran. Il est principalement connu en France pour ses slows et ses tubes disco sortis dans les années 1970 et 1980. Il a également participé à l'écriture des bandes originales de plusieurs films et séries télévisées.

  Biographie

  Les années du succès (1970-1990)

  Jean-Louis Mougeot est issu d'une famille française originaire d'Algérie, communément appelée « pieds-noirs »^,. En 1974, il rencontre Jean-Pierre Barkoff, l'agent artistique de Mike Brant, et prend le pseudonyme de François Valéry en consultant Jacqueline Tordjman, secrétaire de Marcel Amont et voyante, le même année où l'élection présidentielle oppose François Mitterrand et Valéry Giscard d'Estaing^,. Il connaît ses premiers succès avec Une chanson d'été (1974), Qu'est-ce qu'on a dansé sur cette chanson (1976) et Emmanuelle (1980)^,. En 1981, il chante également un slow intitulé Dream in Blue en duo avec l'actrice Sophie Marceau, auréolée à l'époque par le succès du film La Boum de Claude Pinoteau (1980). Le chanteur est rapidement invité à faire les premières parties d'Annie Cordy et de Mireille Mathieu, avant de se produire pour la première fois à L'Olympia en 1984^,. Dans les années 1980, il signe deux tubes populaires : Elle danse, Marie (1983) et Aimons-nous vivants (1989), titre qui atteint la sixième place du hit-parade en France cette année-là. Pendant l'été 1990, sa reprise de C'est la même chanson de Claude François parvient à se hisser jusqu'à la 20^e position.

  François Valéry n'est pas seulement interprète, il compose aussi des chansons pour de nombreux artistes français comme Michèle Torr (Emmène-moi danser ce soir, 1978), Dalida (L'innamorata, 1984), Debbie Davis (J'aime l'amour avec toi (Show Me Tonight), 1984), Jean Marais (On oublie rien, 1988) ou encore Hervé Vilard (Mamma Mia, 1991)^,,. En 1993, il écrit Mama Corsica pour Patrick Fiori. Cette chanson se classe 4^e au Concours Eurovision de la chanson. Par ailleurs, François Valéry travaille régulièrement à l'écriture de musiques de films et de séries tels que Joy de Sergio Bergonzelli (1983), Un été d'enfer de Michael Schock (1984), Les Nanas d'Annick Lanoë (1985), Joy et Joan de Jacques-René Saurel (1985), L'Aventure extraordinaire d'un papa peu ordinaire de Philippe Clair (1990), Joy chez les pharaons de Jean-Pierre Floran (1993), Les Grandes Marées (1993) et Les Filles du Lido de Jean Sagols (1995)^,.

  Une carrière mise à l'arrêt suite à des démêlés judiciaires (1990-2000)

  En 1998, il commence l'écriture d'une comédie musicale originale intitulée L'Ombre d'un géant. Elle raconte l'histoire d'un chanteur disparu qui refait mystérieusement surface sous une autre identité. La première du spectacle a lieu le 12 février 2002 au Théâtre Mogador de Paris avec Rose Laurens, Sophie Delmas et Jonathan Kerr dans les rôles principaux. Les critiques sont mitigées et l'album éponyme se classe seulement 103^e dans le hit-parade français^,. L'Ombre d'un géant s'arrête le 24 mars 2002 au bout de quarante-deux représentations car la société de production de François Valéry est placée en liquidation judiciaire. En effet, la banque de Baecque Beau rejette un chèque de 108 000 euros pour « défaut de provision ». François Valéry juge la banque responsable de sa faillite. Le 26 mars 2004, le tribunal de commerce de Nanterre lui donne raison et condamne l'agence bancaire à verser 50 000 euros au chanteur, mais celui-ci perd son procès en appel en 2005^,. Deux ans plus tard, il accuse également le Théâtre Mogador et la Société des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique (SACEM) d'être à l'origine des déficits de bénéfices de son spectacle en distribuant trop de places gratuitement. En octobre 2008, le tribunal de grande instance de Paris déboute la demande du chanteur en estimant que sa société de production avait elle aussi envoyé des invitations gratuites.

  Ces difficultés judiciaires et financières se poursuivent alors que la comédie musicale aurait pu redémarrer au théâtre des Folies Bergère. Les responsables du Pavillon Henri IV, un établissement de restauration où se tiennent les répétitions du spectacle, accusent François Valéry de ne pas avoir réglé le montant des prestations. À l'automne 2002, il est mis en examen pour abus de confiance et escroquerie. En 2006, la justice reconnaît un non-lieu dans cette affaire^,. Par ailleurs, pendant l'été 2002, Sony Music rompt son contrat avec le chanteur et l'accuse d'avoir falsifié un courrier afin d'utiliser une somme d'argent prêtée par la maison de disque à des fins personnelles^,. En 2004, le chanteur est à nouveau mis en examen pour faux et usage de faux et abus de biens sociaux. Toutefois, après un non-lieu rendu en 2006, la cour d'appel de Versailles estime en 2008 que la plainte déposée par Sony a causé du tort à François Valéry et condamne la maison de disque à lui verser un préjudice financier^,. Au cours de cette période, le chanteur a été contraint de mettre sa carrière entre parenthèse et a rencontré une période de dépression.

  Un come-back musical réussi (2000-2010)

  À la fin des années 2000, il parvient à faire un retour remarqué sur scène. Après une prestation en septembre 2007 dans l'émission de divertissement Les Années bonheur présentée par Patrick Sébastien, il participe en 2013 à la huitième tournée Âge tendre et têtes de bois rendant hommage aux chanteurs des années 1960 et 1970 comme Dave ou Jean-Jacques Debout. L'année suivante, il sort un nouvel album intitulé Je suis venu te dire, son premier en dix-sept ans depuis Qu'est-ce qu'on est con^,. Il parvient à atteindre la 82^e place du hit-parade français, notamment grâce au single Nos DJ font danser le monde (j'avais oublié)^,. Lors d'un entretien avec Bernard Montiel, il revient sur ce retour réussi : « Il y a une popularité qui est toujours là, les gens m'aiment bien, j'ai eu des titres qui ont marqué au moins deux ou trois générations donc ce qui est important c'est de passer un message, dire aux gens que la vie c'est surtout une bouteille à moitié pleine et non pas à moitié vide. Je ne vais pas me plaindre quand tu vois les problèmes que d'autres gens peuvent avoir. J'ai été gâté et je le suis encore. » En 2019, il entame une série de concert dans toute la France.

  Au cours de sa carrière, François Valéry a vendu environ 35 millions de disques et s'est produit plus de 1 500 fois en concert.

  Vie privée

  François Valéry a été marié avec l'actrice Nicole Calfan de 1986 à 1993^,. Ils ont eu ensemble deux enfants : Jérémy, né en 1986, et Michael, né en 1990. Le premier est devenu réalisateur et le second DJ^,. François Valéry a ensuite vécu une courte relation amoureuse avec Lova Moor, ancienne danseuse au Crazy Horse.

  Discographie

  Albums

  Singles

  Références

  Liens externes

  • Ressources relatives à la musique :
    • BBC Music
    • Genius
    • MusicBrainz
    • (en) Discogs
  • Ressources relatives à l'audiovisuel :
    • Allociné
    • (en) Internet Movie Database
  • Site non-officiel pour les fans
  Source : Wikipedia
  ]]> Fri, 17 Jan 2020 12:36:00 +0000 https://radiosentimental.fr/artistes/nicole-croisille-27 https://radiosentimental.fr/artistes/nicole-croisille-27

  Nicole Croisille est une chanteuse, danseuse et actrice française, née le 9 octobre 1936 à Neuilly-sur-Seine.

  Danseuse à la Comédie-Française, Nicole Croisille a été tour à tour mime avec Marcel Marceau, meneuse de revue, actrice de théâtre, de cinéma et de comédie musicale, mais c'est surtout dans la chanson qu'elle s'est illustrée auprès du grand public.

  Après avoir commencé à chanter dans les caves de Saint-Germain-des-Prés et dans les clubs de Chicago, Nicole Croisille a connu un succès fulgurant en 1966 avec Un homme et une femme, la chanson du film Un homme et une femme de Claude Lelouch. Elle s'est ensuite affirmée comme l'une des grandes chanteuses françaises des années 1970 avec des titres comme Une femme avec toi ou Téléphone-moi. Ces succès ont largement mis en valeur sa voix profonde et puissante et ses capacités d'interprétation.

  Biographie

  Enfance et adolescence

  Nicole Croisille nait en 1936 à Neuilly-sur-Seine d'un père directeur d'agence de tourisme et d'une mère pianiste. Elle est attirée très tôt par la scène et elle montre des dispositions pour le chant et la danse. Elle est danseuse à l'Opéra de Paris dès l'âge de huit ans. Néanmoins, son père ne veut pas que sa fille devienne une artiste professionnelle, et il refuse qu'elle se présente au concours des petits rats. Nicole Croisille délaisse son rêve de devenir danseuse classique et prend des cours de dactylographie pendant son adolescence. En parallèle, elle suit toutefois les classes de la Comédie-Française et elle intègre le ballet de la compagnie.

  Débuts

  Pendant les années 1950, Nicole Croisille suit les cours de Marcel Marceau et devient mime ; en 1957, elle effectue une première tournée en Amérique du Sud. Déjà fascinée par le jazz, elle découvre les États-Unis en 1960, lors d'une autre tournée en compagnie du mime Marceau. Elle assiste à des concerts dans des clubs de Chicago et, aidée par ses aptitudes en anglais, elle accompagne parfois des musiciens au chant .

  En France, Nicole Croisille poursuit sa carrière de danseuse et participe à la revue de Joséphine Baker ainsi qu'à des représentations du Bourgeois gentilhomme. Elle joue aussi dans la comédie musicale L'Apprenti fakir avec Jean Marais, une pièce avant-gardiste qui s'arrête après un mois d'exploitation seulement. En 1961, elle est assistante chorégraphe dans le spectacle Jour de fête à l'Olympia monté par Bruno Coquatrix et Jacques Tati à l'occasion de la sortie du film Jour de Fête dans sa première version colorisée. Nicole Croisille chante également en amateur dans les caves de Saint-Germain-des-Prés à la même époque.

  Nicole Croisille acquiert une certaine notoriété au début des années 1960, avec la sortie de ses premiers disques. Elle interprète notamment une reprise de Halleluya, I Love Her So de Ray Charles, et Nous les amoureux, chanson présentée par Jean-Claude Pascal à l'Eurovision pour le Luxembourg. En 1961, elle fait la première partie de Jacques Brel à l'Olympia. Cette même année, elle fait la connaissance de Claude Nougaro qui devient son ami et qui souhaite lui écrire des chansons. Face au succès qu'il rencontre avec ses albums en solo, il abandonne toutefois ce projet. Néanmoins, en cette époque où la mode est aux chanteurs dits « Yéyé », Nicole Croisille ne trouve pas encore sa place auprès du public.

  En 1963, elle se produit au Festival de Jazz d'Antibes Juan-les-Pins accompagnée d'Eddy Louiss à l'orgue Hammond et Phillipe Combelle à la batterie.

  Nicole Croisille retourne aux États-Unis, en 1964, pour y travailler en tant que meneuse de revue. Elle présente ainsi plusieurs tableaux d'un spectacle des Folies Bergère à Broadway. Elle reste un an à New York.

  Succès dans la chanson

  À son retour des États-Unis en 1966, Nicole Croisille connaît un succès planétaire avec la chanson du film Un homme et une femme de Claude Lelouch. Cette chanson, souvent titrée Chabada bien que ce mot ne figure pas dans les paroles, est composée par Francis Lai et interprétée en duo avec Pierre Barouh. C'est la première chanson française à devenir disque d'or aux États-Unis, avec des ventes représentant plus d'un million de dollars. Nicole Croisille retrouve ensuite le réalisateur et le compositeur pour d'autres films : Vivre pour vivre en 1968 et Itinéraire d'un enfant gâté en 1988.

  Dans les années 1960, elle est l'une des deux voix de Anna livia plurabelle, jazz cantata d'André Hodeir, adaptée de Finnegans Wake de James Joyce, enregistrement auquel participèrent des musiciens de la scène jazz française comme Pierre Michelot, Michel Portal, Bernard Lubat, Jean-Luc Ponty et bien d'autres. En 1970, elle est sur la scène du théâtre de la Porte-Saint-Martin dans la comédie musicale La Neige en été aux côtés de Mouloudji et Régine.

  En 1968, la chanteuse prend un pseudonyme éphémère, Tuesday Jackson, pour interpréter la chanson I'll never leave you du film Les Jeunes Loups de Marcel Carné. Elle est la voix française (rôle parlé et rôle chanté) de Shani Wallis dans le rôle de Nancy dans Oliver ! de Carol Reed.

  Il faut toutefois attendre les années 1970 pour que Nicole Croisille retrouve un succès aussi important qu'en 1966. La chanteuse, alors âgée d'une quarantaine d'années, trouve enfin un répertoire taillé sur mesure pour sa voix lorsqu'elle signe avec le producteur Claude Dejacques et l'éditeur Claude Pascal. Ses principaux compositeurs, Francis Lai, Jean-Pierre Lang, Pierre Grosz, Jean Musy et Laurence Matalon, lui assurent une suite de grands succès au fil des années 1970, avec des titres comme Parlez-moi de lui (Il ne pense qu'à toi) en 1973, et Une femme avec toi et Téléphone-moi en 1975, mais aussi Avec le soleil sur la peau en 1973, La vie facile et L'été en 1974, L'amour, l'amour et Je ne suis que de l'amour en 1975, Emma (Je m'appelle Emma), J'ai besoin de toi, j'ai besoin de lui et C'est comme un arc-en-ciel en 1976, Si l'on pouvait choisir sa vie en 1977, La Garonne et Fané, fini, foutu en 1978, Je n'ai pas dit mon dernier mot d'amour et Dansez pour moi en 1979?

  Nicole Croisille présente son premier spectacle en vedette à l'Olympia en 1976 et elle y retourne deux ans plus tard.

  Au cours des années 1980, malgré le succès avec sa reprise du Blues du businessman en 1985, elle se tourne vers ses genres préférés : les musiques noires-américaines, et notamment le jazz, ainsi que le métissage musical en général. Tout comme Nicoletta à qui elle peut être comparée pour son timbre profond et ses influences noires-américaines, Nicole Croisille reste tributaire des compositeurs puisqu'elle n'écrit ni ne compose, ce qui fragilise sa carrière musicale. Aussi, après sa reprise elle ne connaît plus de grand succès dans la chanson. Les compositeurs privilégient les chanteurs plus jeunes de leur propre génération. Elle reprend le chemin de la comédie, en participant à plusieurs pièces de boulevard ainsi qu'à quelques films, téléfilms et séries télévisées.

  En 1983, elle quitte momentanément la France pour le Québec où elle enregistre un disque.

  En 1984, elle publie l'album Nicole Croisille chante Francis Lai - Cinéma, en hommage à son ami Francis Lai. Fin 1985, elle participe, avec un groupe de vingt-quatre femmes, à l'enregistrement d'une chanson pour l'association caritative CARE France. La Chanson de la vie est commercialisée début 1986. On peut aussi la voir dans Itinéraire d'un enfant gâté de Claude Lelouch, sorti en 1988, dans lequel elle interprète Qui me dira.

  En 2003, Nicole Croisille est à l'Olympia lors du festival de la Rose d'Or en compagnie de Gérard Blanc, Dave, Alice Dona, Jacqueline Dulac, Esther Galil, Francis Lalanne, Herbert Léonard, Gilbert Montagné, Julie Pietri, Stone et Charden.

  En 2004, elle revient à l'Olympia, lors du festival de la Rose d'Or, en compagnie de Daniel Guichard, Jeane Manson, Michel Mallory, Julie Pietri, Jacqueline Dulac, Audrey Valorzi, Esther Galil, Yves Lecoq, Christian Delagrange et Gilles Dreu. Elle travaille également avec le musicien André Manoukian, auteur-compositeur, arrangeur et membre du jury de La Nouvelle Star,. En 2006, au théâtre de Dix heures, dans le spectacle Nougaro, le jazz et moi, elle reprend, outre quelques chansons de son répertoire, des standards de jazz, et surtout les plus grandes chansons de Claude Nougaro. Elle reprend le spectacle en tournée en province puis au Grand Rex à Paris. Un album-homonyme sort par la suite.

  Elle enregistre en 2008, en collaboration avec le compositeur Daniel Mercure, un nouveau disque Bossa d'hiver. Au cours des années 2010, Nicole Croisille décide de se consacrer à la comédie musicale.

  Le 7, 8 et 9 octobre 2011, Nicole donne une série de concerts à l'Alhambra à Paris où elle revient le 22 janvier 2012.

  En septembre 2013, elle est en concert avec 450 choristes à Saint-Gervais en (Gironde). Elle se produit au Casino de Paris le 13 octobre 2014.

  En 2015, toutes les bandes originales de ses enregistrements pour les Productions Claude Pascal / Claude Dejacques (de 1973 à 1981) sont sauvegardées par la United Music Foundation , une fondation suisse, basée à Genève, pour la préservation, la mise en valeur et la mise à la disposition du public du patrimoine musical enregistré. Nicole Croisille participe à l'élaboration d'un double CD intitulé "Il était une fois... Nicole" , qui regroupe Croisille 80, l'album qu'elle a préféré enregistrer, grâce à la présence de Michel Colombier comme directeur musical, et Femme... Woman In Your Arms, un album inédit dans les pays francophones qui contient des réinterprétations en langue anglaise de ses plus grands succès, ainsi que de nombreux bonus et titres inédits. En 2015 et 2016, elle présente ce double CD dans quelques émissions télévisées, en parallèle à la promotion de ses différentes comédies musicales dont Irma la douce (m.e.s de Nicolas Briançon), L'Opéra de quat'sous (m.e.s d'Olivier Desbordes) puis Cabaret (m.e.s d'Olivier Desbordes).

  Diversification

  En 1998, elle joue dans Deux mamans pour Noël le rôle d'une chanteuse confrontée à la détresse d'un homme (Antoine Duléry) qui recherche sa mère.

  En 2005, Nicole participe à la saga de l'été Dolmen où elle campe le rôle d'Yvonne Le Bihan, patronne de la faïencerie de Ty Kern et excellente mégère qui cache de gros secrets?

  Après le succès de ses spectacles musicaux avec Briançon et Desbordes, suivront deux pièces de théâtre : Jeanne de Jean Robert-Charrier mis en scène par Jean-Luc Revol, puis Hard d'après Cathy Verney mis en scène par Nicolas Briançon.

  En 2020, après avoir joué plusieurs moi au Théâtre de la Michodière aux côtés de Michel Sardou dans N'écoutez pas Mesdames de Sacha Guitry mis en scène par Nicolas Briançon, elle se lance dans une tournée aux côtés d'Eric Perez et Manuel Peskine dans un tour de chant intitulé La Croisille s'amuse.

  Discographie

  Albums studio

  Compilations

  • 1973 : Ses grands succès, vol. 1, 33 tours compilation, Musidisc
  • 1974 : Ses grands succès, vol. 2, 33 tours compilation, réédité en CD en 1992, également sorti sous la forme d'un album double
  • 1980 : Compilation Disque d'or, 33 tours, EMI
  • 1986 : Nicole Croisille, les plus belles chansons, Éditions 23
  • 1988 : Nicole Croisille, ses plus belles chansons, CD compilation, Melody
  • 1991 : Les Plus Grands Succès de Nicole Croisille, CD, Carrère
  • 1992 : Super Croisille, triple CD compillation, Flarenash
  • 2001 : De vous à moi, CD et long box 4 CD, ULM
  • 2003 : Nicole Croisille, CD compilation, Wagram
  • 2003 : Collection Légende, CD, Wagram

  En public

  • 1976 : Olympia 76 (en public), 33 tours, Panda
  • 1978 : Olympia 78, 33 tours, Panda
  • 1981 : Nicole Croisille au Théâtre des Champs-Elysées, double 33 tours en public, RCA
  • 1997 : Une femme, CD en public, BMG

  Bandes originales de film

  • 1966 : Un homme et une femme (BO), 33 tours, AZ
  • 1967 : Vivre pour vivre (BO), 33 tours, AZ
  • 1978 : Peter et Elliott le dragon (Pete's Dragon, doublage français) Voix de Nora & chansons :
    • Comme un petit point de lumière (Candle on the water, générique d'ouverture)
    • Un dragon ! (I Saw a Dragon) - Lampie, Nora et chœur
    • Ce n'est pas rien (It's not Easy) - Peter et Nora
    • Y'a du bonheur (There's Room for Everyone) - Nora, Peter et chœur
    • Belle Journée (Brazzle Dazzle Day) - Nora, Peter et Lampie
    • Un acte de vente (Bill of Sale) - Lena Gogan, Nora
    • Un dragon ! (reprise) - Lampie, Nora et chœur
    • Belle Journée (reprise) - Nora, Peter et Lampie.
  • 1981 : Les Uns et les Autres (BO), double 33 tours, RCA
  • 1981 : La Puce et le Privé (BO), Children 33 tours
  • 1987 : Itinéraire d'un enfant gâté (BO), Pathé
  • 1990 : Il y a des jours... et des lunes (BO) CD, CBS

  Théâtre

  • 1957 : L'Apprenti fakir de Jean Marais, chorégraphie et mise en scène de Georges Reich, lyrics de Charles Aznavour, musique de Jeff Davis, Théâtre de la Porte-Saint-Martin
  • 1958 : Les Matadors de Marcel Marceau, Théâtre de l'Ambigu
  • 1960 : Une colonne à la cinq de Jean Yanne, Théâtre des Trois Baudets
  • 1961 : Loin de Rueil de Maurice Jarre et Roger Pillaudin d'après Raymond Queneau, mise en scène de Maurice Jarre et Jean Vilar, TNP Théâtre de Chaillot
  • 1971 : Les P'tites Femmes de Broadway de George Haimsohn et Robin Miller, mise en scène de Michel Vocoret, Théâtre des Nouveautés
  • 1992 : Hello, Dolly !, Théâtre du Châtelet (en version originale)
  • 1996 : Folle Amanda de Pierre Barillet et Jean-Pierre Grédy, mise en scène de Raymond Acquaviva
  • 1999 : Coup de soleil de Marcel Mithois mise en scène de Raymond Acquaviva, Théâtre des Bouffes-Parisiens, tournée
  • 2003 : Trois chambres à Manhattan d'après Georges Simenon, musique de Claude Lombard, mise en scène de Jean-Luc Tardieu, Opéra royal de Wallonie Liège
  • 2003 : Les Monologues du vagin de Eve Ensler, mise en scène d'Isabelle Ratier, Théâtre de Paris
  • 2010 : Jalousie en trois mails de Esther Vilar, mise en scène de Didier Long, Théâtre de la Tête d'Or Lyon, Théâtre Montparnasse avec Margaux Faure et Émilie Chesnais
  • 2011 : Les Monologues du vagin de Eve Ensler, mise en scène d'Isabelle Ratier, Théâtre Michel
  • 2013 : Follies de Stephen Sondheim, mise en scène d'Olivier Bénézech, Opéra de Toulon (en version originale).
  • 2014 : Cabaret, mise en scène Olivier Desbordes, tournée festivals
  • 2015 : Irma la douce de Alexandre Breffort, mise en scène Nicolas Briançon, Théâtre de la Porte Saint-Martin
  • 2016 : L'Opéra de quat'sous de Kurt Weill et Bertolt Brecht, mise en scène Olivier Desbordes, tournée festivals
  • 2017 : Jeanne de Jean Robert-Charrier, mise en scène Jean-Luc Revol, Théâtre du Petit Saint-Martin
  • 2018 : Hard, adaptation de Bruno Gaccio, mise en scène Nicolas Briançon, Théâtre de la Renaissance
  • 2019 : N'écoutez pas, mesdames ! de Sacha Guitry, mise en scène Nicolas Briançon, Théâtre de la Michodière

  Filmographie

  Cinéma

  • 1969 : Erotissimo de Gérard Pirès : Florence
  • 1970 : Underground d'Arthur H. Nadel : la chanteuse du bistrot
  • 1981 : Les Uns et les Autres de Claude Lelouch : Nicole Croisille
  • 1990 : Il y a des jours et des lunes de Claude Lelouch : la chanteuse du mariage
  • 1995 : Les Misérables de Claude Lelouch : M^me Thénardier
  • 2013 : La Cage dorée de Ruben Alves : M^me Reichert

  Télévision

  • 1971 : Ubu enchaîné de Jean-Christophe Averty
  • 1973 : Musidora de Jean-Christophe Averty : Colette Willy
  • 1976 : Émilie ou la Petite Sirène 76 de Michel Berger
  • 2001 : Villa mon rêve de Didier Grousset
  • 2001 : Maigret et le marchand de vin de Christian de Chalonge
  • 2005 : Dolmen de Didier Albert
  • 2006 : Un viol de Marion Sarraut (Ref: http://www.allocine.fr/film/fichefilm-173425/casting/)
  • 2009 : Beauté fatale de Claude-Michel Rome
  • 2013 : Alice Nevers, le juge est une femme - Peur en ville (saison 11, épisode 5) : Françoise Marcotte
  • 2015 : Profilage - Sacrifiées (saison 6 épisode 5)
  • 2017 : Nina

  Engagement

  • Pédagogie : Nicole Croisille est marraine depuis 1999 du Centre des Arts Vivants, une école de comédie musicale
  • En septembre 2018, à la suite de la démission de Nicolas Hulot, elle signe avec Juliette Binoche la tribune contre le réchauffement climatique intitulée « Le plus grand défi de l'histoire de l'humanité », qui parait en une du journal Le Monde, avec pour titre L'appel de 200 personnalités pour sauver la planète.

  Décoration

  Le 15 décembre 2010, elle est faite chevalier dans l'ordre de la Légion d'honneur par Frédéric Mitterrand.

  Notes et références

  Bibliographie

  • Nicole Croisille et Thierry Lecamp, Je n’ai pas vu passer le temps, Le Cherche midi, Paris, 2006 (ISBN 2-7491-0872-1)

  Liens externes

  • (en) Nicole Croisille sur l’Internet Movie Database
  Source : Wikipedia
  ]]> Sat, 18 Jan 2020 13:00:00 +0000 https://radiosentimental.fr/artistes/michel-berger-28 https://radiosentimental.fr/artistes/michel-berger-28

  Michel Berger peut désigner :

  • Michel Berger (1947-1992), un pianiste, auteur-compositeur-interprète, directeur artistique et arrangeur musical français ;
  • Michel Berger, appelé aussi Cœur brisé, le premier album studio enregistré par Michel Berger en tant que chanteur.
  Source : Wikipedia
  ]]> Sun, 19 Jan 2020 12:36:00 +0000 https://radiosentimental.fr/artistes/jean-luc-lahaye-29 https://radiosentimental.fr/artistes/jean-luc-lahaye-29

  Jean-Luc Lahaeye, dit Jean-Luc Lahaye, est un chanteur de variétés, auteur et compositeur français, né le 23 décembre 1952 à Paris 10^e.

  Il connaît le succès en tant que chanteur entre 1982 et 1987, et en tant qu'animateur de télévision avec son émission Lahaye d'honneur.

  Biographie

  Enfant, Jean-Luc Lahaye est placé à la DDASS où il est inscrit sous le matricule 65 RTP 515. Plus tard, il apprend le métier d'ajusteur à la Snecma. C'est au cours de cette période qu'il commet quelques délits qui lui valent d'être condamné à six mois de prison en 1976 ? peine qu'il effectue à Fresnes. Il est aussi, entre autres, chauffeur et garde du corps de Zizi Jeanmaire.

  Carrière musicale

  Les débuts

  Jean-Luc Lahaye commence ses spectacles lorsqu'il est embauché comme barman dans un restaurant, dont le patron, Gérard Pedron, deviendra son producteur. La chanteuse Dalida, qui fréquentait l'établissement, sera sa marraine de spectacle. À cette époque, elle vit seule et souhaite une présence régulière dans sa maison. De 1975 à 1979, elle lui loue un petit appartement au dernier étage de sa résidence. C'est en 1979 qu'il sort son premier 45 tours, Maîtresse, maîtresse, puis en 1980 un second, Allez viens, et un troisième : C'est quand l'entr'acte. Le succès n'est toujours pas au rendez-vous. Il se produit pour la première fois sur scène au théâtre de la Potinière en 1981 (spectacle de Rachid Bahri).

  Les succès

  Jean-Luc Lahaye obtient son premier succès en 1982 avec Femme que j'aime. Son premier album, Appelle-moi Brando, sort en 1983. Il se produit alors en première partie des spectacles de Linda de Suza et de Michel Leeb à l'Olympia en 1983 et 1984. Il connait à nouveau le succès avec Décibelle, Appelle-moi Brando et, en 1984, il sort un second album, Peur, avec de nouveaux titres comme Pleure pas, Plus jamais et surtout Papa chanteur, dédié à sa fille Margaux. Avec ce titre, il reste 28 semaines au Top 50 (1 200 000 exemplaires écoulés).

  En 1985, il publie un livre autobiographique, Cent familles. L'année suivante, il est tête d'affiche à l'Olympia avec les chansons de son troisième album Flagrant délit tendresse (incluant Il faudrait que tu reviennes, Lettre à la vieille et Djemila des lilas). En 1987, il donne plusieurs concerts à guichets fermés au Palais des sports de Paris, où un album "live" est enregistré. La même année, il devient le présentateur d'une émission de divertissements sur TF1, Lahaye d'honneur, dont il interprète la chanson du générique, Débarquez-moi.

  Son quatrième album, En vol, passera inaperçu malgré les titres L'amour pour qui (qu'il interprète avec son ex épouse Aurélie) et Gamine. Deux autres singles inédits paraissent, Do l'enfant d'eau (1988) et Partie sans laisser d'tendresse (1989), mais ne rencontreront pas plus de succès. En 1991, avec la collaboration de Michel Mallory, il publie l'album Paroles d'homme. Une compilation, Chanteur, sort en 1993 avec un titre inédit, Tu peux lui dire. En 1994, il coécrit avec Jean-Paul Dréau l'album Parfum d'enfer. Il enregistre en 1997 une nouvelle version de Femme que j'aime pour son album Rendez-vous où figurent de nouveaux titres comme Si tu pars, Gloria (dédié à sa seconde fille) ou encore une reprise de Sous quelle étoile suis-je né de Michel Polnareff.

  Retour gagnant

  En 2004, Jean-Luc Lahaye participe à l'émission de TF1 Retour gagnant : des chanteurs qui ont eu leur heure de gloire passée viennent chanter deux titres, et le public vote pour son artiste préféré. Jean-Luc Lahaye obtient alors le plus grand nombre de votes des téléspectateurs.

  Le 6 avril 2004, il sort son huitième album (préparé essentiellement avec Didier Barbelivien), Gloria, du prénom de sa deuxième fille. Il donne un concert à l'Olympia le 20 décembre 2004, durant lequel un album live et un DVD sont enregistrés. Une tournée a lieu en France et en Suisse durant l'année 2007, et un album de reprises des années 1960-1970, Chansons que j'aime, sort en février 2008. Après une nouvelle tournée durant l'été 2010, il se produit à nouveau sur la scène de l'Olympia les 10 et 11 septembre 2010.

  En 2009 et 2012, il fait partie des têtes d'affiches du spectacle RFM Party 80. Il figure également dans le film Stars 80, sorti le 24 octobre 2012, dans lequel il joue son propre rôle.

  Le 6 août 2012, paraît l'album Jean-Luc Lahaye 1982-2012, 30 ans de chansons sous forme d'un coffret comprenant des inédits (dont Menteur tricheur) et un Best of, et le DVD de l'Olympia 2010.

  Famille

  Avec son ex-épouse Aurélie, Jean-Luc Lahaye a deux filles : Margaux (1984) et Gloria (1986). Jean-Luc Lahaye est à l'origine d'une fondation en faveur des enfants déshérités, la Fondation Cent Familles.

  Activités publiques

  Jean-Luc Lahaye s'est lancé dans l'écriture en 1985 avec un livre autobiographique, Cent familles, succès de ventes en librairie. Il est suivi, en 1988, de Cent familles Tome II. En 1994, il publie une fiction futuriste Parfum d'enfer, à lire en écoutant un album éponyme sorti la même année. En 2005, parait une nouvelle édition complétée, Cent familles - De la DDASS à la vie.

  En 1986, Jean-Luc Lahaye crée la Fondation Cent Familles, qui vise à venir en aide aux enfants « en panne de parents ». L'inauguration aura lieu le 8 octobre 1986 à Clichy en compagnie du président François Mitterrand. Le 16 décembre de la même année, Donne-moi la main, une émission de 4 heures en direct sur TF1, réunit les plus grands artistes, hommes politiques et autres personnalités, afin de réunir des fonds pour la « Fonda ». Les promesses de dons atteignent des montants inespérés, les plus grandes entreprises françaises offrent leurs services. Depuis, la Fondation Cent Familles a accueilli et élevé plus de mille enfants dans ses différentes maisons. Actuellement 120 enfants vivent dans trois établissements et dix familles satellites accueillent les placements de longue durée.

  Après avoir animé l'émission caritative Cent familles, il rejoint TF1 en septembre 1987, à la demande de Dominique Cantien qui réussit à convaincre la direction de la chaîne, en animant son émission Lahaye d'honneur. Ce programme en direct mêle variétés et financement d'œuvres caritatives, et sera diffusé pendant un an et demi. Il en chante lui-même la chanson du générique à chaque émission (Débarquez-moi), accompagné par les ballets de Redha.

  En 2001, il ouvre un dîner-spectacle, le « studio 287 », qu'il transforme rapidement en discothèque. Il vend cet établissement pour se consacrer exclusivement à sa carrière de chanteur après son succès à l'émission Retour gagnant en 2004.

  Depuis 2018, Jean-Luc Lahaye est président du comité directeur de l'association de parachutisme sportif de Frétoy-le-Château, Skydive Frétoy. Il compte plus de 1400 sauts en parachute à son actif.

  Justice et polémiques

  Le 8 janvier 2007, l'artiste est condamné à une amende de 10 000 euros pour atteinte sexuelle sur mineur de 15 ans lors d'un procès à huis clos au tribunal correctionnel de Paris. Selon la presse, les débats ont porté en particulier sur l'âge que la plaignante avait, et sur l'âge qu'elle avait dit avoir, au moment des faits.

  Le chanteur est interpellé le 11 février 2015 par l'Office central de répression des violences aux personnes de la police judiciaire. Il est présenté à un juge d'instruction le lendemain avant d'être mis en examen. Placé sous contrôle judiciaire avec interdiction de quitter le territoire et obligation de recevoir des soins, il est convoqué le 23 mars au tribunal de grande instance de Paris pour corruption de mineure aggravée par l'utilisation d'un réseau de communication électronique pour une proposition sexuelle à une mineure de moins de 15 ans, ainsi que par la détention d'images pédopornographiques^,. Lors de ce procès qui s'est tenu à huis clos, le parquet a requis deux ans de prison avec sursis. Le lundi 18 mai 2015, le tribunal correctionnel de Paris rend sa décision et condamne le chanteur à un an de prison avec sursis pour corruption de mineur de 15 ans ; il est en revanche relaxé des chefs d'accusation de « proposition sexuelle à mineur de quinze ans » et de « détention d'images pédopornographique de mineur de quinze ans »^,.

  En octobre 2017, l'association La Voix de l'Enfant reproche à Jean-Luc Lahaye une réplique de la bande-annonce de Stars 80, la suite (« [mes copines] vont venir ! Mais à cette heure-ci elles sont au lycée... Ben oui, elles passent le bac ») qu'elle juge déplacée dans la bouche d'un homme de 64 ans, dans un film où il joue son propre rôle. Jean-Luc Lahaye fait répondre par son avocat que « la plaisanterie litigieuse s'inscrit uniquement dans le caractère comique du film, dont Jean-Luc Lahaye n'est ni le dialoguiste, ni le réalisateur ». Il ajoute que le chanteur « n'a jamais eu la moindre intention de blesser, de choquer ni de heurter quiconque, et regrette vivement si cela a pu être le cas ». Face à la polémique, l'attachée de presse du film annonce que la scène sera coupée au montage.

  Discographie

  Cinéma

  • 2012 : Stars 80 de Frédéric Forestier : dans son propre rôle
  • 2017 : Stars 80, la suite de Thomas Langmann : dans son propre rôle

  Publications

  Notes et références

  Voir aussi

  Article connexe

  • Lahaye d'honneur

  Liens externes

  • Site officiel Jean-Luc Lahaye
  • Association Jean-Luc Lahaye Cent Familles
  Source : Wikipedia
  ]]> Sun, 19 Jan 2020 12:38:00 +0000 https://radiosentimental.fr/artistes/daniel-guichard-30 https://radiosentimental.fr/artistes/daniel-guichard-30

  Daniel Guichard est un auteur-compositeur-interprète et producteur français, né à Paris le 21 novembre 1948, d’un père breton soudeur en usine, Henri Guichard, et d’une mère à la triple origine russe, polonaise et ukrainienne.

  Biographie

  Grandissant non loin du quartier des Halles, Daniel perd son père à l’âge de quinze ans et doit, pour vivre, travailler aux Halles de Paris, où il décharge les légumes et les fromages. Attiré par la carrière musicale, il se produit le soir, après le travail, dans des cabarets de Montmartre ou de Saint-Germain-des-Prés en interprétant, accompagné d’un accordéoniste, des airs d’Aristide Bruant sur lesquels son accent « parigot » fait merveille.

  Il décroche d'abord un poste d’employé aux stocks chez la maison de disques Barclay, mais ne le conserve pas longtemps : en 1966, le tout jeune stockiste abandonne son poste pour signer un contrat d’interprète, toujours chez le même éditeur. Mais les premières années de carrière de Daniel Guichard sont assez discrètes : il enregistre des disques à partir de 1967 (n^o 1, C’est parc’que j’suis né à Panam’, des reprises d'Aristide Bruant...) mais doit se contenter de chanter dans des petites salles ou des cabarets. Daniel Guichard est surtout révélé au début des années 1970 grâce au succès de La Tendresse.

  1972 : L'Olympia

  En 1972, il monte pour la première fois sur la scène de l'Olympia. C'est cette année-là qu'il décroche ses premiers gros succès avec les chansons La Tendresse et Faut pas pleurer comme ça, qui lui permettent de se positionner sur le créneau « viril-mais-charmeur » de Michel Sardou. La Tendresse, morceau écrit par Patricia Carli, était une chanson initialement prévue pour Mireille Mathieu, mais refusée par Johnny Stark, l’impresario de cette dernière. Daniel Guichard modifiera le texte et la chanson connaîtra un destin d’exception, s’imposant comme l’un des standards du chanteur. La chanson deviendra l'un des classiques de la chanson française des années 1970. La même année, il se produit à l’Olympia - en vedette, cette fois-ci.

  Il connaît par la suite une série de succès avec Faut pas pleurer comme ça (sur une musique de Christophe), Chanson pour Anna, composée par Pascal Danel, et l'incontournable Mon vieux (1974), dédiée à son père défunt et écrite avec Jean Ferrat pour la musique et Michelle Senlis qui avait écrit le premier texte. Il en modifie quelque peu le texte pour en faire un titre personnel, conçu comme un hommage à son père. Cette réappropriation de la chanson par Daniel Guichard, qui cosigne le nouveau texte, créera d’ailleurs quelque polémique avec Michelle Senlis, peu ravie de voir un titre écrit à l’origine par elle attribué à un nouvel auteur (bien qu’au corps défendant de ce dernier) : le chanteur a la désagréable surprise de se voir intenter, des années après la sortie du morceau, un procès par Michelle Senlis.

  En 1974, Daniel Guichard sort un disque reprenant les chansons d’Édith Piaf, revendiquant au passage son identité de « Parigot ». En 1975 et 1976, il se produit à nouveau à l’Olympia.

  Vedette populaire

  Dans la seconde moitié des années 1970, Daniel Guichard poursuit son chemin de chanteur populaire et de charme, avec des disques dont les titres parlent d’eux-mêmes quant à leur registre : Je t'aime, tu vois, Je viens pas te parler d’amour, C’est pas facile d’aimer, T’aimer pour la vie, Pour ne plus penser à toi, Le Cœur à l’envers... Il ne néglige pas pour autant la chanson « engagée » se fendant d’une Chanson pour Anna, dédiée à Anne Frank.

  Voix grave et pure, cheveux grisonnant tôt dans la vie qui lui conférent son côté mature, Guichard est un chanteur de variétés à l’ancienne, assumant avec sérieux et sans tapage son statut de vedette populaire. L’homme est cependant épris d’indépendance et, en 1975, se lance dans la production avec le label Kuklos, ce qui l’amènera par exemple à produire le célèbre groupe punk-rock La Souris Déglinguée, comme le souligne plusieurs fois le site rockmadeinfrance.com, preuve d'éclectisme et d'ouverture d'esprit.

  Les activités de producteur de Daniel Guichard ne le détournent cependant pas de la chanson : en 1983, il remporte un grand succès avec les chansons Le Gitan (inspirée par sa rencontre avec le boxeur Pierre-Fanck Winterstein), Doucement et Le Nez au mur. Il enregistre également des reprises de Maurice Chevalier et Charles Trenet. À la même époque, le chanteur participe à l’épopée des radios libres, en montant depuis son jardin une radio pirate dédiée uniquement à la chanson française, Radio Bocal, qui émet 24 heures sur 24 grâce à une équipe largement bénévole.

  En 1999, il signe pour s'opposer aux frappes aériennes de l'OTAN contre la Serbie à la guerre de Yougoslavie la pétition « Les Européens veulent la paix », initiée par le collectif Non à la guerre.

  Toujours en marge des grands circuits de production et de distribution, il n'en cultive pas moins son indépendance avec constance et en 2012, après 20 ans d'absence, il sort un nouvel album, intitulé Notre histoire.

  Daniel Guichard est également actif sur le terrain humanitaire et organise une tournée de bienfaisance au profit de la recherche contre le cancer, avec les participations bénévoles d’artistes comme Salvatore Adamo ou Richard Cocciante.

  L'Olympia, à nouveau

  En novembre 2011, il sort une nouvelle chanson sous le titre Combien de fois disponible en téléchargement légal sur son site officiel.

  Du 14 au 22 avril 2012 il se produit sur la scène de l'Olympia à Paris.

  Du 21 au 25 novembre 2018, il se produit à l’ Olympia à Paris.

  Vie personnelle

  Daniel Guichard réside à Sauvian dans l'Hérault.

  Il est le père de sept enfants :

  • Gwenaëlle (1969), Armelle (1974) et Anaël (1976) de son union avec Claudine ;
  • Emmanuelle (1984) de sa relation avec Michèle ;
  • Gabriel (1989), Joël, (1993) et Raphaël, (1997) avec Christine sa compagne actuelle.

  Discographie

  Albums studio

  • 1969 : Le Paname de mes dix ans
  • 1973 : La Tendresse
  • 1974 : Mon vieux
  • 1974 : Daniel Guichard chante Édith Piaf
  • 1976 : Je t’aime tu vois
  • 1976 : Les chansons que j’aime
  • 1976 : Je n'fais rien
  • 1977 : À quoi bon chercher?
  • 1978 : Je viens pas te parler d’amour
  • 1979 : À la santé des fous
  • 1980 : Album 1980
  • 1981 : T’aimer pour la vie
  • 1981 : Parlez-moi d'amour
  • 1982 : Le gitan
  • 1983 : Daniel Guichard chante Maurice Chevalier
  • 1983 : Daniel Guichard chante Charles Trenet
  • 1983 : J’aimerais
  • 1984 : Ballade pour un enfant qui dort
  • 1985 : Si quelqu'un
  • 1986 : Tournefeuille
  • 1989 : Pour elle
  • 1991 : Retour
  • 1992 : Gamberge
  • 2012 : Notre Histoire

  Filmographie

  Cinéma

  • 1972 : What a Flash! de Jean-Michel Barjol
  • 2014 : Bon Rétablissement ! de Jean Becker : Serge

  Notes et références

  Source : Wikipedia
  ]]> Sun, 19 Jan 2020 12:38:00 +0000 https://radiosentimental.fr/artistes/claude-barzotti-31 https://radiosentimental.fr/artistes/claude-barzotti-31

  Claude Barzotti, de son vrai nom Francesco Barzotti, est un chanteur italo-belge né à Châtelineau dans la province de Hainaut, en Belgique le 23 juillet 1953. Après avoir vécu quelques années en Italie, il s'installe définitivement en Belgique durant sa petite enfance. Il vit aujourd'hui en Belgique, à Court-Saint-Étienne. Sa carrière de chanteur est marquée par plusieurs succès durant les années 1980.

  Biographie

  Claude Barzotti, élevé en Italie à Cai'Serra sur la côte adriatique, s'installe définitivement en Belgique à l'âge de 18 ans.

  En 1981, Claude Barzotti réenregistre : Madame, dont il avait fait une première version en 1975, et qui se vend à plus de 400 000 exemplaires au courant de l'année 1983. La chanson Le Rital lui vaut son plus grand succès (N°1 en France), et le titre du morceau devient son sobriquet. Parmi ses grands succès, on pourra citer aussi Je ne t'écrirai plus. Après un nouveau grand succès en 1990 avec le slow Aime-moi, la carrière de Claude Barzotti va s'essouffler. À la rentrée 1998 sur RTL-TVI, il est juré du concours de chanteurs amateurs Stars ce soir aux côtés de Marie-Christine Maillard et Sophie Favier. Il profite de la vague nostalgique qui secoue la France à l'orée des années 2000, mais sans jamais retrouver son rayonnement d'antan. Grâce à sa voix rauque et à ses grands succès populaires, Claude Barzotti reste toutefois l'un des visages marquants de la musique des années 1980.

  Claude Barzotti est aussi l'auteur d'un titre non publié : La France est aux Français. La chanson est écrite pour sa comédie musicale Les Nouveaux Nomades, qui n'a pas été montée. Claude Barzotti ayant pré-enregistré toutes les chansons afin de préparer les autres acteurs-chanteurs, La France est aux Français fut diffusée sur le net sans l'accord des auteurs. Depuis, la chanson fait l'objet d'échanges importants par peer-to-peer. Cela a été l'occasion d'une certaine polémique, des personnes ignorant le contexte de la chanson y ayant vu les opinions de Claude Barzotti lui-même et non du personnage qu'il interprète.

  Claude Barzotti a fait son retour en France avec un best of reprenant en 2003 un standard italien Vado Via. Deux chansons (Le Rital et Madame) de Claude Barzotti figurent dans la bande son du film Camping.

  Claude Barzotti a participé aux saisons 3, 4 et 5 de la tournée Âge tendre et Têtes de bois de 2008 à 2011. Il a également participé à la Croisière Âge Tendre en décembre de la même année.

  Claude Barzotti a rempli l'Olympia les 19 et 20 janvier 2009 avec le spectacle Je reviens d'un voyage. Un album live et un double CD de cet Olympia sortent au printemps 2009. Il participe au Zénith de la solidarité le 20 février 2011 au Zénith de Lille.

  Son album Le temps qui passe sort en juin 2015. Il continue d'enchaîner les galas et concerts. En novembre 2017, il participe à la croisière Age Tendre.

  De janvier à avril 2020, il participe à la tournée Âge tendre, la tournée des idoles, aux côtés notamment de Michèle Torr, Herbert Léonard et Jeane Manson.

  Distinctions

  • Officier de l'Ordre de Léopold II (2005)

  Sport

  Claude Barzotti fut membre du club de tennis de table « la Palette Stéphanoise » lorsque ce même club n'en était encore qu'à ses balbutiements. En 1974, il est membre de la première équipe du club à être championne de sa division. Quarante ans plus tard, il est toujours sponsor du club, bien qu'il ne participe plus à ses activités.

  Discographie

  Albums studio

  • 1981 : Madame
  • 1983 : Le Rital
  • 1984 : Beau, j's'rai jamais beau
  • 1986 : C'est moi qui pars...
  • 1987 : J'ai les bleus
  • 1990 : Aime-moi
  • 1991 : Douce
  • 1991 : Amami
  • 1992 : Pour elles
  • 1993 : Chante en italien
  • 1993 : Chante noël
  • 1996 : Je t'apprendrai l'amour
  • 1998 : Émotions
  • 2000 : La France est aux Français (jamais sorti en album)
  • 2003 : Ancora
  • 2012 : Une autre vie
  • 2012 : Re-chante noël
  • 2015 : Le temps qui passe

  Références

  Liens externes

  • Site officiel
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